Nat King Cole

Infancia y Chicago :
Su padre Don Edward Coles era carnicero y diácono en la Iglesia Baptista. Su familia se trasladó a Chicago cuando Nat era todavía un niño. Allí, su padre se convirtió en ministro de la iglesia y su madre, Perlina Adams, en la encargada de tocar el órgano de la iglesia. Fue la única maestra de piano que tuvo Nat en toda su vida. Aprendió tanto jazz como música gospel, sin olvidar la música clásica.

La familia vivía en el barrio de Bronzeville, famoso a finales de los años 20 por su vida nocturna y sus clubes de jazz. Nat visitó con frecuencia estos locales, escuchando a artistas como Louis Armstrong o Earl Hines.

Inspirado por Hines, Nat inició su carrera artística a mediados de la década de los 30 cuando aún era un adolescente. Adoptó el nombre de Nat Cole, abandonando la “s” de su apellido familiar. Su hermano mayor, Eddie, bajista, se unió a la banda de Nat cuando este realizó su primera grabación en 1936. Tuvieron un cierto éxito como banda local en Chicago y se convirtieron en habituales en los escenarios de los clubes. De hecho, el sobrenombre de “King” (rey) se lo dieron a Nat en uno de estos locales. Cole participó también como pianista en una gira junto a Eubie Blaker. Cuando la gira llegó a Long Beach (California), Nat decidió establecerse allí.

Los Ángeles y el “King Cole Trio” [editar]Nat Cole junto con otros tres músicos formaron el grupo “King Cole Swingers” con el que actuaron en numerosos locales. Nat se casó con Nadine Robinson y se trasladó a Los Ángeles donde formó el “Nat King Cole Trio”. El trío estaba compuesto por Nat al piano, Oscar Moore a la guitarra y Wesley Prince al Bajo. El trío actuó en Los Ángeles desde finales de los 30 y participó también en numerosos programas de radio.

A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante. Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de “Jazz en la Filarmónica” (JATP). Un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en la época de las grandes bandas significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como Charles Brown y Ray Charles. Cole actuó también como pianista acompañante de artistas de la categoría de Lionel Hampton.

Sin embargo, Cole no consiguió llegar al gran público hasta “Sweet Lorraine” en 1940. Aunque había cantado diversas baladas con el trío, se avergonzaba de su voz y jamás se consideró un buen cantante.

A principios de los años 40, el “King Cole Trio” firmó un contrato con la discográfica “Capitol Records” con la que continuó durante el resto de su carrera. En la década de los 50, la popularidad de Cole era tanta que el edificio de la “Capitol Records” era conocida como “la casa que construyó Nat”.

Carrera como cantante [editar]Su primer éxito como cantante lo obtuvo con “Straighten Up and Fly Right”, basada en una leyenda afroamericana que su padre había utilizado como tema para sus sermones. Se considera que esta canción es la predecesora de las primera grabaciones de rock and roll.

Cole alcanzó el número uno de ventas en 1950 con la canción Mona Lisa. A partir de ese momento se inició una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz lo que no evitó que algunos críticos le acusaran de “haberse vendido” a la música comercial.

Nat King Cole se convirtió en el primer afroamericano en tener un programa de radio propio y en 1950 repitió la proeza, esta vez en un programa de televisión. Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares en los que se practicaba la segregación racial. En 1956, mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque por miembros del “Consejo de ciudadanos blancos” que pretendían secuestrarle. A pesar de que sufrió diversas heridas completó la actuación en la que anunció que no volvería nunca más a actuar en el sur.

Se casó por segunda vez con Maria Ellington con la que tuvo cinco hijos, dos de ellos adoptados. Su hija Natalie Cole es también cantante. Cole, fumador empedernido, falleció de cáncer de pulmón en 1965.

En julio de 2003 musicólogos británicos encontraron importantes similitudes en la letra y los esquemas rítmicos de “Yesterday” y la canción “Answer Me” de Nat King Cole, lo que dio lugar a especulaciones de que McCartney había sido influido por esa canción [1]. Otros afirmaron que McCartney podría haberse basado inconscientemente en la versión de Ray Charles de “Georgia On My Mind” [2].

Una versión aún más confiable, ya que fue declarada por amigos del propio McCartney en 1995 pero con su anuencia, a 30 años de la edición de la canción, es que el sueño que había tenido aquella noche había sido con su madre, Mary Patricia Mohin, fallecida cuando él era un adolescente. El “¿Por qué ella tuvo que irse…?” y otras partes de la letra hacen referencia a su progenitora, y si bien se trata de una canción de amor, no lo es a una pareja sino como amor filial.

Nat King Cole en español [editar]En 1958, Nat “King” Cole extendió aun más su popularidad mundial a los países hispanoparlantes al grabar algunas de sus interpretaciones en español. Para ello, en estudios de La Habana (hoy pertenecientes a la discográfica cubana EGREM) y de México, grabó su primer LP en este idioma, titulado Cole Español haciéndose acompañar por la orquesta de Armando Romeu hijo y de un conjunto de mariachis, algo sorprendente en un artista proveniente del jazz. Este álbum le reportó tanto éxito que comenzaron a llegarle contratos para actuar en tales países. En este sentido, es de destacar que cuando Cole actuó en Caracas, en ese mismo año, contratado por el presentador de TV Renny Ottolina el cantante le preguntó por las canciones venezolanas más populares. El presentador respondió que el famoso vals venezolano Ansiedad (compuesto por José Enrique “Chelique” Sarabia) era una de ellas. Así pues, con la ayuda de Ottolina y de Sarabia, Nat “King” Cole aprendió frase por frase este tema, ya que no sabia hablar español y carecía de habilidades para aprender idiomas. Finalmente, este tema fue incluido en su siguiente álbum en español y portugués A Mis Amigos (1959). Este ciclo se cierra, con su última grabación en español titulada More Cole Español (1962).

Como curiosidad, cabe señalar que, en 1983, un empleado de la filial holandesa de su casa discográfica (Capitol Records) descubrió en los archivos, grabaciones de Cole que habían quedado inéditas a su muerte, entre ellos un tema en japonés, algunos en inglés y uno en español, titulado Eres Tan Amable. La disquera ordenó la emisión de un nuevo álbum con estas canciones, titulado “Nat King Cole: Unreleased”. Después de la llegada de la tecnología del disco compacto fueron nuevamente editados estos temas.

A pesar de su acento peculiar, esto no fue obstáculo para popularizar diversos temas, entre románticos y bailables. Entre sus temas más conocidos en idioma español, destacan:

Fuentes : Wikipendia. Ir a la página.

Vincens Youmans

Youmans nació en la ciudad de Nueva York y creció en marcha en Central Park West en el sitio donde el Mayflower Hotel una vez estuvo. Su padre, un fabricante de sombreros próspero, se trasladó a la familia a la clase alta Larchmont, Nueva York . [ 2 ] Youmans asistió a la Escuela de la Trinidad en Mamaroneck , Nueva York, y Heathcote Hall en Rye, Nueva York . Originalmente, su ambición era convertirse en ingeniero, y asistió a la Universidad de Yale por un corto tiempo. Dejó los estudios para convertirse en un corredor de Wall Street firma de corretaje antes de que él fue reclutado para luchar en la Primera Guerra Mundial . Él se interesó en el teatro cuando produjo tropa muestra para la Armada. Después de la guerra, era un Youmans Tin Pan Alley canción plugger para la TB Harms Company y luego un pianista de ensayo para el compositor Victor Herbert operetas ‘s. [ 3 ] Él colaboró con el letrista Ira Gershwin en la banda sonora de dos niñas en azul , que ganó una amplia aclamación.

Su siguiente espectáculo, con letra de Otto Harbach y Oscar Hammerstein II , fue Wildflower . Su éxito más duradero, sin embargo, fue No, No, Nanette , con letra de Irving Caesar . Este fue el mayor éxito de comedia musical de la década de 1920 en Europa y en los EE.UU. y sus dos canciones ” Tea for Two “y” Quiero ser feliz “se consideran estándares. Desde 1927, Youmans también produjo sus propios espectáculos. Tenía otro gran éxito con Hit the Deck! (1927; incluyendo “Hallelujah”), pero sus producciones posteriores fueron un fracaso, aunque muchas de sus canciones siguen siendo populares. Sus últimas contribuciones a Broadway fueron algunas canciones de Take a Chance (1932). [ 4 ] Youmans colaboraron con los más grandes compositores de Broadway: Herbert Stothart , Otto Harbach , Oscar Hammerstein II , Irving Caesar , Anne Caldwell , Leo Robin , Clifford grises , Billy Rose , Edward Eliscu , Edward Heyman , Harold Adamson , Mack Gordon , de Buddy De Sylva y Gus Kahn . [ 3 ] primeras canciones Youmans ‘son notables por su economía de material melódico: dos, frases de tres o cuatro notas se repiten constantemente y modificarse mediante cambios armónicos o rítmicos sutiles. En años posteriores, sin embargo, al parecer influenciado por Jerome Kern , se dirigió a largas penas de musicales y líneas melódicas más de flujo libre. [ 4 ] Youmans se retiró en 1934, después de una carrera profesional de tan sólo 13 años, sólo volver a Broadway para montar el espectáculo malograda El Ballet Revue Vincent Youmans (1943), una ambiciosa mezcla de música latinoamericana y clásico, Ravel ‘s Daphnis et Chloé . Con coreografía de Léonide Massine ., perdió algo de $ 4 millones [ 5 ] Más que cualquiera de sus contemporáneos, hace constante re-uso de un número limitado de melodías; publicó menos de 100 canciones, pero 18 de ellos fueron considerados estándares por ASCAP . [ 4 ] Murió de tuberculosis a los 47 años. A su muerte, Youmans dejó una gran cantidad de material inédito. En 1970, Youmans fue incluido en el Songwriters Hall of Fame .

Wikipedia

Claude Gervaise. Renacimiento.


Claude Gervaise
Claude Gervaise

(París, 1525 – 1583 )  fue un compositor, editor y arreglista de música renacentista , principalmente recordado por su asociación con el renombrado impresor Pierre Ataingnant, cómo así también por su música instrumental. 

Aun es poco lo que se ha investigado sobre su vida, y únicamente se conocen detalles de la época en que trabajó en París como asistente de Attaingnant. Aparece mencionado por primera vez en 1540, como editor de varios libros de danzas instrumentales impresos por Attaingnant. Luego de la muerte de Attaingnant, a finales de 1551 o 1552, Gervaise continúa asistiendo a su viuda en su negocio de publicaciones musicales.


 No se sabe a ciencia cierta qué fue de la vida de Gervaise después de su última mención como editor de los trabajos de imprenta en 1558. 

 La producción musical de Gervaise consiste en chansons y danseryes, la mayoría para tres o cuatro voces. No parece haber escrito música sacra, algo inusual para compositores de la época. Además de componer música, introdujo innovaciones en la notación de la música instrumental; en un manual para viola, (1548) se sabe que realizó la primera tablatura para ese instrumento en Francia.
Sus canciones son de composición libre y la mayoría provienen de largos poemas. Publicó una colección de veinte canciones para cuatro voces en 1541. Las restantes canciones -para tres voces- son arreglos de las piezas anteriores para cuatro; ésta colección se publicó en 1550. Estilísticamente son típicas de las canciones francesas de la época: polifónicas pero concisas.
Su música instrumental es lo más conocido de su producción. 

La mayoría está escrita para cuatro partes, y dirigida a la danza. Las principales formas empleadas son: pavana, gallarda y branle, incluyendo de éste último las variantes courante, gay, y simple’. Una de sus pavanas (Pavane Passemaize) incorpora la famosa, verdaderamente ubícua, línea de bajo del “Passamezzo antico”.
Las melodías son simples, y la textura es siempre homofónica, haciéndola ideal para la danza.

Videopartitura:Jules Massenet’s Meditation Para piano solo.

 Jules Massenet

(Montaud, Francia, 1842-París, 1912) Compositor
francés. La ópera tiene uno de sus creadores más sensibles y refinados
en Jules Massenet, el más popular de los compositores franceses que han
abordado este género después de Gounod y Bizet. Talento precoz, su
primer contacto con la música se lo proporcionó su madre. Más tarde, a
los nueve años de edad, fue admitido como alumno en el Conservatorio de
París. Los años de estudio en esta institución se vieron culminados en
1863 con la concesión del prestigioso Gran Premio de Roma, que permitía a
los galardonados residir durante una temporada en la Villa Médicis de
la capital italiana.
A su regreso a París, Massenet compuso sus primeras óperas, La coupe du roi de Thulé (1866) y Le Grand-Tante
(1867), las cuales, a pesar de contener pocos elementos que hagan
presagiar su evolución posterior, denotan ya la espontaneidad e
inspiración melódica que constituirán los rasgos más distintivos de su
producción escénica.
A pesar del éxito de algunas de
estas composiciones, su consagración como músico dramático no llegaría
hasta el estreno, en 1884, de Manon, compuesta sobre la célebre
historia de Manon Lescaut que también inspiraría a Puccini algunos años
más tarde. A esta ópera le sucedieron otros títulos importantes como Le Cid (1885), Esclarmonde (1889) y, sobre todo, Werther (1892) y Thaïs (1894), dos obras que conservan aún hoy un puesto de privilegio en el repertorio de los grandes coliseos operísticos.

Mientras
tanto, la carrera de Massenet había ido consolidándose también en el
ámbito oficial, desde que en 1878 hubiera sido nombrado profesor del
Conservatorio de París. De su producción hay que destacar también las
óperas Chérubin (1905) y Don Quichotte (1910), una de sus
últimas composiciones, y las orquestales Suites núms. 4 «Escenas
pintorescas» (1874) y 7 «Escenas alsacianas» (1881), las dos eclipsadas
por su legado dramático.

Fuentes: >Biografías.

Misa: Antonio Lotti.Kyrie

Partitura cantada virtualmente a 4 voces. Misa: Kyrie

.

Biografía

Antonio Lotti (Venecia, 1667 – 5 de enero de 1740) fue un compositor italiano del Barroco tardío.
Antonio Lotti nació en Venecia. Luego de estudiar con Giovanni Legrenzi, hizo su carrera musical en la basílica de San Marcos, primero como cantante, luego como asistente del segundo organista, desde 1704 como segundo organista, y finalmente como maestro de capilla en 1736, cargo que mantuvo hasta su muerte. Estuvo casado con Santa Stella, notable soprano de la época.
Lotti escribió en una amplia variedad de formas musicales, incluyendo misas, cantatas, madrigales, alrededor de treinta óperas y música instrumental. Su música sacra coral es a menudo a capella.
Sus trabajos se consideran un «puente» entre la música barroca y la emergente música clásica.
Fue además un maestro notable, contándose entre sus alumnos a Domenico Alberti, Benedetto Marcello, Baldassare Galuppi y Jan Dismas Zelenka.

Diccionario de la música

Bach y Haendel

BACH Y HAENDEL
ACERCAMIENTO
No casual, no inoportuno, pero tampoco entendido como creación de un ideal paralelo, concepto que invalidaría el primer análisis serio de las obras y de los artistas: ambos, alemanes de Turingia; ambos, nacidos en 1685; ambos, ciegos en los últimos años de su vida. Bach y Haendel son dos cimas que descuellan en la historia de la música —y no solamente alemana— de la primera mitad del siglo  En su compleja producción polifónica resumen todo cuanto había sido intentado o realizado en el siglo anterior y lo perfeccionan con el poder de su genio arquitectónico e inventivo. Pero no pueden ser puestos uno frente al otro con el vano intento de medir la diversidad de su grandeza.
Figuras gigantescas, aunque pueden asociarse por algunas afinidades genéricas del estilo, permanecen independientes artísticamente, casi indiferentes el uno, al otro. Pero, por otra parte, el acercamiento de sus nombres no puede dejar de aparecer justificado cuando se considera que ambos compositores han salido, del regazo germánico, y que en virtud de las mismas diferencias substanciales de sus obras, de las especiales actitudes de su genio, de las sólidas características de su temperamento, parecen dos apariciones milagrosas en las que la naturaleza haya realizado al mismo tiempo su mayor esfuerzo para alcanzar la manifestación completa de la musicalidad del siglo XVIII; más exactamente, de principios de aquel siglo. “Aquellos dos genios —escribe Gaetano Cesari—, a pesar de todo lo que les diferencia, tienen una misma finalidad en su trayectoria para alcanzar los más altos ideales. No son dos fuerzas antagónicas, competidoras o rivales; son dos fuerzas que se completan recíprocamente cuando actúan en el sentido de elevar a las más sublimes alturas las formas artísticas”; inconscientemente se encuentran en una actitud que tiene analogías, en el terreno poético, en la ofrecida por Goethe y Schi-ller. En cuanto a las divergencias fundamentales de las dos maneras de arte representadas por Bach y Haendel, puede decirse que aparecen claramente cuando se examinan las obras de cada uno fuera de la imponente grandiosidad del conjunto, o bien cuando se analizan sus caracteres sobre la base común del sentimiento religioso que ha inspirado gran parte de aquellas obras de diverso modo; o todavía cuando se ven de cerca las circunstancias tan distintas que acompañaron las vidas de los dos hombres y que tanto contribuyeron a su formación artística.
Recorriendo, pues, las fases más salientes de aquellas vidas tan diversas y observando atentamente las inclinaciones de sus grandes protagonistas, quizá no será difícil descubrir las razones que llevaron a ambos compositores a adoptar las formas que caracterizan sus obras. Comparando después estas formas con las del arte anterior y con las del tiempo de Bach y Haendel, podrán encontrarse fácilmente sus orígenes y establecer los elementos particulares de originalidad y belleza. Lo que en parte nos disponemos a hacer, como siempre, con la ayuda de las enseñanzas de Cesari.
fuentes: historia de la música Francco Abbiati. 1950

Dufay

Guillaume Dufay
Como toda la producción musical del siglo xv, la obra de Dufay se articula en torno a tres grandes géneros: la misa, el motete, la canción. Pero en la misa es donde el músico puso lo mejor de sí mismo, al menos su mayor originalidad. El alcance de su técnica en el ámbito de los procedimientos cíclicos y en el de la polifonía, su equilibrio entre la técnica y la sensibilidad, son notables.
Las misas

Guillaume Dufay


Dufay compuso ocho (quizá nueve) misas y treinta y ocho fragmentos de misas. La utilización de éstos en el ordinario de la misa es tardía. Algunos están reunidos por pares (Gloria-Credo o Sanctus-Agnus) o por tríos (Kvrie-Gloria-Credo o Kyrie-Sanctus-Agnus); no todos están escritos a tres voces, sino a veces a cuatro, y algunos tienen su cantus firmus  al superius. Estos distintos aspectos y otros procedimientos más tardíos de composición permiten situar ciertas piezas aisladas en el segundo tercio del siglo. Una de ellas, el Gloria ad modum tubae, construido en un doble canon, el de las dos voces superiores y el ostinato de los dos instrumentos inferiores, recuerda a la caccia italiana del Trecento y prefigura las grandes formas barrocas, el grounc/, el pasacalle y la chacona.
Más que una transición entre dos estilos, la Missa Sancti Jacobi y su semejante (Sancti Anthonii Viennensis) testimonian por su conjunto vocal reducido y por sus vacilaciones ante el lugar del cantus firmus —al tenor o al superius— el agotamiento de una técnica arcaica y la premonición de otra, humanizada y equilibrada. Su voluntad de conceder a todas las voces igual importancia y un carácter más melódico, ya manifiesta en el Gloria y el Credo de Missa Sancti Anthonii, se afirma claramente en las misas Caput y La Mort de Saint Gothard: los pasajes alternados a dos o tres y cuatro voces se esfuerzan por variar el equilibrio sonoro y la interpretación del texto; el incipit está a partir de ahora elaborado con una especie de «memoria del futuro»; las cuatro a siete medidas iniciales del Kyrie están repetidas en las demás piezas; el tenor, bien recurre a preocupaciones matemáticas próximas al espíritu de la variación (Caput), o bien actúa en todas las partes por impregnación contra-puntística (Saint Gothard).
Aunque todavía mantenga la confrontación de los dos bloques (can-tus-contratenor y tenor-bassus), en la obra posterior de Dufay se advierten ya signos de modernidad: un cierto paralelismo entre los bloques, el uso bastante abundante de la imitación, el aspecto ya tonal de la armonía, afirmada por los movimientos cadenciales de cuarta y de quinta de la base.

Guillaume Dufay (h. 1400-Cambrai, 1474)
Entra, a partir de 1409. en la escuela de Cambrai (¿hasta 1418?); volvemos a encontrarle al servicio de los Malatesta en Italia. de la capilla pontifical en Roma y Florencia de 1428 a 1437. Entre tanto, y antes de su vuelta a Cambrai en 1445. frecuenta la corte de Saboya. Sus desplazamientos son siempre numerosos. Rodeado de honores, gozando de una buena renta, pasa en Cambrai los treinta últimos años de su vida.

fuentes: libros, internet, historía de la música.

Cherubini


Nota
CHERUBINI, Luigiimages
Nace en Florencia,  (14 de septiembre de 1760 – 15 de marzo de 1842). Era hijo de un músico que trabajaba en un tea­tro de Florencia, y recibió del entonces famoso Giuseppe Sarti clase de contra­punto, en el que se hizo maestro, como se desprende de su famoso libro Cours de Contrepoint. Después de permanecer en Londres se instaló en París. Cuando en el año 1795 fue fundado allí el Con­servatoire de Musique, recibió Cherubi­ni, ya que Napoleón no le podía sufrir, tan sólo el puesto de uno de los tres Inspecteurs d’ Études. Durante su estan­cia en Viena, donde interpretó sus ópe­ras Lodoiska (1805) y Faniska (1806), tuvo relaciones con Beethoven, el cual vio en él al más grande compositor de óperas que entonces existía. Bajo Luis XVIII fue miembro del Instituto, y en el año 1822 tuvo lugar su nombramiento de director del Conservatorio, de manera que formó a una serie de cornpositores franceses que más tarde habían de ser famosos.

Cheru­bini ha compuesto muchísimo: música de iglesia, obras instrumentales y, sobre todo, óperas. De éstas, la que mejor se ha conservado ha sido Les deux journées (<<El aguador», texto de Bouilly, libretista del «Fidelio») (1800). Sin embargo, lo que más se toca de él, son las oberturas de sus óperas «Medea» y «Anacreontc». La última fué silbada en su primera representación , como música alemana.

Arroyo de Anda

ARROYO DE ANDA (Apolonio)). Violinista y compositor mejicano, nacido en Guadalajara (Jalisco) en 1850.
Estudió música en la academia de Jesús González. Sus composiciones fueron muy aplaudidas en su tierra natal; entre otras, las danzas :  La trenza de oro, Lágrimas y Llorando; 01 vals Concha, la mazurca Alma enferma y la serenata El alcalde Ronquillo

Guillaume Dufay


(?, h. 1400-Cambrai, Francia, 1474) Compositor francés. Hasta 1426 estuvo al servicio de la familia de los Malatesta, en Rímini, donde entre 1419 y 1420 compuso sus primeras obras de datación segura. Entre 1428 y 1433 ocupó en Roma el cargo de chantre de la capilla pontificia, y gracias a un permiso especial pudo ejercer como maestro de capilla para el duque de Saboya.

Al cabo de esos dos años volvió a su puesto de chantre pontificio, esta vez en Florencia y Bolonia, ya que el Papa había tenido que abandonar Roma a causa de una sublevación. En 1436, el sumo pontífice le concedió la prebenda de canónigo de la catedral de Cambrai, que conservó hasta su muerte.

En la época en que Dufay empezó a escribir música, inmerso en el espíritu del Renacimiento, la composición musical atravesaba un período de regulación establecida, de la que fue partícipe. No fue hasta sus obras de madurez, sobre todo con algunas misas y motetes, cuando empezó a introducir elementos novedosos, como el canto a cuatro voces o la técnica conocida como «canto armonización», una forma de combinar las distintas voces melódicas inusual hasta entonces.

Diego Ortiz .Primer tratado de glosas.

Compositor y teórico español, maestro de capilla del virrey de Nápoles y luego del duque de Alba . Publicó en Roma la obra Primer tratado de glosas sobre cláusulas y otros géneros de puntos de la música de violones ( Roma, 1533) . Asimismo publicó composiciones de música sacra a varias voces  en particular el motete Pereat dies, bello ejemplo de la música española de la época y obras para laúd que se encuentra en las antologías . Nacio en Toledo en la primer mitad del siglo XVI.

fuentes: diccionario biográfico de la música

Jhon Dowland. Now O Now I Needs Must Part

Jhon Dowland: Famoso lutista y compositor inglés, que viajo por espacio de varios años por Alemania , Francia e Italia. Actuó en algunas cortes alemanas, en la danesa y, por último, en la inglesa . Sus obras se consideran de verdadera importancia en la literatura musical inglesa, y entre ellas podemos citar:  the (first, second y third) book of song or ayres; Lacrime, or seven teares figured in seven passionate Pavanes, para laúd y violas o violines ; salmos y numerosas composiciones para laúd dispersas en las antologías de la época. (1536-1626).
Fuentes: diccionario biográfico musical.