Bach y los pianofortes

Bach y los pianofortes

(Johann Friedrich Agricola en Musica Mechanica Organoedi de Adlung , 1768 )i
El pianoforte (piano a martillos) fué inventado por el italiano Bartolomeo
Cristofori (ver historía del piano), alrededor del año 1710. Entre los
que perfeccionaron el instrumento se cuenta el célebre constructor de
órganos y clavicordios Gottfried Silbermann (1683-1753) que fué amigo de
Bach. Hacia 1770 , el hijo menor de Bach , Johann Christian , fué el primero quien tocó en público en un pianoforte. Más de medio siglo pues
tardó el instrumento en desalojar el clave de la práctica y del favor de los músicos y del público.
El Sr. Gottfried Silbermann había construido al principio dos de estos instrumentos (pianofortes). Uno de ellos fué visto y tocado por el difunto director de orquesta Sr. Johann Sebastian Bach, quien había alabado, y en verdad admirado , su sonoridad, pero lamentando de que fuese demasiado débil en el registro agudo y demasiado duro para tocar.

Este juicio había sido tomado muy a mal por el Sr. Silbermann , que no podía soportar que se
encontrase la menor falla en sus instrumentos . Estuvo enojado con Bach por largo tiempo, aunque su conciencia le decía que éste no estaba  equivocado . Por lo tanto decidió, cosa que mucho le honra, no entregar
ninguno más de aquellos instrumentos , pero sin pensar con ahinco en el
modo de eliminar aquella fallas que el Sr. Bach había observado. Trabajó
en ellos varios años, y que ésta era la verdadera causa de esa postergación no me cupo duda que lo oí confesado francamente con el Sr. Silbermann.

Por fín , cuando el Sr. Silbermann hubo realmente
acabado varías mejoras , especialmente en lo que al mecanismo se refiere, vendió de nuevo un instrumento a la corte del principe de
Rudolstadt . Poco después Su Majestad el Rey de Prusia encargó otro de estos instrumentos y cuando éste obtuvo su muy amable aprobación, Su Majestad encargó varios más al Sr. Silbermann. El Sr. Silbermann tuvo la loable ambición de mostrar uno de estos instrumentos de su última manufacture al difunto director de orquesta Bach para que los examinara y recibió , a su vez de él, una completa aprobación.

Estos hechos se refieren a la época que vivía todavía Bach.

El escrito o la noticia se hace después del fallecimiento de Bach

Piano forte de Silbermann
fotos.miarroba.com

Fuentes: libro sobre Bach.

Posición del cuerpo en el piano.

Soy autodidacta , no profesor. Estoy aprendiendo por mi cuanta el piano. Estudie cuando era joven y ahora que me he retirado comienzo de nuevo. Llevo varios años pococa poco desde internet , con libros y algún amigo que te explica cosas de música. Haré estudio sencillos y más complicados a la vez. Ejercicios diarios: escalas, motivos, dificultades . Sobre todo aprenderemos las tonalidades , sus escalas y acordes que llevan esas tonalidades, arpegios de los acordes. Total doce tonalidades mayores y doce menores con sus correspondientes acordes y escalas. Las escalas y acordes son la base para poder hacer bien los ejercicios, las melodías, así sabremos lo que estamos haciendo.

Este es el primer ejercicio del curso para principiantes . Como me pongo en el piano para tocar. Es muy importante colocarse cómodo junto al piano para evitar dolores musculares. Estar relajado. Estudiar despacio. Estudia con manos separadas.

Normas

  1. La muñeca debe formar una línea recta imaginaria con el teclado, es decir, no debe colocarse ni más arriba de las teclas ni mas abajo.
  2. La mano debe formar una especie de “C”, creando un hueco en la palma de la mano.
  3. Los nudillos altos, y los dedos tocando con la yema las teclas. Sin exagerar las posiciones.
  4. Las manos tienen que estar muy relajadas. Cuando presionas una tecla subir y bajar los dedos y relajar la mano.
  5. No hay movimientos al principio de vrazos ni manos sino de dedos: subir y bajar.
  6. Cuerpo erquido
  7. Hombros relajados.
  8. Pies bien apoyados en el suelo
  9. Brazo y antebrazo angulo recto: regular banqueta.

Notas flauta: arre borriquito

Trasportado a do mayor. Para facilitar las notas lo he trasportado a do mayor.

 

Flauta-Alto-Hohner_Harmonica_9574_concert_recorderMi fa sol sol mi fa sol sol sol la si la sol fa mi fa sol mi fa sol sol mi fa sol sol sol la si sol la si do´ do´ do´ si si la si la la sol la sol sol fa sol fa fa mi do´ si si la si la la sol la sol sol fa sol fa mi re do fa fa fa la fa fa fa sol la sib do´ do´ re´ do´sib la sol fa mi re do do´ la la fa fa fa la fa fa fa sol la sib do´ re´do´sib la sol fa mi re do do´fa

 

 

Miles Davis

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Miles Davis, creció en un acomodado barrio blanco del East St. Louis, ciudad a la que se habían trasladado sus padres desde Alton en Illinois donde nació en 1926. Sus primeros admiradores también fueron músicos blancos, fundamentalmente, Harry James y Bobby Hackett. Seriamente interesado en la música, tomó clases de Elwood Buchanan, trompetista ocasional de la orquesta de Andy Kirk, cuando aun no había cumplido los trece años. De este músico recibió su primer consejo que llevó a rajatabla durante toda su vida “..toca sin vibrato, ya temblaras cuando seas viejo”. Ese fue el embrión de ese estilo liso y lírico, aparentemente frio pero emocionante hasta casi llorar.

Con 16 años cumplidos, tuvo la oportunidad de salir de gira con la orquesta de Tiny Bradshaw pero la negativa del padre se lo impidió. En 1944 escuchó por primera vez a Charlie Parker y Dizzy Gillespie en la orquesta del cantante, Billy Eckstine. Hizo amistad con él y “Bird” le aconsejó que se trasladase a New York. Una vez en la ciudad, Miles fue testigo directo de la cruenta batalla estilística entre lo viejo del jazz – el swing- y lo nuevo- el bebop-. Después de varias actuaciones a uno y otro lado de la Calle 52 con los creadores del nuevo sonido, estuvo capacitado para dar un paso crucial en su carrera.

En 1949, Miles germinó su primera obra capital en la historia del jazz. Junto al compositor Gil Evans y músicos de la talla de Gerry Mulligan y Lee Konitz entre otros, grabó “Birth Of The Cool”, una obra que dio paso al celebre “Noneto Capitol” una empresa democrática que repartía responsabilidades entre solista, compositor y arreglista. En aquélla época sufrió su primera detención por consumo de droga y en 1951 fichó por el sello “Prestige” para el que grabó años después cuatro formidables álbumes que figuran entre lo mejor de su discografía. Atrás quedaban la tormentosa sesión de grabación con Thelonius Monk y su participación en el famoso quinteto de John Coltrane.

Precisamente la colaboración de Miles con Coltrane convenció a los jefes de la Columbia para que Miles firmara con ellos. En la arcas de Columbia, están algunas de las mejores grabaciones de Miles, entre ellas el obligatorio, “Kind Of Blue” grabado en 1959, las grabaciones en directo en el “Plugged Níkel” de 1965, el mil veces referenciado como el primer disco del jazz-rock de la historia titulado: “Bitches Brew” o el disco que inauguró la etapa eléctrica de Miles titulado “In a Silent Way” de 1969. En aquella época, a su alrededor se precipitaban los acontecimientos y en los años sesenta la psicodelia, y el rock llamaban con fuerza a la juventud de entonces y Miles no quiso apearse del autobús. Sus discos empezaron tomar un sesgo cada vez ruidoso y en sus banda predominaban cada vez mas los bajos eléctricos y guitarras amplificadas y si bien eso le ayudó a aumentar su popularidad entre las nuevas generaciones, su creatividad disminuía notablemente.

Poco después de un concierto celebrado en Madrid en 1990 se le manifestaron los primeros síntomas de una enfermedad que le llevó a la muerte. Falleció en Santa Mónica el 28 de septiembre de 1991. Nadie como Miles Davis, ha hecho corresponder las edad artísticas de su desarrollo estilístico con las distintas etapas del jazz. Su juventud estuvo ceñida al bebop, el tórrido sonido del hardbop, luego aliviado por la brisa del cool se apoderaron de el durante su adolescencia y las tentación otoñal del jazz eléctrico recrudecida en su ultima fase le ocupó hasta que le sobrevino la muerte. Miles se llevó el secreto de su música y de su vitalidad.

 

Historia del piano

EL PIANO
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Se puede afirmar que los origenes del piano se piede en la noche de los tiempos. Es tradición en varios tratados hsitóricos, de precisar tales origenes en el monocordio inventado por Pitágoras, instrumento que usaba para la determinación experimental de la leyes de las cuerdas vibrantes, consistente en una cuerda de metal o de tripa tendida sobre una caja de resonancia. Y aunque pueda parecer verosimil, que de tal instrumento (con el consiguiente aumento prograsivo del numero de cuerdas) haya tenido origen, no solo el piano , sino tambien todos los de cuerda que aparecieron en la Edad Media, hoy en día parece mucho más cercana a la verdad hitórica que su origen remonte a otro instrumento, ya conocido en los primeros tiempos griegos bajo el nombre de sambyke, el cual no era más que la antiquisima sabekka o sambuka babilonense, conocida tambien por los Asirios. En Alemania lo encontramos en los tiempos de las cruzadas, con el nombre de : sambjut, y más tarde :psalter (salterio).
En Italia este mismo instrumento era conocido ya, varios siglos antes, siendo muy probable que los italianos lo hayan heredado de las costumbres griegas. El salterio comprndía un número bastante de cuerdas; en efcto , según el gramático Pólux de Naucrates (fin del siglo II d. C.) la sambike poseía treinta y cinco cuerdas tocándose ya directamente con el dedo o bien con el auxilio de un plectro. Pretorio en su Organographia lo denomina instrumento de puerco, porque su forma recuerda una tanto, a la de una cabeza porcina. Y Atanasio Kircher escribia en su Musurgia, que el salterio tocado por una mano experta no le iba en zaga a ningun otro instrumento, tanto por la pureza argentina del sonido, como por la perfección de la entonación. Ningún ejemplar de este instrumento nos ha llegado , pero es posible tener una clara idea del mismo, gracias a las numerosas pinturas y esculturas antiguas. Entre aquellas preciosas imágenes hemos de recordar la que se encuentra en el Triunfo de la muerte de Orcagna, en el cementerio de Pisa en la que el salterio esta representado con las cuerdas divididas en grupo de tres, afinado evidentemente cada grupo al unisono, para obtener mayor intensidad de sonido, precisamente como el piano moderno.
Antiguamente, pianoforte o clavicémbalo. Instrumento de cuerdas percutidas,con teclado,provisto de dispositivos mecánicos que permiten obtener los diferentes matices, de donde procede el nombre de pianoforte, que al principio no fue más que un calificativo del clavicémbalo de martillos.Fué inventado casi simultaneamente a principios del siglo XVIII por Bartolomeo Cristofori, en Florencia ; por Marius, en París, y por Gottlob Schróter, en Sajonia. Se coincide en considerar a Cristofori como el primer fabricante de instrumentos que sustituyó los martinetes de clavicordio por martillos, pero golpeando las cuerdas por encima y que invento el apagadosr. Dió a conocer su invento en 1711 bajo el nombre de gravicembalo col piano e forte. Marius que en 1716 lo presentó lo llamó clavecins à maillets. Shroeter en 1721 , presentó al Elector de Sajoniaun sistema particular de martillos que él aplicó a partir de 1717; el ensayo de Schroeter fue continuado y perfeccionado por Gottfried Silbermann fabricante de órganos en Freyberg (Sajonia) , quien, a partir de 1720 , fabricó los primeros Hammerclavier ,pero no merecieron la aprobación de Juan Sebastian Bach; él fué el primer y principal propagador de este antepasado del piano moderno en Alemania, en donde los pianos de mesa aparecieron en 1758. Zumpe , uno de los obreros de Silbermann, llevó a Inglaterra en 1760 los procedimeintos de su maestro. Por primera vez se oyó el pianoforte en Londres en 1767

Hacia 1770. el hijo menor de Bach ,Johann Christian, fué el primero que tocó en público en un pianoforte. Más de medio siglo pues tardó el instrumento en desalojar el clave de la práctica y del favor de los músicos y del público.

En 1768 Harry Walsh dió un concierto en Bublin (Iralanda) para presentar el tan admirado instrumento llamado el forte piano, y el fabricante de órganos y clavichémbalos F. Weber , amigo de Häendel, estableció en 1770 la primera manufactura de pianos. El nuevo instrumento se hizo de uso general en Inglaterra , en donde empezó a sustituir al clavicémbalo en la orquesta . Aún existe en la actualidad un piano de Weber, que lleva fecha de 1774. En 1765, en Londres se hizo probar al joven Mozart un piano de dos teclados , del fabricante de intrumentos musicales Tschudi, imtento que no tuvo el menor exito. El piano penetró en Francia hacia 1760, desde Londres, donde su fabricación era muy activa . M. de Brinqueville ha citado una mención de venta de un piano en París , ya en 1759. En 1769-70, Virvés hijo, de nueve años de edad tocó en París en el Concert Spirituel , con un nuevo instrumentos de martillos, especie de clavicénbalo, de forma semejante a los de Inglaterra , y que fué hecho en Alemania siguiendo los principios de señor Virvés; éste era organista en Saint Germain l`Auxerrois ; se ocupaba activamente en la fabricación de instrumentos de música, y estuvo trabajando en tal instrumento desde 1766. En 1772, el célebre organista Balbastre presentó él mismo a los oyentes del Concert Spirituel un nuevo fortepiano aumentado con un mecanismo de flauta.
Los anuncios de los periodicos franceses ofrecen a munudo pianos, a partir de 1772 aproximadamente. En 1776, ya había dejado de ser un objeto raro.La supremacia en la fabricación fué conquistada bien pronto en Francia por el alsaciano Sébastien Érard, establecido en París en 1775, y que, junto con su hermano, empezó construyendo sus pianos con dos cuerdas y cinco octavas.Construyó su primer piano en 1777, y en pocos años sus instrumentos superaron a todos los de Francia, Inglaterra y Alemania. Hacia 1786 estaba definitivamente asegurado el uso del pianoforte y Érard dió más impulso a sus inventos; construyó pianosde mesa de tres cuerdas. modificó el calíbre de éstas, agregó un doble pivote al mecanismo de los martillos, produjo en 1790 ,pianos de mesa de gran tamaño, y en 1796, pianos de cola de tres cuerdas y cinco octavas. Pascal Taskin tabién fafricó algunos pianos hacia 1786-1790.

PIANO
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En dicha época, en el mecanismo no figuraba ningún sistema de escape, aunque el principio de éste se cococia desde hacia mucho tiempo. Los martillos estaban guarnecidos de cuero; el fabricante Pape, de origen alemán, pero establecido en París, fue quien revistió por primera vez los martillos de fieltro, hacia la misma época. En un piano de Taskin conservado en el museo de Belin, cada sonido lo da una sola cuerda doblada en una de sus extremidades, en lugar de darlo dos cuerdas vecinas y separadas; esta cuerda única está retenida en su doblez por un gancho con rosca, que regula sus tensión. Fue este un invento de Taskin que fue reproducido después , pero que no se extendió mucho. En 1789, Southwell, de Dublin, que habia sucedido a Weber, inventó en piano vertical, y lo amplió a seis octavas, de fa a fa,, extendiendo su parte aguda; presentó su instrumento en Londres en 1793, y pronto se atrajo las felicitaciones de HAYDN;
400x348px - 19.9 KbytesPiano de la fábrica de Broadwood en el que compuso Beethoven sus últimas sonatas. Backer y Broadwood, importantes fabricantes londinenses de instrumentos de música, rivalizaron con sus colegas de Irlanda; este último que perfeccionó el sistema de mecanismo seguido por Cristofori y SILBERMANN ( origen del mecanismo llamado inglés), presentó a su vez un piano de seis octavas, pero de do a do. A partir de 1795 o 1976, el ilustre pianista CLEMENTI emprendió la tarea de perfeccionar el instrumento, y por espacio de seis años se dedicó exclusivamente a la construcción de pianos; existen todavia pianos de su marca, cuya firma continuó por espacio de mucho tiempo su explotación, y se alaba la elegancia discreta de su forma y la admirable nitidez de sus sonidos, por los que algunas muestras supervivientes aún son todavía un motivo de orgullo. En la misma época , el excelente maestro de capilla de la catedral de Estrasburgo Ignacio Pleyel, cuyo cargo fue suprimido por la revolución, marchó a París , atraido quizá por S, Érard (1795)y, después de fundar un almacén de música, a partir de 1805-1807, púsose a fabricante de pianos. I. Pleyel introduce en la construcción de este instrumento perfeccionamientos en parte personales y en parte tomados del inglés Broadwood. En 1810 anunció su piano con tamboril, en el que un pedal golpea una membrana provista o no de cascabeles; entonces se aseguraba que no es posible imaginar el atractivo que esta adicción da al piano.
Imagen Pero fue Érard , en 1822, quien alcanzó el punto de perfeccionamiento de la fabricación mediante el invento de su mecanismo de doble escape, que estuvo buscando por espacio de cuarenta años. A partir de aquel momento rivalizaron las manufacturas de Pleyel y de Érard, y las casas de eston nombres figuran aún , en la actualidad, entre las primeras marcas del mundo.
277x400px - 18.5 Kbytes Imagen romántica de Beethoven componiendo su sonata Claro de Luna.
En la fabricación de un piano moderno entran diferentes clases de madera: roble, haya, abeto y nogal de América para la armazón en que estan tendidas las cuerdas; peral, cormal, carpino y arce , para el mecanism; tilo. para el teclado; maderas exóticas para el chapeado del mueble; acero fundido para el marco de una sola piezaque constituye el esqueleto del piano, hierro forjado o acero para los bordes, alambre de acero envuelto en un alambre de cobre enrescado para los bordones,etc; además ébano y marfil para las teclas , y piel de búfalo y paño para el mecanismo. La tensión de todas las cuerdas reunidas de un piano puede alcanzar una fuerza de 24 toneladas. La exactitud del sonido ya la calidad de su timbre dependen de la tensión de la cuerda y del punto en donde la golpea el martillo .
La calidad de la pulsación se manifiesta gracias a la sensibilidad que da el mecanismo el sistema de doble escape . Después de 1870, unos obreros alemanes empleados en las manufacturas francesas trasportaron a Alemania y a América los secretos de Érard y Pleyel, y hasta época no empieza la nombradía de la fabricación alemana y norteamericana de pianos.
El piano, derivado del clavicordio, influyó a su vez a éste: hacia 1720 se construyeron clavicordios independientes, con una cuerda por cada tecla; enseguida se les aplicó el sistema de los apagadores. Pero ello no logró salvar al viejo instrumento Por otra parte, se dice que el piano tomó de la espineta el pedal de sordina, innovación que se atribuye al fabricante Pietro Prosperi, de Siena, hacia 1700. Pero no parece que fuese de empleo corriente. Sin duda este pedal fue la caracteristica de los clavecines celestes de Southwell, en 1779, y se le vuelve a encontrar con el mismo nombre de los pianos, hacia 1830.
El pedal senza sordini, que levanta los apagadores, no aparece en las partituras de obras para piano hasta la op. 40 de Clementi (1705) , en el final, en pp, y aún no lo usó mucho hasta 1804, en la primera edición de sus Obras completas. Aparece después en op. 10 núm. 1 de Beethoven (1787), en el pp del fin del adagio, y luego en la op. 26 (1801) a partir de la variación v, pero el compositor no lo emplea corrientemente más que en su op. 31, núm. 2 (1802). El pedal unicordio, con apagador o sin él, desplaza el mecanismo de los martillos, de tal manera que éstos solo golpean una cuerda a la vez. Ya casi no se fabrica, y ha sido suplido por la sordina. Por último, el pedal de tamboril sólo tuvo una existencia efímera. Los pianos generalmente no tienen más que dos pedales: el pedal sordini a la derecha, y el de sordina o celeste ( o alguna vez, en su lugar, el pedal unicordio) a la izquierda.
Como se hizo con cierto número de clavicémbalos antiguos, se fabricaron para el piano teclados de pedales o pedaleros, Schumann, en Alemania (en 1845, y Boëly, en Francia, en el transcurso de toda su carrera escribieron tan solo unas piezas para pianocon teclado de pedales (última edición de Boëly ,op. 18, 1855). No es necesario hacer resaltar el creciente favor del pianoforte a partir de la época de su perfeccionamiento, desde 1770 aproximadamente. Mientras Voltaire comparaba desdeñosamente su sonido con el de un caldero (1774), y hacia resaltar, en cambio, la exquisita sonoridad de los clavicembalos, los virtuosos se habituaron poco a poco al nuevo instrumento. Las promeras sonatas de Haydn, de Mozart y de Clementi aún estan compuestas para clavicémbalo; a partir de 1777 se ve que ordinariamente llevan la indicación : para clavicémbalo o pianoforte; poco a poco pasa a último término el primero. Beethoven escribe únicamente para piano ( su primera sonata es de 1795). En 1822, Cherubini, director del Conservatorio de París, ya se manifestaba alarmado por el excesivo número de alumnos de piano ( 41 mujeres y 32 hombres ) que estaban presentes en el momento de su llegada; encuentra que esta abundancia es abusiva y perniciosa y se propone reducir a 15 o 20 para unos y otros el número de admisiones. Una disposición publicada unos días después de la fecha de su carta fijaba dicho número en 15 alumnos y 3 oyentes para cada sexo ( 31 mayo 1822).
La música de piano se escribe sobre dos pentagramas
, por lo común uno para cada mano, y que se reparten a la vez la extensión del teclado y el cometido de cada mano. Suele escribirse con clave de sol en segunda linea la parte destinada a la mano derecha, y con clave de fa en cuarta linea, la parte correspondiente a la mano izquierda. Boëly, en la primera edición de sus Caprices (1812) , usaba todavía la clave de do en cuarta linea para ciertos pasajes de la mano izquierda, que en agudo iban más allá de la extensión de la clave de fa. Pero como iba perdiéndose entre los pianistas el uso de la clave de do, en la segunda edición de la misma obra hubo que sustituirla por las demás claves que se habian hecho corrientes. Para reemplazar la clave de do, y en especial para hacer más clara la disposición armónica de las partes y la de una melodía central esencial, algunos pianistas románticos empezaron hacia 1830 a escribir en ciertos casos algunos compases en tres pentagramas: Liszt, Schumann, Henselt. En nuestros días la escritura de música de piano en tres pentagramas es cada vez más frecuente, tanto para distinguir el movimiento de las partes y hacer resaltar un tema, como para evitar las lineas adicionales en la clave de fa, y facilitar la lectura de los pasajes que exigen un cruce de manos. Ejemplos de disposición de tres pentagramas vense en Las Goyescas (1912), números 2 y 4; sonata d´Indy, op. 63 (1907). En la música moderna no suelen usarse tres pentagramas, ni en el jazz, solo se usan los dos pentagramas.

En cuatro pentagramas , Preludio , de Rachmaninov.

Piano de boca : término criollo con el que se designa una armónica con lengüeta de metal.

Piano mecánico : inventado y contruido en París por Debain, hacia 1850. Su sistema consistía en añadir a un piano vertical una segunda serie de martillos puestos en movimiento por un sistema de palancas. Se construyeron otros pianos sobre principios análogos. El modelo llamado simplemente piano de manubrio se extendió mucho en Italia e Inglaterra. Desde fines del siglo XIX se produjeron gran número de sistemas diferentes, que se disputaron la clientela de aficionados no músicos , de cafés; la pianola, patentada en 1898 funciona con mecanismo de aire comprimido. Consiste en un aparato adaptado al teclado de un piano ordinario y movido por un sistema de pedales, que acciona el desarrollo o despliegue de papeles perforados que contienen la notación de la obra que ha de ejecutarse. Cada agujero determina el movimiento de una semitecla que golpea la tecla deseada del piano y substituye los dedos del ejecutante. Dos dispositivos combinados regulan el grado de velocidad de este martilleo. Los fabricantes han imaginado varios perfeccionamientos para obtener matices de movimiento e intensidad. El sistema llamado metrostilo consiste en un trazado sinuoso que en toda su longitud lleva el rollo de papel perforado, y que sirve de guía a una aguja moderadora.

GRANDES PIANISTAS DE LA HISTORIA

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Una de la razones que explica la enorme importancia que tiene el piano en la historia de la música, reside sin duda, en el hecho, que , desde Clementi, todos los grandes compositores fueron al mismo tiempo insignes técnicos del teclado, a excepción de Berlioz y de Wagner. Ya antes del advenimiento del piano,, los más grandes músicos, habian sido a la vez virtuosos , ya del órgano, o del clave
, y en menor escala del violín. De este hecho se deduce evidentemente, el porque de la función que tuvo el piano como instrumento inspirador de obras maestras, como tambien explica la considerable influencia que tuvo en la evolución de la música en general y particularmente en la armónica y aún en la orquestación. Por otra parte, se puede observar, que no es sólo suficiente un buen conocimiento teórico de la técnica pianística, para escribir música, con la consiguiente pretensión de valorizar plenamente los infinitos recursos del instrumento, ( como puede acontecer con el violín o el violoncelo, instrumentos para los cuales grandes maestros han escrito conciertos sin saber tocar ni uno ni otro), pero si, es indispensable que el compositor sea al mismo tiempo un pianista virtuposo.Condición esencia plenamente confirmada por la historia.

Uno de los primeros músicos ,aunque no se encuentre entre los pianistas propiamente hablando, fué sin embargo , el que echó las primeras bases de la técnica moderna del piano: este es Karl Philipp Emanuel Bach, hijo de Johann Sebastián, (1714-1788). En su famoso Versuch über die wahre Art das Klavier zu spielen (Berín, 1759 y 1762) , él , encaminado por la enseñanza paterna establece ciertos principios esenciales de la ejecución pianística, mediante los cuales, la digitación encuentra por primera vez una estabilidad racional y definitiva, especialmente en lo que se refiere al uso del pulgar, del cual, Bach “junior” reconoció finalmente su gran importancia, fijando los puntos de apoyo en las diferentes escalas, Y se anticipan tambien a auqellos tiempos los múltiples consejos y observaciones del autor, a fin de conseguir un estilo cantábile, preocupación evidente en ese hermoso libro, cuya lectura aún hoy día puede reportar sumo provecho.

 

VISITAR: PIANO

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Piano de Cristofori

El primer nombre de auténtico pianista que encontramos en la historia, es el del romano Muzio clementi (1752-1832), llamado con todo derecho “padre del piano”. De su admirable arte de ejecutante dan fe las crónicas de su tiempo. Su escritura pianística nos pone ya en presencia del nuevo estilo instrumental, posible ahora por la invención de Bartolomeo Cristofori: sonoridad vigorosa y compacta en cada nota, contraste constante entre ligado i picado, limitación considerable de los antiguos adornos y, finalmente, gran variedad de colores. Son éstos los elementos que constituyen el nuevo arte, y que fueron realizados plenamente por Clementi, espiritu fundamentalmente clásico, educado en las más severas disciplinas de la polifonía, y en fin, creador genial de magnificas Sonatas para piano, como tambien de varias magistrales Sinfonías, algunas de las cuales recientemente dadas a luz por Alfedro Casella. Otro gran título de gloria del autor del Gradus, reside en la gran influencia que su arte pianístico ejerció sobre Beethoven, influencia confesada por éste mismo.
Es conocida la rivalidad entre Mozart y Clementi , ambos tocaban diferente, Mozart nació cuatro años después que Clementi. Tocaba Mozart el clave pero no ignoraba el piano, lo tocaba en los conciertos, pero ejercia el piano poca influencia en él.Clementi fue muy entusiasta del piano desde muy joven, convirtiendose en su más convencido y combativo defensor, publicando ya en 1770 sus tres Sonatas para piano op. 2, pudiéndose considerar desde muchos años, como un pianista. Es probable también que el tipo de piano utilizado por ellos haya influido en su diferente estilo: en efecto Mozart usaba pianos vieneses, muy fáciles y brillante, mientras que Clementi tocaba en pianos ingleses, de sonoridad mucho más potente, más llena, ofreciendo por consiguiente los medios de un pianismo más sinfónico. Por estas razones, hoy se puede precisar aquella famosa rivalidad entre Mozart y Clementi como el contraste entre dos opuestas tendencias: la que encontraba una completa suficiencia fónica para su lirismo, en un piano que aún no se separaba netamente del clave, y la otra, caracterizada por un espíritu inquieto, ávido de porvenir que buscaba febrilmente de aprovechar en su mayor grado los infinitos recursos del nuevo instrumento.
Al lado de Muzio Clementi, otro nombre italiano, más o menos contemporáneo , merece ser citado : es el de Francesco Pollini (1763-1846), insigne pianista y compositor de mérito, que fué el primero que introdujo la escritura pianistica en tres pentagramas, precediendo por lo tanto a Listz y a Thalberg, quienes fueron considerados, y aún lo son, como autores de esa importante innovación.

(El nombre de Jan Ladislav Dussek (1760-1812) , pianista compositor que gozó en sus tiempos de difundida fama, hoy ya no perdura más que por su Método (publicado en 1796), el cual ofrece aún alguna utilidad). Entre los contemporáneos de Clementi, que desarrollaron las conquistas del Maestro , encontramos cinco nombres, que forman un grupo que podríamos denominar técnico, por la acción desarrollada en el sentido de una rápiada perfección del mecanismo pianístico. Estos son : Johann Baptist Cramer (1771-1858), Johann Nepomuk Hummel /1778-1837), John Field (1782-1837), Friedrich Wilhem Michael Kalkbrenner (1784-1849) e Ignaz Moscheles (1794-1870). Estos cinco maestros, todos pianistas compositores, han dejado una huella de indudable importancia en la historia pianística, constituyendo la unión , por asi decirlo para definir sintéticamente su acción , entre el pianismo de Clementi y el de Chopin.. Aunque tales maestros hayan sido muy mediocres compositores, no es menos cierto de loa que ha perdurado de su producción, basta para ilustrar fehacientemente la utilidad de sus actividades pianísticas. Hummel es sin duda quien de los cinco tuvo mayor influencia sobre Chopin, como se puede comprobar en dos conciertos juveniles del gran polaco. Cramer había permanecido más cerca de Clementi, Field, discípulo de Clementi, ejerció tambien una cierta influencia sobre Chopin, no solamente inventando antes que éste, la forma del Nocturno, sino sobre todo por el estilo pianístico, de suprema elegancia y de exquisita gracia. Kalkbrenner, autor de innumerables piezas pianísticas, como la mélancolie et la gaîté, La solitude, Le brigantin ou le voyage sur mer…
fué gran técnico, contribuyendo francamente en la actividad del grupo. Moscheles, aún hoy, deja al estudioso sumo provecho, y el primer Chopin lleva rastros evidentes de su influencia, aunque no tan visible como la de Hummel.
Al lado de este grupo de cinco nombres bien conocidos por todos los estudiosos , hemos de recordar el del insigne Karl Czerny (1791-1857), el genial pedagogo , que supo coordinar todas las actividades y todas aquellas adquisiciones, orientando en forma definitiva el virtuosismo del piano. Franz Liszt fué su discípulo . Czerny , hombre de excepcional cultura general, fué sis duda el más grande enseñante que recuerda la historia de nuestro instrumento. Su imaginación didáctica era incalculable. Creó el principio de que no es suficiente un único método, pero si tantos métodos cuantos sean los alumnos. Entre sus méritos mayores, deben recordarse la primera edición del clave de Bach, utilizada aún hoy, edición que no fué mejorada por tantos largos años; la primera edición (Viena 1839), de un volumen de Sonatas de Scarlatti ( esta publicación se debe en parte al entusiasmo que Liszt profesaba al gran Domenico), y en fin, la estupenda síntesis general que constituye un esfuerzo cultural vedaderamente excepcional que cierra su gran escuela del piano, y que , bajo el título de Kunst des Vortrags (arte de la interpretación) enseña cómo se ha de ejecutar cada uno de los compositores : Mozart, Haydn, Clementi, Cramer, Beethoven, Ries, Hummel, Moscholes, Meyebeer, alcanzando finalmente hasta Thalberg, Chopin y Liszt.

Es un tanto dificil imaginarse cómo se desenvolvía la vida concertística a principios del siglo pasado. El número de conciertos era tal, que los artistas con cierta frecuencia, daban hasta dos por noche. Las salas estaban llenas hasta el tope de un público radiante de felicidad y con una sobreabundante dosis de buen humor, que aplaudía más o menos en la misma forma atronadora cualquier número que se le presentara, Los programas eran inverosímiles, y reinaba en ellos la más amable confusión de todos los géneros musicales. Kalkbrenner ejecutaba, por ejemplo, piezas como Le reveil du lion o souvenir de mon premienr voyage, y después una oruqesta interpretaba una Sinfonia de Beethoven. Otra noche, la Malibrán (célebre soprano (1808-1836) , se sentaba al piano acompañándose ella misma un rataplán, y después cantaba canciones andaluzas con acompañamiento de guitarra, ejecutada tambien por ella. A la Malibrán le seguía una duquesa inglesa , que el programa presentaba como la titular de la más fea voz nasal del mundo, cantando Home sweet home. Thalberg tocaba valses vieneses, con obligatem Schnippchen (golpecitos dados sobre la tapa del instrumento). Moscheles solía despertar un verdadero delirio en el público , tocando con la mano al reves y el puño cerrado.

Además constituían la base de los programas, ciertas fantasía sobre motivos de óperas, o bien variaciones de cantos populares italianos, españoles, escoceses, irlandeses, polacos… Al principio , el piano era muy pocas veces tocado solo, y era siempre acompañado por la orquesta. Sin embargo, su uso como instrumento solista se desarrolló rápidamente. Los pianistas eran casi todos compositores y, como tale, tocaban casi siempre en forma exclusiva su propia música, que consistía ante todo en trozos fúnebres de circunstancias , tales como Le tombeau de Bethoven o de Schubert; luego se sucedían los recuerdos de viajeen los que pasaban todas las ciudades ríos y montañas de Europa, con títulos como los siguientes : Les charmes de París, o Le retour á Londres; los incendios que constituían tambien una fuente de inspiración en aquellos tiempos, si nos atenemos a la copiosa cantidad de títulos como : L´incendio di Mariazell o Le ruine dell´incendio di Vienna-Neustadt, o L´incendio al villaggio vicino.Los mismos compositores eran eximios improvisadores, y como tales tenían que compilar un programa de acuerdo a lo que el público se le ocurriera pedir. Mas, con el correr del tiempo fué penetrando en el teatro una mayor seriedad artística; en efcto, las Cortes cesaron ya de cenar ostensible y ruidosamente durante los actos; las cantantes abandonaban sus arabescos y carcajadas y, por fin, se dejo de silbar al tenor que no hubiera dado la mano a la dama durante un dúo. Y así, tambien el concierto dejó de ser un pasatiempo mundano, tendiendo cada vez más a elevarse hacia una mayor austeridad y una intensa religiosidad.
Alfredo Casella (el piano).

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Beetthoven ocupa en la historia del piano, la misma altura a la que llegó con su sinfonismo. Muchos de sus contemporáneos nos dan fé de sus notables cualidades pianísticas : Beethoven , dice Ries, ejecutaba como una fuerza de la naturaleza . No se admira en él ninguna ostentación de bravura técnica, ningun virtuosismo vanidoso que tuviera por fin a si mismo, al contrario, todos quedábamos asidos por esa manera de tocar tan expresiva y grandiosa. Era en realidad un estilo netamente personal, mediante el cual la música parecia a veces, encauzar y combatir , o bien impedir y murmurar ( Oscar Bie, Das Klavier und seine Meister). El ritmo era el alma de su ejecución, y sobre éste, basaba cualquier tecnicismo pianístico. En la Biblioteca del Estado de Berlin se encuentra un ejemplar de los Estudios de Cramer, en el cual Schindler anotó una serie de observaciones de Beethoven ( que mucho estimaba tales estudios). Se trata de comentarios musicales y técnicos como sólo podría formular un gran creador, quien sabía entresacar de esas composiciones, el verdadero valosr expresivo, ahi mismo donde otros no veían otra cosa que un significado didáctico. Subordinaba a la expresión cualquier problema mecánico, considerando siempre la técnica como un simple medio de poder alcanzar aquélla . Beethoven supo de inmediato infundir al piano un nuevo potente impulso y el instrumento conocío a través de sus creaciones, una evolución técnica que no ofrece un ejemplo similar la historia del mismo. Es suficiente para comprobarlo, confrontar las tres primeras Sonatas op 2 (1794(, con la ciclópea sonata op. 106 (1818), para cercionarnos de la inmensa y prodigiosa evolución experimentada. Beethoven entra dentro de los grandes maestros que alcanzaron fama como virtuosos de su instrumento.

El primero de lor románticos , Karl Maria von Weber (1786- 1826), fundador de la ópera nacional alemana , fué también un concertista de piano de gra valer que abandonó prematuramente la profesión de virtuoso, no por haber dejado de alcanzar grandes éxitos , sino porque su doble carrera teatral, de compositor y de director, no le dejaba tiempo disponible para otra actividad. De todos modos , sus obras pianísticas no pueden dar una clara idea de su manera de tocar: nerviosa, brilante, caprochosa, embellecida con una sensibilidad expresiva como pocos pianistas han alcanzado.

Al lado de Weber , encontramos los nombre de Felix Mendelssohn-Bartoldy (1809-1847) y de Robert Schumann (1810-1856)- En la carrera poliédrica y meteórita de Mendelssohn, la actividad del pianista ocupa una gran parte. De Schumann, sabemos que habia iniciado una brillante actividad de concertista, truncada más tarde por un desafortunado percance, que se ocasionó en un dedo. Pero tuvo como compañera de arte y de vida , a la más grande pianista del siglo pasado: Clara Wieck (1819-1896), quien después de la muerte de su esposo , dedicó integramente su incansable energía y su admirable talento de ejecutante en la difusión de aquella obra de arte.

Poco antes de Wieck, otra mujer había obtenido grandes éxitos, dejando un nombre de sólida fama: Marie-Félicite-Denise Mooke (1811-1875), esposa del célebre constructor de pianos, Camille Pleyel. Fué discipula de Mocheles y de Kalkbrenner, Chopin tuvo por ella una gra admiración.

Fuentes : el mundo de la música, tomos varios, internet, biografías.

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El jazz : Un nuevo y excitante idioma musical

Este tipo de müsica, que tuvo su origen entree los negros americanos, se distingue de la música normal europea por sus ritmos desusados , basados en los sutiles y polirritmicos lenguajes del tambor africano.

16-lens-jazz-slide-PDAP-superJumboHay quien asegura que procede de una palabra criolla que significa apresurarse , mientra otros la derivan del francés jaser (charlar) . Otros creen que se trata de la abreviatura de Jasbo, patronímico de un músico negro que vivió alrededor de 1900. Sousa sostenía que se trataba del nombre de un finale de revista. Las teorías son muchas, pero sin pruebas contundentes. Tampoco es posible determinar una fecha fija para el comienzo del Jazz que es una mezcla de diversos ingredientes cuyo desarrollo es dificil de seguir.

Los negroa cantaban en las plantaciones durante su trabajo , como lo hicieran en su país natal, e improvisaban la música y la letra tomando frecuentemente como modelo las canciones de los blancos.
Eran sumamente ritmicos y empleaban u redoble repetido que acentuaba la fase regular de la tarea que realizaban en el momento. (Rex Harris).

Muere Artie Shaw

El final del año para el mundo del jazz, ha traído una luctuosa noticia con el fallecimiento el día 30 de Diciembre de 2004, del maestro del clarinete y figura arti sawextraordinaria del swing, Artie Shaw. Tan popular en su época como lo fueron, Glen Miller, Tommy Dorsey o Benny Goodman, Artie Shaw, no tuvo sin embargo el éxito de cara. Su muerte, a la edad de 94 años se produjo según información facilitada por su entorno familiar, por “causas naturales”

Hasta el día de su muerte, Artie Shaw -nombre artístico de Arthur Jacob Arshawsky- fue una leyenda viva de los primeros años del jazz, y consiguió una justa fama en 1938, cuando interpretó uno de los mas conocidos temas del gran compositor americano, Cole Porter. “Begin the Beguine”, utilizado y popularizado en España por la primera película española en conseguir el Óscar de la Academia de Hollywood: “Volver a Empezar” del Director, José Luis Garci.
Polémico, extrovertido e impredecible, pasó a la historia por ser el primer director musical blanco en romper el cerco racista en los grupos de jazz y la decisión de admitir en su orquesta a músicos y cantantes de color, le proporcionó mas de un dolor de cabeza que supo soportar. La primera mujer negra que formó parte de una orquesta de jazz blanca, fue nada menos que Billie Holiday, a quien Artie Shaw, integró a sabiendas de que la decisión le acarrearía problemas.
Pero Shaw también hizo fama fuera de los escenarios, y no necesariamente por la música. Tuvo a lo largo de su vida ocho esposas, entre ellas celebridades como las actrices Lana Turner y Ava Gardner, así como la novelista Kathleen Wilson. Denunciado por esta última, Artie Shaw tuvo que declarar en dos oportunidades ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas, creado por el tristemente famoso senador anticomunista, Joseph McCarthy, acusado de pertenecer al Partido Comunista de Estados Unidos e incitar a la lectura de Marx, Engels y Lenin.

Elvis Presley

revisado

ELVIS PRESLEY

EL REY

elvis-presley-mid-1960s_a-G-5110838-8363144.jpgElvis Presley, cuyo nombre completo era Elvis Aaron Presley, nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo, una pequeña ciudad del estado de Mississipi, aunque la familia se traslada a Memphis en 1948 para mejorar su situación económica.

Desde muy niño Elvis comenzó a demostrar su pasión poe el beisboL y, sobre todo, por la música. Le gustaba todo tipo de música. Esa pasión por la música contrastaba con sus malas notas en el colegio y su desinterés por los libros.

Cuando terminó los estudios comenzó a trabajar en una empresa de electricidad. En 1953 grabó un sencillo disco para regalar a su madre. El propietario del estudio donde lo grabó se fijó en quel muchacho y decidió echarle una mano.

En 1954, junto al guitarrista Scotty Moore y el bajo Bill Black, graban una maqueta con dos canciones. Fue suficiente para que Elvis decidiera que su futuro estaba en la música. A partir de ese momento graban varios discos más y se dedican a hacer actuaciones en directo en pequeños locales. La fuerza de las interpretaciones de Elvis suponen un gran éxito entre las veinteañeras de la ciudad.

En 1955 el mánager Tom Parker le ofreció a Elvis sus servicios como representante artístico. Elvis aceptó y se pusieron a trabajar juntos. Ese mismo año, Parker consiguió para el cantante un contrato con la RCO que incluía su lanzamiento a nivel nacional.

En 1956 Elvis acude a Nashville, capital del country, para trabajar y aprender de los mejores músicos del momento. De allí nació su primer número uno, ‘Heartbreak Hotel. Ese mismo año rueda su primera película para el cine, ‘Love me tender’.

Elvis fue influido por las baladas populares y la música country de su época, así como por lo que escuchaba en la iglesia y en las reuniones evangélicas que frecuentaba en su juventud. También jugó un papel importante en su formación el rhythm and blues que solía escuchar en la histórica calle Beale de Memphis cuando era adolescente.

El sonido creado por Elvis justo antes de irrumpir en el mundo musical a gran escala, fue realmente revolucionario. En sus primeras presentaciones, Elvis agregó elementos de rhythm and blues a la música country y viceversa, combinando así géneros musicales que hasta entonces habían permanecido separados. Aunque fue criticado por esto, con esa experimentación abrió el camino para la llegada del rock & roll.

En 1957, las giras que realiza por todo el país acrecientan su fama y su poder de seducción entre el público femenino aumenta sin cesar. Millones de jovencitas americanas están enamoradas de ese cantante capaz de cantar baladas y bailar salvajemente.

En 1958 se va a Alemania a cumplir el servicio militar. Para entonces ya está considerado como el Rey del Rock & Roll.

En la década de los sesenta interpreta infinidad de películas, la mayoría sin mucha calidad, aparte de la sola presencia del mito. Mientras tanto, su vida anda por las nubes. Se construye un enorme palacio en Memphis llamado ‘Graceland’ y se casa con Priscilla Beaulie, con quien tuvo su primera hika, Lisa Marie. Su fama va decayendo poco a poco.

Por sorpresa, en 1968, Elvis reaparece en televisión y nuevamente es relanzado hacia la cima. Retorna a los escenarios para ofrecer conciertos y actúa en Las Vegas.

A pesar de todo, sus últimos años fueron un tanto grises. Su salud se deteriora y el abuso de las drogas y las pastillas hacen mella en él. Su obesidad llega a extremos patéticos y su imagen resulta lamentable para sus fans, que desearían verle como antes.

Finalmente, el 16 de agosto de 1977, Elvis fallecía en Graceland, siendo enterrado en el jardín de la casa. Este es el lugar de culto al que acuden cada año miles de seguidores de Elvis Presley.

Exitos musicales:
Good Luck Charm
Return To Sender
See See Rider
Jailhouse Rock
Houng Dog
Suspicius Minds
Burning Love
Teddy Bear
Blue Shoes
The Wonder Of You
conjunto

 

 

Pentagrama. Antiguo blog.

Artículos de mi primero blog. Aqui losmejoraré.

lineasEl primer paso que tenemos que dar para saber algo de música es conocer los temas teoricos de la música. Para escribir la música necesitamos un vocabulario musical que vendrà dado por las notas musicales. Las notas musicales se colocan en un conjunt de cinco lineas llamadas pentagrama.
espaciosLas notas que ponemos en el pentagrama nos dirán como se canta cualquier melodia musical.

Primer tema : EL PENTAGRAMA -CINCO LINEAS DONDE SE ESCRIBE LA MUSICA: Y CUATRO ESPACIOS.

pentagrama (1)

 

Qué es lamúsica. Antiguo blog.

1.-

LOMEJORDELMUNDOLAMUSICA.COM
9c296cc5La música es el arte de mover bien (los sonidos y los ritmos).Con esta definición se entiende que hay una lógica reacción para la escritura musical, a partir de unos sonidos y un ritmo los haremos caminar convenientemente para que suenen bien a nuestro oido.

Mi primer artículo muy breve pero que será lo que escriba siempre, de música.:

Comienzo internet y no sé como va esto.
Si de algún artículo que ponga violo alguna ley , espero que me lo digan pues quitaré el artículo.
Prefiero que me avise, pues no se como funciona esto.
Yo doy permiso para que se usen mis arículos, firmados por mi, procuraré ponerlo. Si copio algo es que no sabia nada de ese artículo, pondré las fuentes, pero si alguien se ofende que me lo diga. No quiero molestar a nadie. No lo hago para ganar dinero simplemente me gusta la música y he visto que esto es un cuaderno de apuntes para hecharle un vistazo de lo que voy aprendiendo.


a6f22bf5.jpgPor favor si de algún artículo no puedo poner sus contenidos que me lo digan , pues no lo hago con mala fé. No faltaré ni injuriaré a nadie , solamente hablaré de hechos consumados : de música.

Mi dirección es : jlcatalanpablo@hotmail.com