Polonesa 7 del album de Anna Magdalena.

polonesa

La Polonesa

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Es una danza polaca de movimiento moderado y en compás de 3/4. En su origen era una marcha solemne que daba principio y fin a una fiesta realizada en casa de una familia patricia; las parejas, tomadas de las manos y guiadas por el dueño de la casa, atravesaban las salas, las galerías y los jardines, haciendo los más extravagantes movimientos.

Las melodías de la polonesa suelen ser de una estructura simple, a base de frases breves. Posee un ritmo muy característico en el que se combinan corcheas y semicorcheas.

Durante el S.XVIII se produjo la estilización de la polonesa. Es en esta época donde la polonesa se entronca dentro de la Suite, tomando la forma de Zarabanda o de Rondó. Las polonesas de Bach ofrecen los rasgos característicos del compás ternario, las frases sin anacrusas y un ritmo característico con la acentuación en el segundo tiempo.

Ejemplos famosos de polonesas barrocas son los que contemplamos en las siguientes obras de Bach: Suite francesa nº1y Suite orquestal nº2. Compositores como Telemann, Mozart, Beethoven, Schubert y Weber escribieron polonesas.

Pero es Chopin, por evidentes razones, quien fijó el modelo maestro de la polonesa. Célebres son sus 14 polonesas op.26, 40, 44, 53 y 71. Existen notables ejemplos en obras de Schumann, Liszt, Musorgsky, Tchaicovsky y Glinka.

Fuentes: Melómanos

 

Roman de Fauvel

Le Roman de Fauvel

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Es un extenso poema alegórico del siglo XIV (1314 – 1316), sobre las costumbres de la época. El texto literario fue escrito por Gervais de Bus y Chaillou du Pestain, y en él se describe la vida de un asno llamado Fauvel cuyo nombre es acróstico (formado por iniciales de otras palabras) en los principales vicios observados en la época:
Muchos de los textos del román presentan denuncias contra el clero de la época, y hay también bastantes ilusiones a sucesos políticos.

En
el poema se hallan interpoladas alrededor de 167 piezas musicales que
de hecho, constituyen una antología de la música de finales del siglo
XIII y principios del XIV (Ars Nova). La mayoría de las piezas son monofónicas (rondeaux, ballades, chansons y diversos cantos llanos). Sin embargo se incluyen también 34 motetes polifónicos. Sobre todo van a destacar los motetes isorrítmicos de Philippe de Vitry.

Bacanal

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Bacanal.
Danza ruidosa y agitada, que acompañaba al culto de Baco. En la terminología musical moderna, este nombre fue en primer lugar aplicado a las canciones báquicas insertas en una colección que apareció en Caen, en 1615. Pero esta aplicación fue excepcional y, en 1716, se encuentra de nuevo esta palabra como título de algunas obras de F. Couperin,. para clavicémbalo. Hacia 1800, Steibélt publicó en París un cuaderno de 12 bacanales para piano con acompañamiento de tamboril o de pandero. Este género de danza y de música tuvo cierta preponderancia en los salones de la época del Directorio. Las bacanales fueron introducidas en algunos ballets y óperas. La de Aguiles en Scyros, de Cherubini, fue imitada por Spon-tini en un fragmento añadido a Las Danaides, de Salieri (1817). La más célebre de todas las bacanales fue la que Wagner escribió para las representaciones de Tannháuser en París (1861). El ballet de Mauricio Ravel Dafnis y Cloe finaliza con una brillante bacanal. Ninguna tradición de forma limita la inventiva del compositor en las obras que llevan este título. En ellas el músico tiende libremente a realizar, mediante la animación de los ritmos y la riqueza del colorido, la descripción musical de las escenas evocadas.

La imitación

.Fuentes formas musicales. ( 1975)…
. La Imitación, el Canon y la Fuga
La Imitación y el Canon
Imitación. Una o varias de las partes (vocales o instrumentales) que forman un conjunto pueden, en vez de conducir una melodía propia, imitar la que ha hecho otra antes. Y entonces queda, musicalmente, constituida una Imitación.
Nuestro arte no sólo ha admitido el procedimiento, sino que lo ha explotado hasta el límite, fundamentando en él un estilo de escritura — el estilo imitativo ,máximo exponente de la la época que culmina en J. S. Bach (1685-1750). Después pareció ir marchando hacia un definitivo ocaso, pero en nuestro tiempo lo revaloriza una de las tendencias más discutidas : la dodecafonista

Antecedente y Consecuente. Antecedente o Propuesta (antiguamente, Dux) se denomina la parte que primero hace oir lo que será imitado. Consecuente o Respuesta (antiguamente, Comes), la que imita. De hacerlo varias, habrá Consecuente 1.0, Consecuente 2.°, etc.
Particularidades de las Imitaciones
1. La longitud de una Imitación la determina el compositor a voluntad. Así, lo mismo puede imitarse un fragmento de pocas notas que uno extenso.
2. También determina libremente el compositor la proximidad, en valores de compás, entre Antecedente y Consecuente. A mayor proximidad, más cerrada, más estrecha es la Imitación, y más interesante resulta.
3. La Imitación puede hacerse a cualquier distancia — al unísono, a la 2.a, a la 3.a, etc. —. Cuando no se especifica intervalo, se entiende que se trata de Imitación con las mismas notas (unísono, 8.a, 15.a justas). De lo contrario, se indica la distancia : a la 5.a superior, a la 2.a inferior, etc.
4. La Imitación puede ser o no textual En el primer caso
se denomina exacta, rigurosa,regulasr, perfecta, en el segundo , inexacta, libre, irregular, imperfecta
1 Antecedente
3.
4.
.
5. Pueden imitarse los dos componentes de una melodía o sea, la línea de sonidos y el ritmo o bien uno solo de ellos. Si se imita únicamente la línea de sonidos, resulta una Imitación con valores distintos ; si el ritmo, una imitación rítmica.
Clases de Imitación Se emplearon muchas, pero ya sólo merecen ser tenidas en cuenta las siguientes
a) Por movimiento directo. El Consecuente se mueve en la misma dirección que el Antecedente :
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(Imitación al unísono)
b) Por movimiento contrario. El Consecuente se mueve I dirección opuesta al Antecedente :
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b) Por movimiento retrógrado directo (1). El Consecuente respeta la dirección de los intervalos del Antecedente, pero imita a éste desde el final al comienzo, o sea, leido el Antecente de derecha a izquierda :
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c) Por movimiento retrógrado contrario. El Consecuente imita al Antecedente desde el linal al comienzo, y con intervalos de sentido opuesto :
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Dúo

Dúo
Composición a dos voces o a dos instru­mentos. La diafonía, el árganum y el discanto ofrecen los primeros intentos de dúo. En las obras polifónicas de los siglos xv y XVI abun­dan los episodios a dúo colocados ordinaria­mente en las misas, ya sea en el Kriste eleison o en el segundo A gnus Dei, tal es el caso de la Mente tota, de Fevin, reimpresa por Expert según la edición de 1516. En 1545 y 1590 se publicaron grandes colecciones de dúo bajo el título de Bicinia, por Rhan de Wittenberg y Phalcse, de Amberes. En el siglo XVIII las arias a dos voces se pusieron de moda en Francia entre los aficionados al canto. Se escribían en las formas más sencillas, con frecuencia en con­trapunto igual con un bajo continuo. Los com­positorcs italianos de esta misma época acrecie­ron el interés del dúo de cámara y de iglesia usando preferentemente la forma dialogada e introduciendo en él respuestas canónicas y dibujos contrapuntisticos. Steffani (1653-1728) se hizo célebre por sus Duetti de camera, que fue­ron en seguida imitados y cuya influencia se hizo sentir hasta en los más grandes creadores, como Haendel y Bach. Las cantatas a dos voces, en varios movimientos, de los músicos franceses del siglo XVIII son un eco menos directo del dúo. En la época siguiente apareció bajo el titulo : de nocturno un género de dúo de cámara de reducidas proporciones, en el que las voces can­taban casi constantemente juntas, predominando en él las series de terceras y de sextas agradables al oído. Uno de los primeros y más encantadores ejemplos de nocturno se halla en Beatriz y Be­nedicto, de Berlioz (1862).

El pequeño dúo de cámara, o lied a dos voces, fue cultivado abun­dantemente en Alemania por Mendelssohn. Kü­chen, Schumann, Brahms, etc. En la ópera, el dúo había tomado desde la iniciación de este género un lugar deterrninado por la acción dra­mática, que se fue ampliando a medida que por efecto de la saciedad se reaccionaba contra el plan de la antigua ópera italiana, hecha de una sucesión de arias estereotipadas. Aunque todas las combinaciones de voces estuviesen admitidas, según las situaciones que debían expresar, el interés y los cuidados de los compositores y las preferencias del público se concentraron en los dúos de amor para tenor y soprano. Basta recor­dar los dúos de Guillermo Tell, de Rossini (1829); de Los hugonotes, de Meyerbeer (1836); de Lohengrin, de Wagner (1854); de Los troya­nos, de Berlioz (1863). Si Wagner rompió con la tradición suprimiendo casi totalmente las es­cenas de conjunto en el segundo acto de Tristán e Iso/da (1865), esta escena culminante de toda la obra, más que un verdadero dúo, es una serie de dúos llevada hasta los más extremados des­arrollos tradicionales. En la música instrumen­tal, el dúo se adapta a todos los destinos, desde el fragmento de estudio hasta las obras de vir­tuosismo y de moda.

Romanza

La romanza medieval, que se asegura es anterior a los primeros trovadores, es una canción en varias estrofas de tres, cuatro o cinco versos, seguidos de estribillo. El nombre y la forma reaparecen en la segunda mitad del siglo XVIII. La célebre romanza de J.J. Rousseau Je lái plantè , je lái vu nâitre , que se publicó después de su muerte, en la recopilación Les consolations des misères de ma vie (1781), se compone, en cuanto al texto, de cuatro estrofas de cuatro versos ostosílabos, y en cuanto a la música de ocho compases, que se reducen a 4+4, o dos repeticiones que sólo se diferencian por sus dos últimos compases.
Martini (Schwartzendorf ) es considerado como el primero que escribió en Francia romanzas separadas , con acompañamiento de piano: hasta entonces se contentaban con el bajo cifrado. Es autor de la encantadora y célebre romanza Plaisir dámour. El periodo revolucionario hizo nacer numerosas romanzas sentimentales y lacrimosas por ejemplo , Lórphelin adopté par sa nourrice, de Méhul (1795).
Bajo el imperio , hacia 1810 m Mme. de Chastenay comprobaba la existencia de una predilección especial por las romanzas de caballerias; sólo se hablaba de los viejos castillos de nuestros antepasados, de heroicos caballeros, de paladines e incluso de rosarios y cruces.

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Desde finales del siglo XVIII han venido publicándose muchas romanzas instrumentales, ya transcripciones o variaciones de piezas cantadas, o bien escritas con el mismo espíritu: Haydn, Sinfonía llamada la Reine de France; la romanza que forma la obra es un arreglo de romanza vocal francesa; Mozart, Concerto para piano y violin y orquesta en fa;Mendelsshon sus romanaza sin palabras para piano, entre otras varias
Romanza sin palabras . Mendelsshon

Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn (Rohrau an der Leitha,31 de marzo de 1732 – Viena, 31 de mayo de 1809), Joseph Haydn, compositor austríaco de música clásica, representante de la época clasicista.

Junto con Mozart, Haydn está considerado como el máximo compositor del periodo clasicista de la música clásica y uno de los más grandes compositores de este género. Se le considera el padre de la sinfonía y del cuarteto tal como los conocemos en la actualidad. También fue innovador en definir la forma de la sonata y de componer sonatas para teclado y tríos para piano.

Su hermano Michael también fue compositor, aunque menos conocido.

Biografía esencial

Nació en Rohrau, una pequeña población cerca de la frontera con Hungría, fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.

En 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico. Transcurrieron diez años difíciles, en los que tuvo que trabajar en diversos empleos relacionados con la música. Uno de ellos fue como sirviente y acompañante de un compositor italiano. No obstante, Haydn sacó partido de estos años y fue adquiriendo mayores conocimientos, hasta el punto en que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera. Paulatinamente, su reputación como compositor empezó a desarrollarse.

Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Su misión consistía en dirigir la pequeña orquesta del conde y programar la música para cada evento. Al mismo tiempo componía, y escribió sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, y organizar el montaje de óperas. A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta.

Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1760, pero el matrimonio no se entendía y no tuvieron hijos. Tuvo por el contrario una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.

Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de Paris fueron compuestas en aquellos años. En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna influencia en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que había escrito sus recientes óperas y conciertos. Por su parte, Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese en su opinión a la altura de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.

En 1790 murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 104 “Londres”) y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo Gitano para trío con piano.

Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa, y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el Oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1782 una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música.

Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Sus últimas palabras fueron las que dirigió a sus sirvientes, tranquilizándoles acerca de las bombas que caían en la vecindad.

Músicos contemporáneos

* Luigi Boccherini
* Andrea Luchesi
* Giovanni Battista Cirri
* Gottfried van Swieten
* Johann Peter Salomon

Fuentes: Wikipendia
,Enciclopedia libre

Arabesco

Arabesco Linea musical que produce la sensación de curva sinuosa con entrantes y salientes y que se obtiene combinado partes en arpegio y partes en movimiento concunto. Como ejemplo de linea musical que denota la forma del arabesco, cabe citar, entre obras de muchos y muy diversos autores , el Vals de do diesi menor (op. 61 , nº 2 ) de chopin, parte comprendida entre los compases 33 y 64.

Escuchar Arabesco de Debussy , para alegrar la mañana : música buena:


Denominación que se da a una composición cuya curva musical ha sido estructurada utilizando la forma del arabesco.

Arabesque En la danza. esta palabra indica de una o varias posiciones del cuerpo, posturas que pueden variar hacia lo infinito, como las actitudes. Una mano o pierna ligeramente desplazada, modifica el sentido y el nombre del arabesco. Coreográficamente hablando el arabesque se realiza de modo que el cuerpo se mantenga sobre una sola pierna doblada en posición normal, manteniendo la otra horizontalmente acord con el sentido que expresan los brazos. Los arabesques sirven principalmente para manifestar en la danza la envidia, la cólera, el desprecio, el desdén, así como tambien la alegría y el orgullo.

Bibliografia : diccionariode la música. Michel Brenet. Primera edición 1946.

Formas musicales : lista.

Formas musicales. Lista:

La Forma musical
El Género musical

Formas instrumentales

Arabesco/Arabesca
Badinerie
Barcarola
Bagatela
Ballet
Batalla
Berceuse
Bourrée
Capricho
Cassazione
Chacona
Concierto
Diferencias
Divertimento
Estudio
Fantasía
Fuga
Gallarda
Impromptu
Invención
Marcha
Mazurca
Minué
Misterio
Momento musical
Musette
Nocturno
Obertura
Partita
Pasacalle
Pavana
Poema
Poema sinfónico
Polca
Polonesa
Preludio
Rapsodia
Ricercare
Rondó
Scherzo
Sinfonía
-Sinfonía concertante
-Sinfonietta

Sonata
-Cuarteto
-Sonatina
-Trío

Suite
-Allemande
-Courante
-Zarabanda
-Giga

Tiento
Tocata
Vals
Variación
Formas vocales
Canción
Cantata
Canto gregoriano
Coral
Lied
Madrigal
Misa
Motete Opera
-Aria de bravura
-Arietta
-Ariosso
-Cavatina
-Concertante
-Duo

Oratorio
Pasión
Requiem
Villancico
Zarzuela
Formas mixtas
Aria
Balada
Canon
Elegía
Habanera
Intermezzo
Romanza/Romance
Serenata

Blues sencillo. Aprendo piano desde cero.

Blues en do
Para familiarizarse con el Swing hay que escuchar música, por ejemplo este blues: Tuxedo Junction:

Un blues sencillo. Nivel principiante. Con los datos que he ido dando ya se puede hacer este blues. Yo tambien voy repasando.
Vamos teniendo un poco de agilidad.

Hacerlo
con manos separadas y muy despacio. Los acorde que he puesto los teneis
en algún artículo, ponerlos en el buscador y saldrán.

Pinchar para verlo grande

Si
os fijais la imagen no es igual que el sonido , se conoce que por
internet la imagen no coincide con el sonido a tiempo real. No obstante
para que os fijeis un poco la velocidad al principio o quiza un poco más
lento, yo lo estoy estudiando a esta velocidad:

Video de hace 5 años

Blues Blues- Wikipedia,
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Ver artículo blues en Wikipedia
El Blues es un género musical de Estados Unidos.

A
las orillas del Misisipi, alrededor de 1900, en un barrio de la ciudad
de Nueva Orleans llamado Storyville(abarrotado de locales de música en
directo), los esclavos compraban instrumentos a los militares
estadounidenses. Estos esclavos no tenían conocimientos musicales y
tocaban los instrumentos simulando la voz humana. Con ello desarrollaron
nuevas técnicas. Así empezaron a surgir las primeras bandas.

El
blues nace, principalmente, en las plantaciones de algodón del sur de
Estados Unidos. Los esclavos traídos de África cantaban los llamados
hollers, worksongs o “canciones de trabajo” que más tarde se convertiría
en todo un género musical, el Blues. Estas “canciones de trabajo”
cumplían varios objetivos, como transmitirse mensajes secretos entre
ellos o intentar aplacar el dolor y el sufrimiento que suponía trabajar
en las plantaciones de algodón o en la construcción de carreteras y
ferrocarriles.

Es una composición de doce compases de estructura sencilla con ritmos sincopados, de temática diversa.

El
Blues ha nutrido al nacimiento y al desarrollo de numerosos estilos
musicales de hoy en día: desde el Jazz y el Gospel, pasando por el Rock
and Roll, hasta el Soul y el Rhythm & Blues.

Definición
Melódicamente,
el blues está caracterizado por el uso de la tercera disminuida y el
acorde dominante (llamadas nota de blues o “Blue notes”) de la escala
mayor. El uso de las “blue notes” y el uso de la técnica
call-and-response (donde un instrumento suena, después otro lo hace en
forma de respuesta), fueron los patrones que le dieron la distinción.
las notas ha utilizar son la 1º-4º-5º ej: mi-la-si

La escala de blues es muy utilizada en otros tipos de música, como la música popular, en las baladas e incluso en las orquestas.

En
cuanto a letra se refiere, el blues consiste usualmente en una línea
repetida dos veces y en la tercera línea, una frase para rimar, por
ejemplo:

Woke up this morning with the blues all in my bed
Yes, I woke up this morning with the blues all in my bed
Fixed my breakfast, the blues was all in my bread

La canción, Ars Nova.

La canción. Ars Nova

La canción polifónica profana del siglo XIV , o cantinela, se elabora a partir de las formas con estribillo: (RONDO, VIRELAI, BALADA) y de las estructuras del conductus y del motete.La
mayoria de las veces está escrita para tres voces: una voz superior
animada, escrita en primer lugar, que lleva el texto y está determinada
por la forma de este último; dos voces inferiores instrumentales, el
tenor – indisociable del superius, al que sirve de apoyo melódico- , escrito en segundo lugar, y el contratenor, completamente armónico y poco melódico.

RONDO
VIRELAI
BALADA
CONDUCTUS
MOTETE
TENOR
LA CHACE
CONTRATENOR
F. historía de la música: (Espasa).

Hoquetus

En primer lugar habría que explicar en qué consistía el hoquetus en la
polifonía medieval. Este término latino, escrito también hoketus,
ochetus, oketus, en francés hocquet y hoquet, en italiano ochetto, en
inglés hocket, define una peculiar técnica o procedimiento musical muy
usado en los siglos XII y XIII consistente en repartir una melodía entre
varias voces, pero de forma que no se pierda su línea. Se reparte
normalmente entre dos voces, en pocas ocasiones entre tres, con notas
aisladas o breves grupos de notas, una parte teniendo el silencio
mientras la otra suena. Son numerosos los motetes del siglo XIV que
incluyen pasajes en hoquetus, pero los teóricos del siglo XIII
consideraban al hoquetus como una forma musical independiente y no sólo
una técnica para ser empleada dentro de una composición más extensa,
como era el motete. Se refieren probablemente a las piezas donde la
técnica del hoquetus se utiliza conscientemente entre las dos partes
superiores. Y no decimos voces superiores para no confundir, ya que
suelen ser obras instrumentales, destinadas seguramente a ministriles de
viento, es decir, a quienes tañían instrumentos más apropiados para
emitir notas aisladas o fragmentos breves de notas que los de cuerda. En
realidad, el hoquetus debió proporcionar a la cultura europea los
primeros ejemplos conocidos de música instrumental