Plagios en la música.

re la sim fa#m sol re sol la

Con estos acordes del canon de Pachelbel se han compuesto infinidad de canciones. Plagio armónico.

El canon de Pachembel: los acordes están en cantidad de melodías. Haces estos acordes he inventas melodías con un ritmo: tambien hay canciones españolas así Cuentame(formula quinta),amor de medianoche (cecilia),la senda del tiempo(celtas cortos) ,Marilin(manolo tena),frio(alarma),linda(Migue l bose),un beso y una flor(nino bravo)

El ritmo y la armonia en la música se parecen en todas canciones. Pero hay algunas canciones que con descaro plagian todo hasta la melodía. Hoy me he enterado de este plagio por los del Rio. Es que es identica, pero me gusta más esta versión. La música consiste en mezclar 12 sonidos , con sus figuras, valores , velocidad, nos saldrían millones de combinaciones. En una canción hay entre 300 y 500 figuras, corcheas, negras, con puntillo , anacrusas, contratiempos . En el rock se usan tres acordes y hay infinidad de melodías con estos acordes, por ello parecen todas canciones iguales. Les damos más velocidad, o tiempos diferentes: 2/4, 4/4 etc…. Do, fa, sol , rem , etc muchas canciones con estos acordes. Pero las notas casi son las mismas, cambias una corchea por negra, un blanca por semicorcheas… etc….. Todo igual…

Original

Macarena.

En esta página he encontrado los plagios más sonados IR A LA PÁGINA

Bacanal. Danza

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Bacanal.
Danza ruidosa y agitada, que acompañaba al culto de Baco. En la terminología musical moderna, este nombre fue en primer lugar aplicado a las canciones báquicas insertas en una colección que apareció en Caen, en 1615. Pero esta aplicación fue excepcional y, en 1716, se encuentra de nuevo esta palabra como título de algunas obras de F. Couperin,. para clavicémbalo. Hacia 1800, Steibélt publicó en París un cuaderno de 12 bacanales para piano con acompañamiento de tamboril o de pandero. Este género de danza y de música tuvo cierta preponderancia en los salones de la época del Directorio. Las bacanales fueron introducidas en algunos ballets y óperas. La de Aguiles en Scyros, de Cherubini, fue imitada por Spon-tini en un fragmento añadido a Las Danaides, de Salieri (1817). La más célebre de todas las bacanales fue la que Wagner escribió para las representaciones de Tannháuser en París (1861). El ballet de Mauricio Ravel Dafnis y Cloe finaliza con una brillante bacanal. Ninguna tradición de forma limita la inventiva del compositor en las obras que llevan este título. En ellas el músico tiende libremente a realizar, mediante la animación de los ritmos y la riqueza del colorido, la descripción musical de las escenas evocadas.

Cronología del jazz. Historia de la música

Cronología de jazz :1885-1922

Fuentes internet. Dónde aprendo historia del jazz.

CRONOLOGÍA DEL JAZZ 
1885-1922 
1885-1922 1923-1939 1940-1950 1951-1969 1970-2005 
Año Fecha Acontecimientos 

En el principio (1885-1922) está el blues, las canciones de trabajo en las plantaciones de algodón o “worksong“; la comedia y el vodevil; la marginación del negro hasta denigrarlo en espectáculos atrozmente racistas y burlescos, intentando alargar la figura del “Tío Tom”. La música no era jazz y sí, un batiburrillo de ritmos y sonidos (los rag, las pianolas, etc) que algunos blancos imitaban con algún éxito. Desde el último cuarto del siglo XIX, el jazz estaba, no obstante, incubándose en La Louisiana (New Orleáns)

1885 01/01/85 Nace Joe “King” Oliver en una plantación cerca de Donaldsville al sur de Baton Rouge (Louisiana). Joe Oliver fue el primer solista en la historia del jazz cuando grabó “Dippermoucht Blues” en 1923 con su Creole Jazz Band.

1886 01/01/86 Nace en Columbus (Georgia) Gertrude Pridgett, conocida en el mundo del Blues y del Jazz como “Ma Rainey”, la madre de los blues. Ma Rainey fue la primera gran interprete de blues de la historia. 

1890 20/10/90 Nace en New Orleans, Ferdinand LaMothe, conocido en la historia del Jazz por su apodo: Jelly Roll Morton. Morton fanfarroneaba con haber “inventado” el jazz. 

1891 01/01/91 Nace en Indiana (EE.UU.), Cole Porter, uno de los grandes compositores americanos de toda la historia y fuente inagotable de composiciones musicales. 

1892 12/04/92 Nace en New Orléans el gran clarinetista de Jazz, Johnny Dodds, uno de los tres clarinetistas clásicos que New Orleáns dio al Jazz junto con Jimmie Nonne y Sidney Bechet. 

1894 01/01/84 Nace en Chattanooga (Tennessee) Bessie Smith conocida como “La Emperatriz del Blues”. Bessie Smith fue la primera gran cantante de blues en actuar para un público blanco. 

1895 01/01/95 Nace en New Orleáns el clarinetista de Jazz, Jimmie Nonne. 

1897 14/05/97 Nace en New Orleáns, Sidney Joseph Bechet (Sidney Bechet), un músico genial y considerado como el primer gran solista de la historia del Jazz. Cuando murió en Paris, ciudad a la que siempre consideró su segunda patria, le rotularon una calle con su nombre que aún permanece junto a la “Rue Armstrong”. 

1897 18/12/97 Nace en Cuthberg (Georgia), Fletcher Henderson, pianista de Jazz y director de Orquesta. La orquesta de Fletcher Henderson fue considerada como la primera bigband de la historia y a ello contribuyó Louis Armstrong, primer cornetista de su orquesta. 

1899 29/04/99 Nace en Washington D.C., Edward Kennedy “Duke” Ellington, creador de un universo sonoro en el Jazz único y personalísimo, máximo exponente de una música afro americana de la que el, es responsable en un alto porcentaje. 

1900 04/07/00 Nace en New Orle?ns (Louisiana), el genial instrumentista de jazz, Louis Armstrong. 

1902 06/06/02 Nace en Fulton (Missouri), James Melvin “Jimmy” Lunceford, director de orquesta de jazz, y reconocido entre sus admiradores, como la orquesta mejor vestida del swing. 

1903 10/03/03 Nace en Davenport (Iowa), el cornetista de Jazz, León Bix Beiderbecke, el mejor instrumentista blanco de Jazz de todos los tiempos y creador de una saga de músicos que recorrió toda America. 

1903 01/01/03 Nace en Duquesne (Pennsylvania) el gran pianista de Jazz, Earl Kenneth Hines “Earl Hines”. Earl Hines fue sin lugar a dudas, el pianista más representativo de la era del swing 

1904 21/05/04 Nace en New York Thomas Waller (Fast Waller), un gran pianista de Jazz poco considerado por la critica , pero virtuosísimo con las manos y creador del estilo “stride”, uno de los estilos pianísticos de jazz m?s importantes. 

1904 01/03/04 Nace en Clarinda, pequeña localidad del Estado de Iowa, el músico de jazz Glen Miller. Miller aportó al jazz la consecución de un sonido propio en las orquestas de swing basado en la sustitución en la sección de vientos de un trompetista por un clarinetista y la ampliación de un quinto saxo a la cuerda habitual de cuatro. 

1904 21/08/04 Nace en la localidad de Red Bank (New Jersey), William Count Basie, líder de una de las mas extraordinarias orquestas de jazz de toda la historia. 

1905 16/11/05 Nace en Goodland (Indiana) Albert Edwin Condon (Eddie Condon), un guitarrista emblemático del llamado “Estilo Chicago” del Jazz. Eddie Condon construy? en torno suyo y a su club de jazz, todo un universo de músicos cuya afición común, además de la música, era el alcohol. 

1905 19/11/05 Nace en Shenandoah, (Pennsylvania), el trombonista y director de orquesta de jazz, Tommy Dorsey. Los hermanos Dorsey fueron ampliamente promocionados por la industria americana del cine. 

1907 25/12/07 Nace en Rochester (New York) el Director de Orquesta y cantante de Jazz, Cab Calloway. Calloway sustituyó a la orquesta de Duke Ellington cuando este abandonó en 1927, ya cargado de fama, el Cotton Club de New York. 

1909 10/02/09 Nace en Baltimore (Maryland), William Henry “Chick” Webb, gran director de orquesta y maestro de la batería. En la orquesta de Chick Webb comenzó su esplendorosa carrera como vocalista de la misma, la cantante Ella Fitzgerald. 

1909 30/05/09 Nace en Chicago el gran clarinetista y director de orquesta de Jazz, Benny Goodman. Goodman fue aclamado en 1937 como “El Rey del swing” 

1909 27/08/09 Nace en Woodville (Mississippi) el maestro del saxofón tenor, Lester Young. 

1910 13/10/10 Nace en la ciudad de Toledo (Ohio), el pianista de Jazz, Art Tatum. Tatum, ciego de nacimiento, es considerado como el mejor pianista de jazz de todos los tiempos. 

1911 01/01/11 Johnny Dodds ingresa en la muy popular orquesta del trombonista Kid Ory, con quien colaboró hasta 1917. 

1912 24/11/12 Nace en Austin (Texas) Theodore “Teddy” Wilson, pianista de jazz clásico y conocido director de orquesta. En su orquesta comenzó a cantar Billie Holiday. 

1913 12/04/13 Nace en Louisville (Kentucky), el músico y vibrafonista de Jazz, Lionel Hampton. Lionel fue el primer instrumentista que utilizó el vibráfono en la música de jazz. 

1915 07/04/15 Nace en el hospital general de Philadelfia, la gran cantante de jazz Billie Holiday, que es registrada con el nombre de Eleanora Harris. 

1916 29/07/16 Nace en Dallas (Texas), Charlie Christian, el precursor de la guitarra eléctrica en Jazz. 

1917 26/02/17 La Original Dixieland Jass Band (con dos eses) graba para la compañía VICTOR el primer disco de Jazz de la historia. El grupo de Nick La Rocca, sustituyó al cornetista negro Freddie Keppard cuando este se negó a grabar con el pretexto de que así le podrían copiar los demás músicos. Se da entonces la paradoja, de que el primer disco de una música creada por negros, fue grabada por un grupo de blancos.

1917 01/01/17 El Departamento de Marina de los EE.UU., ordena cerrar el famoso barrio de Storyville en New Orleáns. Storyville ocupaba unas cuantas manzanas del antiguo barrio francés de la ciudad (French Quarter) y allí se concentraron por orden del concejo municipal, todos los locales nocturnos, bares y prostibulos de ese bullicioso puerto de mar. El paso de los marines como punto de partida de las tropas en guerra hacía Europa fue la excusa para cerrar el barrio donde dicen que en sus prostibulos y lupanares, nació el Jazz. 

1917 25/04/17 Nace en Newport News (Virginia), la gran cantante de Jazz, Ella Fitzgerald. 

1917 17/03/17 En Montgomery (Alabama), nace Nathaniel Adams Coles, mas conocido como Nat “King” Cole. King Cole aportó al jazz en sus primeros tiempos el trío -inédito hasta entonces- de piano, guitarra y contrabajo. ese concepto, revolucionario entonces, se prolonga hasta nuestro días. 

1917 21/10/17 Nace en la localidad de Cheraw (Carolina del Sur), el trompetista de jazz, Dizzy Gillespie. Dizzy es una figura clave en la evolución del jazz y coautor junto a Charlie Parker, del bebop. 

1918 01/01/18 La famosa orquesta de Fare Marable, que actuaba a bordo del barco de vapor “Sidney” en el río Mississippi contrata a un recién llegado a la música: Louis Armstrong. 

1918 01/01/18 Ultima actuaci?n de King Oliver con la Orquesta de Kid Ory en New Orle?ns. 

1918 01/04/18 Nace en Newport News (Virginia), Ella Fitzgerald. 

1918 01/08/18 Nace en Spokane (Washington) Jimmy Rowles pianista de jazz 

1919 19/03/19 Nace en Chicago Lennie Tristano, pianista de Jazz, y músico muy representativo del estilo cool. 

1919 03/01/19 Nace Herbert Horatio Nichols, más conocido como Herbie Nichols, uno de los mas interesantes y desconocidos instrumentistas del jazz moderno. 

1919 01/01/19 Sidney Bechet, viaja por primera vez a Europa formando parte de la “Southern Syncopated”, la orquesta del empresario Will Marion Cook. La acogida fue tan entusiasta, que no regresó a EE.UU., hasta 1922. De esa gira, Bechet se traería de Londres, un novedoso instrumento que le daría singularidad y fama: El Saxo Soprano. Le costó 30 guineas. 

1920 01/01/20 Johnny Dodds ingresa en la histórica banda de Joe King Oliver, la “Creole Jazz Band” donde permanece hasta 1924 y forma parte del grupo de músicos que hizo a aquella orquesta la mejor banda de los años veinte. 

1920 01/01/20 Nace en Wilmington, la cantante de Jazz, Betty Rochá Su colaboración con la orquesta de Duke Ellington – una de las escasas cantantes de jazz que utilizó Ellington-en varias ocasiones, la lanzó a la fama.

1920 29/08/20 Nace en un suburbio de Kansas City el genial músico de jazz, Charlie Parker. “Bird” como era su apodo, revolucionó en 1945 el jazz con la creación del bebop. 

1922 01/01/22 Louis Armstrong es llamado por Joe King Oliver para unirse en Chicago a su famosa “Creole Jazz Band”. Allí permanece hasta 1924, dejando siete u ocho temas para la posteridad. 

1922 12/03/22 Nace Jack Kerouac, un músico escritor que imprimió un estilo literario al mundo del Jazz y del Bop en particular que otras músicas hicieron propias.

El bebop (1940-1950), una revolución musical extraordinaria y base de todo el jazz moderno,  coincidió con la huelga de grabaciones que desde el 1 de agosto de 1942 hasta noviembre de 1944 llevaron a cabo todos los músicos organizados en torno a la Federación Americana de Músicos (AFM). El efecto más “perverso” de esa huelga fue “retrasar oficialmente” el nacimiento de aquella nueva música que se estaba gestando en el norte del barrio de Harlem y en torno a un club ya histórico y desaparecido: El Minto’ns Playhouse de Harlem, en New York.

El cool y el hardbop (1951-1969) convivieron durante este periodo de tiempo en una clara pugna por la hegemonía musical del jazz. Mientras en la Costa Oeste de los Estados Unidos, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck y otros músicos generalmente blancos, le daban al jazz una impronta estilísticamente más culta, y presuntamente más funcional, en la Costa Este, surgió con enorme fuerza alrededor del batería, Art Blakey, Horace Silver y los Jazz Messengers, un estilo que los negros neoyorquinos no dudaron en considerarlo no sólo como una respuesta al presunto amaneramiento del jazz, sino como legitimo heredero del bebop. Luego llegaron al jazz aires renovados que inauguraron toda una época: llegó el jazz libre o “freejazz“. Ornette Coleman fue acusado por los puristas de siempre de asesinar al jazz, pero cuando Miles Davis, entró en ese terreno con discos y aventuras musicales eléctricas, las criticas, no sólo terminaron, sino que se volvieron alabanzas.

Ya en nuestro tiempo (1970-hoy) el jazz sobrevivió a crisis existenciales importantes, superó una década de los ochenta, dominada por dudosas experiencias y regresó en los noventa con fuerza inusitada, cual si fuese el Ave Fénix, resurgiendo de sus cenizas. La tenacidad de algunos músicos veteranos (Max Roach, Art Blakey, Betty Carter) y la aparición de jóvenes talentos (Joe Lovano, Wynton Marsalis), músicos con una técnica prodigiosa, aunque algunas veces exenta de originalidad, consiguió que el jazz entrara en el siglo XXI sin perder ni un ápice de la fuerza que un siglo atrás inventaron hombres como Louis Armstrong, Duke Ellington o Charlie Parkerentre otros.

Hoy en el siglo XXI, no se adivina nadie capaz de igualar el genio creativo de estos músicos de leyenda, pero hay algunos que apuntan fuerte y que en los próximos años tendrán que dar de sí todo lo que llevan dentro. 

¿Quién fué el que inventó el piano

piano 22El primer piano fue fabricado entre 1695 y 1700 por el italiano Bartolomeo Cristofori. El primer piano fue fabricado entre 1695 y 1700 por el italiano Bartolomeo Cristofori con el nombre de gravicèmbalo col piano e forte -“clavecín con (sonidos) suaves y fuertes”-.

cristofori-pianoforte-1720-by-bartolomeo-cristofori-standing-next-ERFEW3.jpgCristofori, Bartolomeo (1655-1731).

Fuentes : biografías.

Fabricante de instrumentos italiano nacido el 4 de mayo de 1655 en Padua y fallecido el 27 de enero de 1731 en Florencia. Se le atribuye la invención del piano, instrumento bautizado inicialmente con el nombre de gravicembalo col piano e forte, aunque más tarde se abrevió a piano-forte y, por último, a piano.

Cristofori inició su actividad profesional como fabricante de clavicordios en Padua, donde logró forjarse una extraordinaria reputación que traspasó las fronteras de su ciudad natal. Hacia 1690 se trasladó a Florencia donde los Médicis reclamaron su reconocida habilidad como instrumentista y le ofrecieron la responsabilidad de la conservación del Museo de Música, que atesoraba una colección inigualable de todo tipo de instrumentos musicales. Su llegada al museo, especialmente rico en clavicémbalos, permitió a Cristofori familiarizarse con diferentes diseños y experimentar nuevos ingenios instrumentales.

Hacia el año 1700, el prestigioso fabricante presentó el prototipo de su primer piano, un diseño en cuyo perfeccionamiento trabajó durante las dos décadas siguientes de su vida. Aún hoy se conservan tres pianos de Cristofori en el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York (datado en 1720), en el Museo de Instrumentos Musicales de Roma y en el Museo de Instrumentos Musicales Karl Marx de la Universidad de Leipzig (1726).

inventos-del-mundo-3-728.jpgEl invento de Cristofori llegaba para satisfacer la creciente demanda de los ejecutantes de teclados que requerían un instrumento más expresivo y versátil que los viejos clavicordios y clavicémbalos. El piano lograba cambiar la sonoridad de las notas en función de la mayor o menor presión que ejerciera el ejecutante sobre las teclas; un efecto revolucionario que marcaría el desarrollo musical del siglo XVIII. Para lograrlo, Cristofori reemplazó el tradicional mecanismo punteado del clavicordio por un sistema de macillos capaz de percutir las cuerdas con mayor o menor intensidad en función de la presión que recibía el teclado.

Desgraciadamente para su inventor, el piano tuvo una discreta acogida inicial en Italia por las dificultades que encontraban los instrumentistas para tocarlo pero el diseño traspasó de inmediato la frontera norte del país y llegó a Alemania donde el entusiasmo por el nuevo artilugio fue mayor. De hecho, durante la segunda mitad del siglo XVIII fueron los fabricantes de instrumentos germanos y austriacos quienes trabajaron con mayor eficacia en el desarrollo y la evolución del diseño pionero de Cristofori.

Juan Sebastian Bach. Aniversario.

Te recuerdo en el día de tu muerte: 28 julio 1750.

La obra que más me gusta Los motetes:

Fuentes biografías

Johann Sebastian Bach

En la biblioteca municipal de Leipzig se conservan aún los antiguos legajos que contienen las listas de exequias realizadas en el siglo XVIII. Uno de estos viejos papeles nos informa escuetamente del siguiente hecho, en apariencia banal: “Un hombre de sesenta y siete años, el señor Johann Sebastian Bach, Kapellmeister y Kantor en la escuela de la Iglesia de Santo Tomás, fue enterrado el día 30 de julio de 1750″. La modestia y simplicidad de esta inscripción, escondida entre otras muchas tan insignificantes como ella, nos parece hoy incomprensible al considerar que da fe del fallecimiento de uno de los más grandes compositores de todos los tiempos y, sin duda alguna, del músico más extraordinario de su época.
Johann Sebastian BachLa brevedad de estas líneas demuestra con toda claridad el trágico destino de un hombre que fue radicalmente subestimado en su época: pocos reconocieron al gran músico y nadie supo ver al genio. Tras su silenciosa muerte, la labor de quien había dedicado toda su existencia a crear honesta y laboriosamente una excelsa música en alabanza del Creador fue olvidada por completo durante más de cincuenta años, hasta que, tras ser publicada la primera biografía del músico, otro compositor, Mendelssohn, rescató su obra para sus contemporáneos al dirigir apoteósicamente su Pasión según San Mateo en Berlín en 1829, hecho que constituyó un acontecimiento nacional en Alemania.Una saga de músicosJohann Sebastian Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach (Turingia). Su familia era depositaria de una vasta tradición musical y había dado a lo largo de varias generaciones un buen plantel de compositores e intérpretes. Durante doscientos años, los antepasados de Bach ocuparon múltiples cargos municipales y cortesanos como organistas, violinistas cantores y profesores, aunque ninguno de ellos llegaría a alcanzar un especial renombre. Sin embargo, su apellido era en Turingia sinónimo de arte musical; hablar de los Bach era hablar de música.Johann Sebastian siguió muy pronto la tradición familiar. Su padre, Johann Ambrosius, comprendió rápidamente que tenía ante sí a un niño especialmente dotado y consagró mucho tiempo a su enseñanza. El ambiente de la casa paterna era modesto, sin llegar a las estrecheces de la pobreza y, por supuesto, estaba impregnado de una profunda religiosidad y entregado a la música. Al cumplir Bach los nueve años murió su madre, Elisabeth, y, como era frecuente en la época, Johann Ambrosius volvió a casarse a los pocos meses para poder afrontar el cuidado de sus hijos. Pero tres meses después de la celebración de su segundo matrimonio, el 20 de febrero de 1694, también murió Johann Ambrosius, y la viuda solicitó ayuda al hijo mayor de su marido, Johann Christoph, ya entonces organista en Ohrdruf, quien se hizo cargo de sus dos hermanos más pequeños, Johann Jacob y Johann Sebastian, acogiéndolos en su casa y comprometiéndose a darles la obligada formación musical.
Johann Ambrosius Bach, padre del compositorEl niño era aplicado, serio e introvertido. Además de la música, sentía una viva inclinación por la lengua latina, cuya estructura rígida y lógica cuadraba perfectamente con su carácter, y por la teología. Estas materias, tamizadas por una intensa educación luterana, acabarían por modelar completamente su personalidad y convertirse en los sólidos fundamentos de su existencia y de su fuerza creadora. El propio Johann Christoph, que había sido discípulo de Pachelbel, se convirtió en maestro de órgano del niño.No parece, sin embargo, que se diera plena cuenta de la genialidad de su hermano menor, si consideramos la famosa anécdota transmitida por el propio Bach a su hijo Carl Philipp Emmanuel: Johann Christoph prohibió al niño estudiar un libro que contenía las más famosas piezas para clave de su tiempo, con obras de Froberger, Kerll y Pachelbel, libro que Bach logró transcribir a escondidas, de noche y a la luz de la luna. Descubierto el «crimen», Johann Christoph destruyó la copia. La que iba a ser su segunda esposa y cronista de la familia, Anna Magdalena Wilcken, que también narra el episodio, afirma que Johann Sebastian se lo contó «sin manifestar el menor resentimiento contra la dureza de su hermano». Anna Magdalena era menos benévola y, llevada por su fidelidad y amor a Johann Sebastian, pretendía achacar la ceguera final del compositor al esfuerzo que realizó de niño, por haber transcrito aquellas partituras «prohibidas» a la sola luz de la luna.Años de formaciónHasta que pudo desarrollar todas sus capacidades pasaron aún varios años de duro aprendizaje y preocupaciones cotidianas. Desaparecidos sus progenitores, el salario del hermano resultaba escaso y la casa demasiado pequeña para una familia cada vez más numerosa. Johann Christoph hizo ingresar a sus hermanos en el Gimnasium de Ohrdruf, donde Bach acabó el primer ciclo de estudios en 1700, con un adelanto de dos años sobre el resto de sus compañeros, recibiendo además un sueldo de diecisiete talegos al año (cantidad suficiente para pagar su manutención) como miembro del coro, donde cantaba con hermosa voz de soprano infantil. En marzo de 1700 el muchacho, que entonces contaba quince años de edad, marchó a Lüneburg, a 350 kilómetros de Ohrdruf, para ingresar en el coro de la Ritterakademie, con sueldo suficiente para su mantenimiento suplementario y hospedaje en el internado.Este cambio supuso también la posibilidad de ampliar en extensión y profundidad sus conocimientos musicales. En Lüneburg recibió la benéfica influencia del Kantor, pero sobre todo la del organista titular, Georg Böhm. Desgraciadamente, a los pocos meses de su llegada le cambió la voz y tuvo que ganarse la vida como músico acompañante y profesor de violín. Su nueva situación, sin embargo, le permitió desplazarse libremente a Hamburgo para completar su formación con Adam Reincken, que, pese a su edad, era uno de los más reputados organistas en activo de su tiempo. También frecuentó la corte de Celle, en cuya orquesta tocó como violinista por invitación de Thomas de la Selle, familiarizándose entonces con los compositores y las formas musicales francesas. De esta época de actividad y entusiasmo data su primera cantata, género que frecuentaría a lo largo de su vida.Una energía aparentemente ilimitada y una fortaleza anímica desbordante son los rasgos esenciales de la personalidad de Bach. Sin estos valores y sin su profunda religiosidad nunca hubiera podido soportar los duros golpes que el destino le tenía reservados. En 1702 terminó el segundo ciclo de estudios escolares, y determinó llegado el momento de aspirar a un puesto estable. Tras algunos frustrados intentos de ganar una plaza como organista, fue finalmente admitido en marzo de 1703 como violinista del duque de Weimar. Su gran religiosidad o sus dotes de organista le hicieron aspirar a otro puesto: el de organista en Arnstadt, cuyo decreto de nombramiento fue firmado por el conde Anton Günther el 9 de agosto de 1703. Johann Sebastian contaba dieciocho años.
Pero para las autoridades no era fácil tratar con un hombre impetuoso y excitable que despreciaba las normas establecidas y frecuentemente se mostraba colérico y caprichoso. Ya a los dieciocho años, mientras trabajaba como organista en Arnstadt, se había permitido el lujo de prolongar sus vacaciones durante dos meses: se encontraba en Lübeck escuchando extasiado al gran maestro Buxtehude y no estaba en absoluto dispuesto a renunciar a tan extraordinario placer. El consistorio de la ciudad se vio obligado a amonestarlo y aprovechó la oportunidad para hacerle algunos reproches referentes a su también poco sumisa actitud en materia musical: “El señor Bach suele improvisar muchas variaciones extrañas, mezcla nuevas notas en piezas escritas y la parroquia se siente confundida con sus interpretaciones”.Bach ignoró estos comentarios; Arnstadt tenía ya poco que ofrecerle y sus intereses se dirigían hacia otros objetivos. En primer lugar, pretendía establecerse y formar una familia, lo que hizo al casarse el 17 de octubre de 1707 con su sobrina María Bárbara, una joven vital y encantadora. Siete hijos fueron el producto de su feliz matrimonio. Ese mismo año, el ya entonces reputado ejecutante solicitó la plaza de organista en la pequeña ciudad de Mühlhausen (libre por la muerte de su titular), que obtuvo el 24 de mayo, con el no desdeñable sueldo de 85 guldens.En la iglesia de San Blas, además de restaurar el órgano, organizar el coro, formar alumnos (entre ellos, a su devoto discípulo J. M. Schubert) y cumplir con sus funciones dominicales, Bach inició la composición de cantatas religiosas, la más importante de las cuales fue la titulada Actus tragicus. Su período de formación inicial parecía concluido. Tal vez ello fuese la razón principal que le movió a presentar su dimisión como organista de Mühlhausen, aunque los biógrafos suelen señalar otras más concretas: sobre todo, el conflicto musical-teológico que había dividido a los feligreses en dos bandos: los seguidores del pastor Frohne, pietista radical y enemigo de innovaciones musicales, y los del archidiácono Eilmar, amigo y protector de Bach, y padrino de su primer hijo. Es posible que, cogido entre dos fuegos, Johann Sebastian prefiriera dar a su carrera un cambio de rumbo al margen de unas tensiones teológicas que tan directamente le afectaban como responsable musical de la comunidad. Sus relaciones con las autoridades de Mühlhausen continuaron cordiales tras su dimisión en junio de 1708, y compuso para ellas una cantata en febrero de 1709, desgraciadamente desaparecida.En las corte de WeimarBach consiguió el puesto de segundo Konzertmeister en Weimar (donde residiría entre 1708 y 1717), lo que le proporcionó la estabilidad necesaria para abordar la creación musical. Dio a luz una obra ingente para órgano y clave, además de música coral religiosa e instrumental profana. Debe recordarse, por ejemplo, que una de las obligaciones contraídas con el duque de Weimar era la de «ejecutar cada mes una composición nueva», lo que significaba una cantata original al mes.Desgraciadamente, estos años vitales que marcaron un cambio de estilo en sus composiciones no pueden ser rastreados en detalle, pues sólo ha sido posible datar un número insignificante de sus creaciones. Es evidente, sin embargo, la decisiva influencia de las formas operísticas italianas y del estilo concertístico de Antonio Vivaldi. La crítica señala una evidente huella italiana en el ritornello de las cantatas 182 y 199, de 1714; las 31 y 161, de 1715; o las 70 y 147, de 1716. Las nuevas técnicas de repetición, literal o levemente modificada, también rindieron sus espléndidos frutos en las arias, conciertos, fugas y corales de este período, entre los que cabe destacar, muy especialmente, sus preludios corales, los primeros tríos para órgano y la mayoría de preludios y fugas y de tocatas para órgano.
Representación de 1660 de la iglesia del Palacio de Weimar: bajo el techo, el órgano en que trabajaría BachEn Weimar, Bach cumplía múltiples funciones: organista de la capilla, Kammermusicus, violín solista, director del coro y maestro suplente de capilla. Allí conoció y transcribió la obra de los compositores italianos (Corelli, Albinoni o Vivaldi), formó a alumnos, como su sobrino Johann Bernhard y Johann Tobias Krebs, y trabó una estrecha amistad con el maestro Johann Gottfried Walther, quien enriqueció su arte del contrapunto y de la coral. Allí, en suma, sacó adelante a su familia gracias a un sueldo que, entonces, podía calificarse de altísimo. En el momento de mudarse a Köthen tenía cuatro hijos (otros dos habían muerto poco después del parto): Catharina Dorothea Bach, Wilhelm Friedemann Bach, Carl Philipp Emmanuel Bach y Johann Gottfried Bernhard Bach.La atmósfera de la corte, sin embargo, no estaba exenta de tensiones. El duque Wilhelm Ernst era un devoto pietista que intervenía personalmente en los aspectos más nimios del culto y para el que la composición y ejecución de la música sacra era una cuestión no sólo de fe, sino también de Estado. Y así, las intrigas teológico-palaciegas enfrentaron a Bach con el duque, quien llegó a encarcelar cuatro semanas al compositor cuando se enteró de que Bach había obtenido el nombramiento de maestro de capilla del príncipe Leopold de Köthen sin solicitar su autorización previa.En KöthenLa estancia en Köthen (entre 1717 y 1723) fue más breve, probablemente porque el espíritu profundamente religioso de Bach aspiraba a una mayor dedicación a la música sacra. En cualquier caso, entre el príncipe Leopold de Köthen y el compositor nació una fructífera amistad y Bach pudo entregarse, en un clima acogedor y sosegado, a la creación de numerosas obras instrumentales y orquestales, entre las que destacan sus Conciertos de Brandemburgo, partitura cimera de la música barroca. Afortunadamente para la posteridad, disponía allí de un excelente conjunto instrumental completo, y a este período corresponden además las Sonatas y partitas, las cuatro Oberturas, las Invenciones para dos y tres voces y las Suites francesas. Acaso como compensación a sus obligaciones de compositor profano, compuso su primera pieza sacra de largo aliento: La pasión según San Juan.
El príncipe Leopold de KöthenDe todas estas composiciones magistrales cabría destacar la primera parte de El clave bien temperado (una colección de preludios y fugas en todas las claves) por su sistemática exploración de la nueva sintaxis musical, que la crítica histórica ha calificado de «tonalidad funcional», y que habría de prevalecer los siguientes doscientos años. Pero la colección de El clave bien temperado también es memorable en tanto que compendio de formas y estilos populares que, pese a su variedad, aparecen homologados por la lógica rigurosa de la técnica compositiva de la fuga.Fueron en total seis años de paz absoluta y fecundidad creativa lamentablemente interrumpidos por la tragedia. En julio de 1720, al regresar de uno de los frecuentes viajes realizados a instancias del príncipe, encontró su casa vacía y silenciosa: María Bárbara había muerto, fulminada por una desconocida dolencia, y, por temor a la peste, había sido rápidamente enterrada. Bach se sumió en un profundo abatimiento. Las fuerzas parecían haberlo abandonado y las musas sólo lo visitaban para inspirarle melancólicas notas que no osaba transcribir. Sólo una mujer podía sacarlo de su estupor y esa mujer fue Anna Magdalena Wilcken, hija menor del trompetista de la corte, Caspar Wilcken.Cabe observar que, para la mentalidad y necesidades de un viudo de aquel tiempo, con cuatro hijos menores a su cargo, nada había de extraño en un rápido segundo matrimonio, que efectivamente recibió la aprobación general. Además, Anna Magdalena era una intérprete aventajada, bien dotada para el canto, que profesó toda su vida una ejemplar devoción por Johann Sebastian, convirtiéndose con el tiempo en la cronista de la familia Bach; están en deuda con ella todos los biógrafos posteriores. Supo comprender y compartir el complejo mundo espiritual de su marido y lo ayudó como eficiente copista de sus partituras. La boda se celebró en 1721. Fue otro matrimonio feliz del que nacerían trece hijos; el benjamín fue Johann Christian Bach, el músico cuyas composiciones tanto influirían en el primer Mozart. Por segunda vez en su vida Bach tuvo la fortuna de encontrar una compañera ideal.Kantor de Leipzig Poco después, la unión del príncipe de Köthen con una mujer completamente desinteresada por la música provocó el distanciamiento entre el maestro y su protector. La muerte del Kantor de Leipzig en 1722 le brindó al compositor la esperada oportunidad para dedicarse a la composición sacra. La obtención de la plaza no le resultó fácil: fue primero concedida a Telemann, luego a Graupner y sólo en tercer lugar a Johann Sebastian. Para conseguirla, Bach tuvo que aceptar gravosas condiciones, no tanto económicas cuanto laborales, pues, además de sus funciones religioso-musicales en las iglesias de Santo Tomás y de San Nicolás, debía hacerse cargo de tareas pedagógicas en la escuela de Santo Tomás (entre ellas la enseñanza del latín), que le produjeron notables sinsabores. Sabemos que, entre sus compromisos, estaba el de que la música interpretada los domingos incitara «a los oyentes a la devoción» y no fuera «de carácter teatral».El puesto de Kantor no significaba, pues, un efectivo progreso en su carrera. Estaba obligado a proporcionar la música necesaria para los oficios de varias iglesias de la ciudad valiéndose de un coro formado por alumnos de la escuela, lo cual significaba que cada domingo estaba obligado a presentar una nueva cantata compuesta por él: el resultado fueron un total de doscientas noventa y cinco piezas religiosas, de las que sólo han llegado hasta nosotros ciento noventa a causa de la negligencia de sus herederos. Además, debía dirigir el coro de los alumnos y dar lecciones a los jóvenes estudiantes como un profesor más.Esta situación no podía satisfacer a un hombre como él. Resultaba ultrajante que las autoridades ignorasen sus facultades y lo despreciasen como innovador. Durante veinte años, Bach no cesó de luchar contra semejante injusticia. Colérico como era, se enfrentó sistemáticamente a sus aburguesados superiores, quienes pretendieron hacer de él un dócil asalariado e incluso se permitieron castigar su obstinación y su arrolladora originalidad recortando en más de una ocasión sus retribuciones. Los esfuerzos del compositor por cambiar este estado de cosas resultaron baldíos; decepcionado, se convirtió en un ser amargado y pendenciero, cada vez más alejado de sus semejantes y refugiado en sí mismo y en su música.Sólo su vida familiar era una fuente sólida de mínimas alegrías y de la necesaria estabilidad. Siempre respaldado por su mujer y por una íntima certidumbre en la validez de su genio, pudo hacer frente a las adversidades sin perder ni un ápice de su poder creativo ni caer víctima de la apatía. Infatigable ante sus obligaciones como padre y como músico, Bach nunca desatendió a ninguno de sus hijos, ni interrumpió la ardua tarea de ampliar sus conocimientos copiando y profundizando en las partituras de sus antepasados.A pesar de todo, el de Leipzig (de 1723 hasta su muerte) fue el más glorioso y fructífero período de la vida del compositor, con una producción de, al menos, tres ciclos de cantatas; en ellas, sin abandonar el contrapunto, se despojó de toda retórica, esforzándose en representar musicalmente la palabra. En 1724 y 1727 estrenó respectivamente La pasión según San Juan (escrita en Köthen) y La pasión según San Mateo. Fue también el esplendoroso período del Magnificat en re bemol mayor (1723), el Oratorio de Pascua (1725), el de Navidad (1734), y el de la Ascensión (1735). En 1733 inició la composición de la magistral Misa en si menor para acompañar la solicitud en la que aspiraba a obtener del elector Augusto III el título de compositor de la corte de Sajonia. Tres años después lograba su propósito, lo que le recompensó por los sinsabores anteriores y sirvió para mortificar a cuantos lo habían hecho objeto de sus desdenes. Comenzaba la última etapa de su vida, que sería también la más plácida.Bach era miope desde su nacimiento. Con el transcurrir de los años, el estado de sus ojos se había ido deteriorando poco a poco a causa de miles de interminables noches de trabajo pasadas bajo la insuficiente luz de unos pobres candiles. Dos operaciones no consiguieron mejorar su visión: después de la segunda, realizada por un médico inglés en Leipzig, perdió la vista casi por completo. Las fuertes medicaciones a las que se habituó contribuyeron a quebrantar la resistencia y la salud de un cuerpo que había sido robusto y vigoroso. Pero continuó creando y alcanzó nuevas cimas en su arte, como las Variaciones Goldberg o la segunda parte de El clave bien temperado, terminada en 1744.
Bach en un retrato realizado probablemente
el mismo año de su fallecimientoUn año antes de su muerte le iba a alcanzar el mismo destino que estaba reservado a otro genio como él, el famoso Haendel: la ceguera total. Pero una vez más, antes de que la noche eterna le encadene para siempre a su cama, Bach vivirá un momento estelar cuando al fin alguien reconozca su poderoso talento y su maestría: el joven rey de Prusia Federico II. En diversas ocasiones este soberano había expresado su deseo de encontrarse con el conocido compositor. La ocasión llegó en la primavera de 1747. Un lluvioso día de abril Bach emprendió titubeando el camino hacia Potsdam en compañía de uno de sus hijos y se hizo anunciar en el palacio de Federico en el momento en que se interpretaba un concierto de flautas compuesto por el propio soberano.Su Majestad interrumpió inmediatamente la música y salió para recibir calurosamente al recién llegado. Tras enseñarle el palacio y platicar brevemente con Bach sobre temas musicales, el rey quiso maliciosamente someter a su invitado a una pequeña prueba: con una flauta, que era su instrumento preferido, atacó un tema de poco fuste y lo retó a que lo desarrollara según las reglas del contrapunto. En breves instantes, Bach compuso una fuga de seis voces perfecta y maravillosa, ejecutándola a continuación. El rey escuchó admirado aquellas armonías que se diría que estaban hechas para los oídos de los ángeles y, al término de la interpretación, únicamente pudo exclamar una y otra vez: “Sólo hay un Bach… Sólo hay un Bach.”Feliz por este encuentro regresó Bach a Leipzig, ciudad que ya no abandonaría hasta su muerte. Su energía y su espíritu creativo estaban aún intactos, pero su vista se extinguía y su salud le exigía cuidados. El genio luchó en vano contra su fin próximo. Empleó sus últimos días en cumplir sus obligaciones familiares y profesionales con la máxima diligencia posible, aunque no renunció por ello a su vocación musical y desde su lecho de muerte dictó El arte de la fuga.Un ataque de apoplejía puso fin a su vida el día 28 de julio de 1750. Lo rodeaban sus familiares y su alma grandiosa abandonó sin dolor alguno el cuerpo del que había sido un simple mortal casi ignorado por sus semejantes. Dejaba a su muerte un valioso legado a la posteridad: una ingente obra religiosa y numerosas piezas profanas; un corpus que, en definitiva, se ha erigido en ley de toda la producción musical posterior. Años después, en una conversación con Mendelssohn, Goethe fue capaz de concentrar en una sola frase admirativa cuanto hay de mágico en la música de Johann Sebastian Bach: “Es como si la armonía universal estuviera dialogando consigo misma, como si lo hubiera hecho en el pecho de Dios desde la creación del mundo.”

Engaño musical. Adagio de Albinoni

Fuentes : internet.

Partitura en pdf

Conocida como Adagio de Albinoni, esta obra es posiblemente la composición musical más famosa que existe del Barroco (siglos XVII y XVIII), pero con la salvedad de que no se compuso durante el Barroco ni fue Tomaso Albinoni su autor. En realidad el Adagio en sol menor fue compuesto en 1945 por el musicólogo de origen italiano Remo Giazotto.

Giazotto, que en aquellos tiempos trabajaba recopilando información sobre la obra y vida de Tomaso Albinoni, dijo haber encontrado entre las ruinas de la Biblioteca Estatal de Dresde (destruida tras el feroz bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial) un supuesto fragmento manuscrito en el que tan solo figuraba el pentagrama del bajo y seis compases de la melodía, atribuyéndosela al famoso autor italiano. A partir de ahí (según el propio musicólogo) trabajó en arreglar y terminar la composición, dando como resultado dicha obra, la cual fue publicada por primera vez en el año 1958.

Los expertos musicales de todo el planeta coinciden en señalar que el famoso Adagio en sol menor es una composición enteramente original y compuesta en su totalidad por Remo Giazotto, quien falleció el 26 de agosto de 1998, quedando como el descubridor de la misma y sin recibir ni disfrutar en vida de los debidos reconocimientos como autor de tal magna composición.

Fuentes en el libro:

Curiosidad que forma parte del libro “Vuelve el listo que todo lo sabe” de Alfred López.
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Bartolomeo Cristofori

 

Cristofori, Bartolomeo (1655-1731).

Fabricante de instrumentos italiano nacido el 4 de mayo de 1655 en Padua y fallecido el 27 de enero de 1731 en Florencia. Se le atribuye la invención del piano, instrumento bautizado inicialmente con el nombre de gravicembalo col piano e forte, aunque más tarde se abrevió a piano-forte y, por último, a piano.

bartolomeo cristoforiCristofori inició su actividad profesional como fabricante de clavicordios en Padua, donde logró forjarse una extraordinaria reputación que traspasó las fronteras de su ciudad natal. Hacia 1690 se trasladó a Florencia donde los Médicis reclamaron su reconocida habilidad como instrumentista y le ofrecieron la responsabilidad de la conservación del Museo de Música, que atesoraba una colección inigualable de todo tipo de instrumentos musicales. Su llegada al museo, especialmente rico en clavicémbalos, permitió a Cristofori familiarizarse con diferentes diseños y experimentar nuevos ingenios instrumentales.

Hacia el año 1700, el prestigioso fabricante presentó el prototipo de su primer piano, un diseño en cuyo perfeccionamiento trabajó durante las dos décadas siguientes de su vida. Aún hoy se conservan tres pianos de Cristofori en el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York (datado en 1720), en el Museo de Instrumentos Musicales de Roma y en el Museo de Instrumentos Musicales Karl Marx de la Universidad de Leipzig (1726).

El invento de Cristofori llegaba para satisfacer la creciente demanda de los ejecutantes de teclados que requerían un instrumento más expresivo y versátil que los viejos clavicordios y clavicémbalos. El piano lograba cambiar la sonoridad de las notas en función de la mayor o menor presión que ejerciera el ejecutante sobre las teclas; un efecto revolucionario que marcaría el desarrollo musical del siglo XVIII. Para lograrlo, Cristofori reemplazó el tradicional mecanismo punteado del clavicordio por un sistema de macillos capaz de percutir las cuerdas con mayor o menor intensidad en función de la presión que recibía el teclado.Desgraciadamente para su inventor, el piano tuvo una discreta acogida inicial en Italia por las dificultades que encontraban los instrumentistas para tocarlo pero el diseño traspasó de inmediato la frontera norte del país y llegó a Alemania donde el entusiasmo por el nuevo artilugio fue mayor. De hecho, durante la segunda mitad del siglo XVIII fueron los fabricantes de instrumentos germanos y austriacos quienes trabajaron con mayor eficacia en el desarrollo y la evolución del diseño pionero de Cristofori.

Fuentes:   http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=cristofori-bartolomeo

Bach y los pianofortes

Bach y los pianofortes

(Johann Friedrich Agricola en Musica Mechanica Organoedi de Adlung , 1768 )i
El pianoforte (piano a martillos) fué inventado por el italiano Bartolomeo
Cristofori (ver historía del piano), alrededor del año 1710. Entre los
que perfeccionaron el instrumento se cuenta el célebre constructor de
órganos y clavicordios Gottfried Silbermann (1683-1753) que fué amigo de
Bach. Hacia 1770 , el hijo menor de Bach , Johann Christian , fué el primero quien tocó en público en un pianoforte. Más de medio siglo pues
tardó el instrumento en desalojar el clave de la práctica y del favor de los músicos y del público.
El Sr. Gottfried Silbermann había construido al principio dos de estos instrumentos (pianofortes). Uno de ellos fué visto y tocado por el difunto director de orquesta Sr. Johann Sebastian Bach, quien había alabado, y en verdad admirado , su sonoridad, pero lamentando de que fuese demasiado débil en el registro agudo y demasiado duro para tocar.

Este juicio había sido tomado muy a mal por el Sr. Silbermann , que no podía soportar que se
encontrase la menor falla en sus instrumentos . Estuvo enojado con Bach por largo tiempo, aunque su conciencia le decía que éste no estaba  equivocado . Por lo tanto decidió, cosa que mucho le honra, no entregar
ninguno más de aquellos instrumentos , pero sin pensar con ahinco en el
modo de eliminar aquella fallas que el Sr. Bach había observado. Trabajó
en ellos varios años, y que ésta era la verdadera causa de esa postergación no me cupo duda que lo oí confesado francamente con el Sr. Silbermann.

Por fín , cuando el Sr. Silbermann hubo realmente
acabado varías mejoras , especialmente en lo que al mecanismo se refiere, vendió de nuevo un instrumento a la corte del principe de
Rudolstadt . Poco después Su Majestad el Rey de Prusia encargó otro de estos instrumentos y cuando éste obtuvo su muy amable aprobación, Su Majestad encargó varios más al Sr. Silbermann. El Sr. Silbermann tuvo la loable ambición de mostrar uno de estos instrumentos de su última manufacture al difunto director de orquesta Bach para que los examinara y recibió , a su vez de él, una completa aprobación.

Estos hechos se refieren a la época que vivía todavía Bach.

El escrito o la noticia se hace después del fallecimiento de Bach

Piano forte de Silbermann
fotos.miarroba.com

Fuentes: libro sobre Bach.

Nat King Cole

Infancia y Chicago :
Su padre Don Edward Coles era carnicero y diácono en la Iglesia Baptista. Su familia se trasladó a Chicago cuando Nat era todavía un niño. Allí, su padre se convirtió en ministro de la iglesia y su madre, Perlina Adams, en la encargada de tocar el órgano de la iglesia. Fue la única maestra de piano que tuvo Nat en toda su vida. Aprendió tanto jazz como música gospel, sin olvidar la música clásica.

La familia vivía en el barrio de Bronzeville, famoso a finales de los años 20 por su vida nocturna y sus clubes de jazz. Nat visitó con frecuencia estos locales, escuchando a artistas como Louis Armstrong o Earl Hines.

Inspirado por Hines, Nat inició su carrera artística a mediados de la década de los 30 cuando aún era un adolescente. Adoptó el nombre de Nat Cole, abandonando la “s” de su apellido familiar. Su hermano mayor, Eddie, bajista, se unió a la banda de Nat cuando este realizó su primera grabación en 1936. Tuvieron un cierto éxito como banda local en Chicago y se convirtieron en habituales en los escenarios de los clubes. De hecho, el sobrenombre de “King” (rey) se lo dieron a Nat en uno de estos locales. Cole participó también como pianista en una gira junto a Eubie Blaker. Cuando la gira llegó a Long Beach (California), Nat decidió establecerse allí.

Los Ángeles y el “King Cole Trio” [editar]Nat Cole junto con otros tres músicos formaron el grupo “King Cole Swingers” con el que actuaron en numerosos locales. Nat se casó con Nadine Robinson y se trasladó a Los Ángeles donde formó el “Nat King Cole Trio”. El trío estaba compuesto por Nat al piano, Oscar Moore a la guitarra y Wesley Prince al Bajo. El trío actuó en Los Ángeles desde finales de los 30 y participó también en numerosos programas de radio.

A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante. Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de “Jazz en la Filarmónica” (JATP). Un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en la época de las grandes bandas significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como Charles Brown y Ray Charles. Cole actuó también como pianista acompañante de artistas de la categoría de Lionel Hampton.

Sin embargo, Cole no consiguió llegar al gran público hasta “Sweet Lorraine” en 1940. Aunque había cantado diversas baladas con el trío, se avergonzaba de su voz y jamás se consideró un buen cantante.

A principios de los años 40, el “King Cole Trio” firmó un contrato con la discográfica “Capitol Records” con la que continuó durante el resto de su carrera. En la década de los 50, la popularidad de Cole era tanta que el edificio de la “Capitol Records” era conocida como “la casa que construyó Nat”.

Carrera como cantante [editar]Su primer éxito como cantante lo obtuvo con “Straighten Up and Fly Right”, basada en una leyenda afroamericana que su padre había utilizado como tema para sus sermones. Se considera que esta canción es la predecesora de las primera grabaciones de rock and roll.

Cole alcanzó el número uno de ventas en 1950 con la canción Mona Lisa. A partir de ese momento se inició una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz lo que no evitó que algunos críticos le acusaran de “haberse vendido” a la música comercial.

Nat King Cole se convirtió en el primer afroamericano en tener un programa de radio propio y en 1950 repitió la proeza, esta vez en un programa de televisión. Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares en los que se practicaba la segregación racial. En 1956, mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque por miembros del “Consejo de ciudadanos blancos” que pretendían secuestrarle. A pesar de que sufrió diversas heridas completó la actuación en la que anunció que no volvería nunca más a actuar en el sur.

Se casó por segunda vez con Maria Ellington con la que tuvo cinco hijos, dos de ellos adoptados. Su hija Natalie Cole es también cantante. Cole, fumador empedernido, falleció de cáncer de pulmón en 1965.

En julio de 2003 musicólogos británicos encontraron importantes similitudes en la letra y los esquemas rítmicos de “Yesterday” y la canción “Answer Me” de Nat King Cole, lo que dio lugar a especulaciones de que McCartney había sido influido por esa canción [1]. Otros afirmaron que McCartney podría haberse basado inconscientemente en la versión de Ray Charles de “Georgia On My Mind” [2].

Una versión aún más confiable, ya que fue declarada por amigos del propio McCartney en 1995 pero con su anuencia, a 30 años de la edición de la canción, es que el sueño que había tenido aquella noche había sido con su madre, Mary Patricia Mohin, fallecida cuando él era un adolescente. El “¿Por qué ella tuvo que irse…?” y otras partes de la letra hacen referencia a su progenitora, y si bien se trata de una canción de amor, no lo es a una pareja sino como amor filial.

Nat King Cole en español [editar]En 1958, Nat “King” Cole extendió aun más su popularidad mundial a los países hispanoparlantes al grabar algunas de sus interpretaciones en español. Para ello, en estudios de La Habana (hoy pertenecientes a la discográfica cubana EGREM) y de México, grabó su primer LP en este idioma, titulado Cole Español haciéndose acompañar por la orquesta de Armando Romeu hijo y de un conjunto de mariachis, algo sorprendente en un artista proveniente del jazz. Este álbum le reportó tanto éxito que comenzaron a llegarle contratos para actuar en tales países. En este sentido, es de destacar que cuando Cole actuó en Caracas, en ese mismo año, contratado por el presentador de TV Renny Ottolina el cantante le preguntó por las canciones venezolanas más populares. El presentador respondió que el famoso vals venezolano Ansiedad (compuesto por José Enrique “Chelique” Sarabia) era una de ellas. Así pues, con la ayuda de Ottolina y de Sarabia, Nat “King” Cole aprendió frase por frase este tema, ya que no sabia hablar español y carecía de habilidades para aprender idiomas. Finalmente, este tema fue incluido en su siguiente álbum en español y portugués A Mis Amigos (1959). Este ciclo se cierra, con su última grabación en español titulada More Cole Español (1962).

Como curiosidad, cabe señalar que, en 1983, un empleado de la filial holandesa de su casa discográfica (Capitol Records) descubrió en los archivos, grabaciones de Cole que habían quedado inéditas a su muerte, entre ellos un tema en japonés, algunos en inglés y uno en español, titulado Eres Tan Amable. La disquera ordenó la emisión de un nuevo álbum con estas canciones, titulado “Nat King Cole: Unreleased”. Después de la llegada de la tecnología del disco compacto fueron nuevamente editados estos temas.

A pesar de su acento peculiar, esto no fue obstáculo para popularizar diversos temas, entre románticos y bailables. Entre sus temas más conocidos en idioma español, destacan:

Fuentes : Wikipendia. Ir a la página.

Frases sobre Mozart


Entérate Mozart. El genio de la vida tormentosa
– “Me preguntaba diez veces al día si le quería; y si bromeando le respondía que no, las lágrimas brillaban en seguida en sus ojos”. Andreas Schachtner, trompetista y amigo de la familia Mozart, en un testimonio sobre su infancia.
– “Era un hombre pequeño, muy delgado y pálido, con profusión de finos y hermosos cabellos de los que estaba muy orgulloso. Tenía buen corazón y siempre estaba dispuesto a ayudar; pero cuando tocaba era tan susceptible que, si se hacía el menor ruido, se paraba inmediatamente”. O’Kelly, un cantante al que Mozart había recomendado no ser compositor.
– “Mi hermano fue un niño hermoso, pero una desgraciada enfermedad de viruela desfiguró un tanto su delicado rostro, y tras su llegada de Italia, la languidez de su piel le alejó aún más de esos rasgos originales”. Nannerl Mozart.
– “Habrás podido ver por esta carta que cuando Wolfgang hace nuevas amistades, en seguida quiere darles su vida y sus bienes. De cuando en cuando le hago alguna reflexión sobre lo que no le conviene, pero no le gusta”. Su madre, Ana María.
– “El verdadero genio sin corazón es un contrasentido. Porque ni una inteligencia elevada, ni la imaginación, ni las dos jutas hacen al genio. ¡Amor! ¡Amor! ¡Amor! He aquí el alma del genio”.
– Las personas nobles no deben casarse ni siguiendo sus gustos, ni por amor, sino solamente por el interés. Pero nosotros, pobres gentes del pueblo, no solamente estamos obligados a tomar una esposa a la que amemos y que nos ame: podemos y queremos tomar una que sea así”.
– “Si tuviera que casarme con todas las que he tonteado, tendría doscientas mujeres”.
– “Dadme el mejor piano de Europa, pero con oyentes que no comprendan nada, o que no quieren comprender, y que no sientanconmigo lo que toco, y perderé toda alegría”.
– “A veces no encuentro en las cosas ningún sentido. No siento alegría por nada. Lo que me reanima por encima de todo es que, si no siempre puedo hablar, al menos puedo pensar como quiero”.
– “¡Tengo un deseo inexplicable de escribir de nuevo una ópera. Soy más feliz cuando tengo algo que componer. Es mi única alegría y mi pasión”.
Fuente: Saraí Cabral. El Universal

El clavichembalo

El clavicémbalo
El clavicémbalo, entre los que se incluyen las espinetas y virginales ( en inglés: harpsichord; en francés: clavecin, épinette; en alemán :klavicimbel, clavicembalo, cembalo, spinett; en italiano : clavicembalo, gravicembalo , spinetta). Su aspecto recuerda al de un gran piano de concierto, aunque más estrecho; la espineta es un polígono con forma de ala y el virginal es rectangular. Las cuerdas de alambre del clavicémbalo se extienden desde donde se sienta el intérprete, como en un gran piano de cola, mientras que las de las expinetas y virginales van de la izquierda a la derecha, como en el clavicordio. Aunque el clavicémbalo suele incluir varios perfeccionamientos más o menos complicados que no aparecen en los otros dos instrumentos, el mecanismo básico de los tres es el mismo.

En el extremo de cada tecla hay una delgada pieza recta de madera que recibe el nombre de martinete, cuya parte superior está al mismo nivel de las cuerdas. Sobresaliendo del costado del martinete y descansando normalmente por debajo de las cuerdas, hay un plectro de piel o púa. Cuando se oprime la tecla, se levantan el martinete y el plectro, que pulsa las cuerdas al pasar haciéndolas vibrar en toda su longitud para producir la nota requerida. Cuando se suelta la tecla, el martinete regresa a su sitio original ( recurso ingenioso que permite que el plectro roce las cuerdas sin hacer ruido); la cuerda se amortigua gracias a un pedacito de fieltro unido a la parte superior del martinete y deja de sonar la nota. Tampoco este instrumento tiene pedal sostenedor.

El clavicémbalo tiene con frecuencia dos y a veces hasta tres teclados( aunque no la espineta y el virginal). Suele poseer más de un grupo o juego de cuerdas, junto con los martinetes y plectros necesarios para hacerlas funcionar. Mediante tiradores o registros accionados con la mano o los pedales, el intérprete puede usar el grupo de cuerdas que quiera, o combinarlos según los necesita. La acción puksante de estos tres instrumentos produce un sonido más fuerte y brillante que el del clavicordio. Además , son relativamente insensibles a las variaciones de la presión del intérprete y, por consiguiente, no se pueden equiparar a la variedad dinámica y tímbrica del clavicordio.

La espineta y el virginal sólo tienen un grupo de cuerdas y de martinetes y, por tanto, se ven limitados a un solo tipo de timbres. Por otra parte, el clavicémbalo , que digamos, cuenta con dos teclados, tres grupos de cuerdas ( dos de una extensión de ocho pies y uno de cuatro ) y cuatro tiradores o pedales, puede producir una gran variedad dinámica y de timbres, aunque no un crescendo o diminuendo graduales, ya que los cambios siempre se hacen siguiendo pautas claramente definidas.

Debido a sus limitacione tímbricas , la espineta y los virginales eran básicamente instrumentos caseros. El clavicémbalo, con su mayor variedad y potencia, cumplía las mismas funciones tanto en público como en privado, de igual manera que el piano de cola en la actualidad.

Tanto los clavicémbalos como los clavicordios a veces tenían un panel o teclado de pedales, como , los órganos. Estos se usaban básicamente para permitir que los organistas practicasen en sus casas, sin tener que contar con la ayuda de una persona para el fuelle.

Fuentes: Iniciación a la música. La música para teclado. Denis Matthews.