Tritono

Varias fuentes en internet me han hecho comprender lo que es tritono . He buscado tambien en los libros de Henric Herrera y así he completado este tema de teoría musical.
El tritono es un intervalo de tres tonos (como su nombre lo indica), y equivale a una quinta disminuida o cuarta aumentada. En una escala mayor, este intervalo se da entre la cuarta y la séptima. Por ejemplo, en la escala de Do mayor, entre Fa y Si.
Fa a sol 1T.  sol a la  1T.   la  a si  1T. total tres tonos ( tritono)
Es un intervalo disonante, y que crea mucha tensión. Prueben tocar Fa y Si simultáneamente y van a poder escuchar la tensión creada por el tritono.

En total hay 6 tritonos y cada uno sirve para 2 acordes dominantes:

1. Do y Fa sostenido – Sirve para D7 Y La bemol 7.

2. Re bemol y Sol – Sirve para La 7 y Mi bemol 7.

3. Re y La bemol – Sirve para B bemol 7 y Mi 7.

4. Mi bemol y La – Sirve para Si 7 y Fa7.

5. Mi y Si bemol – Sirve para Do 7 y Fa sostenido 7.

6. Fa y Si – Sirve para Sol 7 y Re bemol 7.

El tritono fa si. y el si fa es lo mismo pero uno es de sol y otro de Reb. Por eso hay seis tritonos y cada uno es tritono de otra escala u otra tonalidad.

Fuentes teoría:

Todo acorde de séptima de dominante tiene un tritono. Por ejemplo, en el acorde de sol:

G7

Encontramos el tritono entre las notas si y fa.

En el acorde de re bemol dominante:

Db7

El tritono está entre las notas fa y do bemol. Podrá notar que ambos acordes comparten el mismo tritono (fa = fa y si = dob):

tritone

Por el hecho de compartir el tritono, estos acordes pueden sustituirse mutuamente. En la teoría del jazz le llaman a esta sustitución substitución de tritono. Noten además que ambos acordes están a un tritono de distancia el uno del otro (sol – reb).

 

Acordes substitutos.

2.jpgComo su nombre indica son los que substituyen a otro acorde ( de dominante). Este tema lo he estudiado en el libro de Henric Herrar que se puede adquirir en Amazón . Volumen II. Yo lo he entendido así.

El acorde de dominante se forma sobre el 5º grado de una escala.  Sol7 es el quinto grado de do. Do re mi fa sol la si do. Si contamos desde do el 5º nos sale sol y se denomina G7, dominante. Este acorde contiene un tritono. en los acordes cuatriadas. La fundamental substitutois(primer grado) convierte a las notas que forman el tritono en su 3ª y su 7ª ( en G7 la tercera y la séptima son: si y fa)  IV y VII respecto a la tónica. El tritono divide a la octava en dos partes iguales , la inversión del primero es igual  cuarta aumentada fa si, y su inversión quinta disminuida si fa. fa sol la si, ( 4#)  si do re mi fa (5ªb).  Si es dob que corresponde al 7º grado de reb, (reb es el 5º grado de la tonalidad de solb) .   En el gráfico el primer tritono es de G7 y el segundo con Cb es de D7. O sea que este tritono tiene dos fundamentales Sol y Reb.

Viendo todo esto y sabiendo que un tritono es a la vez trinono de otro acorde tenemos seis acordes substitutos  que doblados son las doce tonalidades pero que seis son lo mismos. Este el gráfico de los acordes substitutos:

acordes substitutos

C7  y Gb7
B7 y F7
Bb7 y E7
A7 y Eb7
Ab7 y D7
G7 y Db7

La fórmula que yo uso es tomar el acorde superior ( medio tono) del que estamos y hacerlo en el tiempo débil. Por ejemplo si estamos en do mayor el quinto grado es G7 , pues para hacer el substituto en el tercer tiempo por ejemplo tomamos medio tono de do que es reb (C#) y hacemos la séptima de reb : reb.  fa   si, y terminamos en C o en Cm, según la tonalidad que nos encontremos. Son juegos musicales para saber mejor donde estás sin tener que estar pensano mucho en tonalidades … etc…

Escuela de la velocidad Czerny. Estudio 2 por lineas. 7 Lineas.

DEDOS.pngUn artículo muy interesante para aprender como usar los dedos . Recomieno leerlo. Yo lo he leido y estoy haciendo caso y los dedos me van mucho mejor. Me canso menos y pongo la posición de los dedos correctamente. POSICIÓN DE LOS DEDOS Y COMO ATACAN EN EL PIANO. IR AL ARTICULO

 

Foto el 31-7-18 a las 9.56Libro de Czerny Op. 299 40 estudios para piano. Empezamos con el nº 2 mano izquierda
escuela velociad 1 lineaDIGITACIÓN

piano.gifVoy a estudiar este ejercicio de Czerny. Primer curso. Tengo que estudiarle con manos separadas y muy lento. Y luego juntar las manos. Tendré que aprenderlo de memoria. A la vez hago otro estudios para no cansarme con uno sólo. Toco Bach, Chopin, Mozart, Beethoven. Toco algún estudio a la vez por lineas y asi no me canso con uno solo. Los edito en Sibelius o en Guitar pro, hago las imágenes y los videos y la correspondiente ficha de Sibelius.

Los temas de teoría los estudiamos en los ejercicio de iniciación y primeros pasos. Ya los teniamos que saber. No obstante si vamos a TEORIA MUSICAL, encontramos todos temas. En buscar tambien iremos al tema que queramos repasar o aprender. En cada entrada al principio podremos buscar lo que queramos del blog. busquedaPor ejemplo queremos buscar contratiempo que significa , o hacer una pregunta ¿qué es contratiempo? y nos lleva al tema que ya lo he puesto en el blog. o nos salen varios temas donde aparece contratiempo.

Explicación del ejercicio.

  • Ejercicio 2 de la escuela de la velocidad de Czerny primera linea. Ficha Sibelius

Mp3 de la primera linea

velocidad 2. 1º linea..png

Linea 2ª.

Tengo que fijarme muy bien los dedos que tengo que poner. En primeros pasos e iniciación al hacer las escalas pongo como se colocan los dedos.Muy importante el dedo pulgar para pasarlo debajo de la mano: en internet he estudiado este tema que me ha servido mucho: Hay que trabajar los dedos y no forzar el brazo ni la mano, deberán estar relajados los dos sino se cansa mucho. Trabajar los dedos y la mente sabiendo lo que se hace, asi estudio yo.

dedos como se hace1. El pulgar

El pulgar, el dedo primero, es el dedo más mencionado en todo el capítulo. Se hace tanto énfasis por su diferente fisiología y su mal uso por otros pedagogos e incluso pianistas de élite. Solo tiene dos falanges y la primera empieza en una línea distinta que el resto de los dedos, junto al hueso metacarpo. Consecuentemente a esto, la posición que emplea para ejecutar las notas tiene que ser distinta a la del resto de los dedos: debe haber un arco exterior en vez de uno perpendicular.

A pesar de todo eso es el dedo más fuerte y ágil de todos, y esto es especialmente notorio viendo que es el único capaz de moverse a lo largo de la mano, pasando por debajo de los otros dedos. Esto lo hace mucho más independiente que los otros.

escuela de la velocidad2. 2 linea

Seguimos con notas dobles: fa re ( 6ª mayor) , sol re ( 5ª justa), sol mi ( 6ª mayor) La sexta mayor tiene 4 tonos y medio. La 5ª justa 3 tonos y medio. Mano derecha.  La izquierda hacemos las escalas correspondiente de do mayor. La escala de Dm, la escala de Em,

Dm:  re mi fa sol la si do re.    Em:  mi fa sol la si do re.  Insisto en lanomenclatura anglosajona pues es la que se lleva en la música moderna. Dm= re menor. Em =  mi menor.  Hay que hacer caso de la digitación de ambas manos , cruzar dedos debajo, o hacia arriba para que las notas sean fluidas y llegar a la nota final con los dedos adecuado. En primero pasos  e iniciación lo recalco bastante. La digitación es muy importante para tocar el piano y pasarlo muy bien.

En el video explico las notas dobles y su posición. Todas las lineas tedrán su ficha Sibelius , una breve explicación y el video donde se aprende como lo toco. Yo estoy aprendiendo no soy profesor sino autodidacta uso términos que lo entiendo todo el mundo.

segunda linea escuela de la velocidad 2.png

Linea 3ª

 

escuela de la velocidad 2 3 linea

Video explicativo.

 

Ficha Sibelius

3º linea escuela de la velocidad 2.png

Sigue la misma pauta: notas dobles: la mi  ( 5ª justa),  la re ( 4ª justa) , si  fa (5ªb, tritono)

En la ficha se explica todo lo referente a esta linea.

4ª y 5ª linea.

En estas lineas hacemos todas escalas de do con la mano izquierda. La mano derecha hace como las demás lineas notas dobles. En la 5ª linea hay un pasaje dificil, hay que hacer con la mano derecha y la izquierda doble escalas y por terceras en una octava. Para ello yo la estudio con manos separadas, creo que hace una escala rem melódica. Entramos en la tonalidad de re menor relativo de fa mayor: re mi fa sol la sib do , y hacemos la escala melódica de re menor: re mi fa sol la si (hemos subido medio tono sib) do# re ( tambien hemos subido medio tono el séptimo grado para asi tener medio tono del séptimo al octavo.

 

escuela de la velocidad 2 4 linea

 

escuela de la velocidad 2 5 linea

 

Ficha Sibelius.4ª y 5ª linea jpg si

6ª y 7ª lineas. Acordes

Con la mano derecha aprendermos los acordes . Manos separadas:

Do.  Do mi soldo mayor do mi sol

Do primera inversión:  Mi sol dodo mayor 1ª inversión

Do segunda inversión:  Sol do mido mayor 2ª inversión

Sol7  segunda inversión.  Re fa  sol  sig7 2ª inversión

6ª y 7ª lineas mNO DERECHA ACORDES

6ª y 7ª linea .  Dos manos.

6ª 7ª lineas

Videoarpegios. Como toco los arpegios.

partitura.gifFuentes internet: Los arpegios son sucesiones de notas que se van tocando una detrás de otra. Para su estudio lo que se hace es analizar las notas que constituyen el arpegio e intentar identificar el acorde correspondiente, según las notas musicales del arpegio constitutivas.

Así pues, los arpegios están íntimamente ligados a los acordes. De hecho, para que haya arpegio, igual que ocurre con los acordes, tienen que ejecutarse tres sonidos musicales diferentes como mínimo.

Veamos una imagen de ejemplo donde se relaciona un acorde de séptima con su correspondiente arpegio:

Lo primero destacable a observar en la imagen es que el arpegio puede ser abierto o cerrado. Es cerrado cuando sus notas musicales no exceden de la octava, entre la más grave y la más aguda. Es abierto cuando no ocurre eso, cuando excede de la octava.

También, un acorde puede estar en posición fundamental o invertido. Este concepto lo veremos más adelante, cuando veamos la inversión de acordes. De todas forma, adelanto que es cuando una nota del arpegio se sube o se baja una octava.

Los arpegios son un buen recurso musical para acompañar melodías. Si se construyen arpegios complejos sobre una base armónica o melódica, se puede enriquece mucho nuestra música.

Autumn leaves. Base y partitura de la melodía.

Escuchar entera para saber cuando entramos:

 

 

Con la melodía y la base tocaremos autumn leaves

D 7. A m7. GMaj7. Gm7. CMaj7. C7. F m7. F m7 5 B7. Cm7. B7. F7( 11). Em7. E7alt. 1. F7( 11). Cm7. B7. 2. Em. F m7. F m7 5. B7 9. Em. B 7. Fm7. Am7. Am7. D7.

AUTUMN LEAVESsolista_0001        AUTUMN LEAVESsolista_0002

Mp3 de la melodía

Standar partitura con acordes.AutumLeaves.jpg

Juan Sebastian Bach. Aniversario.

Te recuerdo en el día de tu muerte: 28 julio 1750.

La obra que más me gusta Los motetes:

Fuentes biografías

Johann Sebastian Bach

En la biblioteca municipal de Leipzig se conservan aún los antiguos legajos que contienen las listas de exequias realizadas en el siglo XVIII. Uno de estos viejos papeles nos informa escuetamente del siguiente hecho, en apariencia banal: “Un hombre de sesenta y siete años, el señor Johann Sebastian Bach, Kapellmeister y Kantor en la escuela de la Iglesia de Santo Tomás, fue enterrado el día 30 de julio de 1750″. La modestia y simplicidad de esta inscripción, escondida entre otras muchas tan insignificantes como ella, nos parece hoy incomprensible al considerar que da fe del fallecimiento de uno de los más grandes compositores de todos los tiempos y, sin duda alguna, del músico más extraordinario de su época.
Johann Sebastian BachLa brevedad de estas líneas demuestra con toda claridad el trágico destino de un hombre que fue radicalmente subestimado en su época: pocos reconocieron al gran músico y nadie supo ver al genio. Tras su silenciosa muerte, la labor de quien había dedicado toda su existencia a crear honesta y laboriosamente una excelsa música en alabanza del Creador fue olvidada por completo durante más de cincuenta años, hasta que, tras ser publicada la primera biografía del músico, otro compositor, Mendelssohn, rescató su obra para sus contemporáneos al dirigir apoteósicamente su Pasión según San Mateo en Berlín en 1829, hecho que constituyó un acontecimiento nacional en Alemania.Una saga de músicosJohann Sebastian Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach (Turingia). Su familia era depositaria de una vasta tradición musical y había dado a lo largo de varias generaciones un buen plantel de compositores e intérpretes. Durante doscientos años, los antepasados de Bach ocuparon múltiples cargos municipales y cortesanos como organistas, violinistas cantores y profesores, aunque ninguno de ellos llegaría a alcanzar un especial renombre. Sin embargo, su apellido era en Turingia sinónimo de arte musical; hablar de los Bach era hablar de música.Johann Sebastian siguió muy pronto la tradición familiar. Su padre, Johann Ambrosius, comprendió rápidamente que tenía ante sí a un niño especialmente dotado y consagró mucho tiempo a su enseñanza. El ambiente de la casa paterna era modesto, sin llegar a las estrecheces de la pobreza y, por supuesto, estaba impregnado de una profunda religiosidad y entregado a la música. Al cumplir Bach los nueve años murió su madre, Elisabeth, y, como era frecuente en la época, Johann Ambrosius volvió a casarse a los pocos meses para poder afrontar el cuidado de sus hijos. Pero tres meses después de la celebración de su segundo matrimonio, el 20 de febrero de 1694, también murió Johann Ambrosius, y la viuda solicitó ayuda al hijo mayor de su marido, Johann Christoph, ya entonces organista en Ohrdruf, quien se hizo cargo de sus dos hermanos más pequeños, Johann Jacob y Johann Sebastian, acogiéndolos en su casa y comprometiéndose a darles la obligada formación musical.
Johann Ambrosius Bach, padre del compositorEl niño era aplicado, serio e introvertido. Además de la música, sentía una viva inclinación por la lengua latina, cuya estructura rígida y lógica cuadraba perfectamente con su carácter, y por la teología. Estas materias, tamizadas por una intensa educación luterana, acabarían por modelar completamente su personalidad y convertirse en los sólidos fundamentos de su existencia y de su fuerza creadora. El propio Johann Christoph, que había sido discípulo de Pachelbel, se convirtió en maestro de órgano del niño.No parece, sin embargo, que se diera plena cuenta de la genialidad de su hermano menor, si consideramos la famosa anécdota transmitida por el propio Bach a su hijo Carl Philipp Emmanuel: Johann Christoph prohibió al niño estudiar un libro que contenía las más famosas piezas para clave de su tiempo, con obras de Froberger, Kerll y Pachelbel, libro que Bach logró transcribir a escondidas, de noche y a la luz de la luna. Descubierto el «crimen», Johann Christoph destruyó la copia. La que iba a ser su segunda esposa y cronista de la familia, Anna Magdalena Wilcken, que también narra el episodio, afirma que Johann Sebastian se lo contó «sin manifestar el menor resentimiento contra la dureza de su hermano». Anna Magdalena era menos benévola y, llevada por su fidelidad y amor a Johann Sebastian, pretendía achacar la ceguera final del compositor al esfuerzo que realizó de niño, por haber transcrito aquellas partituras «prohibidas» a la sola luz de la luna.Años de formaciónHasta que pudo desarrollar todas sus capacidades pasaron aún varios años de duro aprendizaje y preocupaciones cotidianas. Desaparecidos sus progenitores, el salario del hermano resultaba escaso y la casa demasiado pequeña para una familia cada vez más numerosa. Johann Christoph hizo ingresar a sus hermanos en el Gimnasium de Ohrdruf, donde Bach acabó el primer ciclo de estudios en 1700, con un adelanto de dos años sobre el resto de sus compañeros, recibiendo además un sueldo de diecisiete talegos al año (cantidad suficiente para pagar su manutención) como miembro del coro, donde cantaba con hermosa voz de soprano infantil. En marzo de 1700 el muchacho, que entonces contaba quince años de edad, marchó a Lüneburg, a 350 kilómetros de Ohrdruf, para ingresar en el coro de la Ritterakademie, con sueldo suficiente para su mantenimiento suplementario y hospedaje en el internado.Este cambio supuso también la posibilidad de ampliar en extensión y profundidad sus conocimientos musicales. En Lüneburg recibió la benéfica influencia del Kantor, pero sobre todo la del organista titular, Georg Böhm. Desgraciadamente, a los pocos meses de su llegada le cambió la voz y tuvo que ganarse la vida como músico acompañante y profesor de violín. Su nueva situación, sin embargo, le permitió desplazarse libremente a Hamburgo para completar su formación con Adam Reincken, que, pese a su edad, era uno de los más reputados organistas en activo de su tiempo. También frecuentó la corte de Celle, en cuya orquesta tocó como violinista por invitación de Thomas de la Selle, familiarizándose entonces con los compositores y las formas musicales francesas. De esta época de actividad y entusiasmo data su primera cantata, género que frecuentaría a lo largo de su vida.Una energía aparentemente ilimitada y una fortaleza anímica desbordante son los rasgos esenciales de la personalidad de Bach. Sin estos valores y sin su profunda religiosidad nunca hubiera podido soportar los duros golpes que el destino le tenía reservados. En 1702 terminó el segundo ciclo de estudios escolares, y determinó llegado el momento de aspirar a un puesto estable. Tras algunos frustrados intentos de ganar una plaza como organista, fue finalmente admitido en marzo de 1703 como violinista del duque de Weimar. Su gran religiosidad o sus dotes de organista le hicieron aspirar a otro puesto: el de organista en Arnstadt, cuyo decreto de nombramiento fue firmado por el conde Anton Günther el 9 de agosto de 1703. Johann Sebastian contaba dieciocho años.
Pero para las autoridades no era fácil tratar con un hombre impetuoso y excitable que despreciaba las normas establecidas y frecuentemente se mostraba colérico y caprichoso. Ya a los dieciocho años, mientras trabajaba como organista en Arnstadt, se había permitido el lujo de prolongar sus vacaciones durante dos meses: se encontraba en Lübeck escuchando extasiado al gran maestro Buxtehude y no estaba en absoluto dispuesto a renunciar a tan extraordinario placer. El consistorio de la ciudad se vio obligado a amonestarlo y aprovechó la oportunidad para hacerle algunos reproches referentes a su también poco sumisa actitud en materia musical: “El señor Bach suele improvisar muchas variaciones extrañas, mezcla nuevas notas en piezas escritas y la parroquia se siente confundida con sus interpretaciones”.Bach ignoró estos comentarios; Arnstadt tenía ya poco que ofrecerle y sus intereses se dirigían hacia otros objetivos. En primer lugar, pretendía establecerse y formar una familia, lo que hizo al casarse el 17 de octubre de 1707 con su sobrina María Bárbara, una joven vital y encantadora. Siete hijos fueron el producto de su feliz matrimonio. Ese mismo año, el ya entonces reputado ejecutante solicitó la plaza de organista en la pequeña ciudad de Mühlhausen (libre por la muerte de su titular), que obtuvo el 24 de mayo, con el no desdeñable sueldo de 85 guldens.En la iglesia de San Blas, además de restaurar el órgano, organizar el coro, formar alumnos (entre ellos, a su devoto discípulo J. M. Schubert) y cumplir con sus funciones dominicales, Bach inició la composición de cantatas religiosas, la más importante de las cuales fue la titulada Actus tragicus. Su período de formación inicial parecía concluido. Tal vez ello fuese la razón principal que le movió a presentar su dimisión como organista de Mühlhausen, aunque los biógrafos suelen señalar otras más concretas: sobre todo, el conflicto musical-teológico que había dividido a los feligreses en dos bandos: los seguidores del pastor Frohne, pietista radical y enemigo de innovaciones musicales, y los del archidiácono Eilmar, amigo y protector de Bach, y padrino de su primer hijo. Es posible que, cogido entre dos fuegos, Johann Sebastian prefiriera dar a su carrera un cambio de rumbo al margen de unas tensiones teológicas que tan directamente le afectaban como responsable musical de la comunidad. Sus relaciones con las autoridades de Mühlhausen continuaron cordiales tras su dimisión en junio de 1708, y compuso para ellas una cantata en febrero de 1709, desgraciadamente desaparecida.En las corte de WeimarBach consiguió el puesto de segundo Konzertmeister en Weimar (donde residiría entre 1708 y 1717), lo que le proporcionó la estabilidad necesaria para abordar la creación musical. Dio a luz una obra ingente para órgano y clave, además de música coral religiosa e instrumental profana. Debe recordarse, por ejemplo, que una de las obligaciones contraídas con el duque de Weimar era la de «ejecutar cada mes una composición nueva», lo que significaba una cantata original al mes.Desgraciadamente, estos años vitales que marcaron un cambio de estilo en sus composiciones no pueden ser rastreados en detalle, pues sólo ha sido posible datar un número insignificante de sus creaciones. Es evidente, sin embargo, la decisiva influencia de las formas operísticas italianas y del estilo concertístico de Antonio Vivaldi. La crítica señala una evidente huella italiana en el ritornello de las cantatas 182 y 199, de 1714; las 31 y 161, de 1715; o las 70 y 147, de 1716. Las nuevas técnicas de repetición, literal o levemente modificada, también rindieron sus espléndidos frutos en las arias, conciertos, fugas y corales de este período, entre los que cabe destacar, muy especialmente, sus preludios corales, los primeros tríos para órgano y la mayoría de preludios y fugas y de tocatas para órgano.
Representación de 1660 de la iglesia del Palacio de Weimar: bajo el techo, el órgano en que trabajaría BachEn Weimar, Bach cumplía múltiples funciones: organista de la capilla, Kammermusicus, violín solista, director del coro y maestro suplente de capilla. Allí conoció y transcribió la obra de los compositores italianos (Corelli, Albinoni o Vivaldi), formó a alumnos, como su sobrino Johann Bernhard y Johann Tobias Krebs, y trabó una estrecha amistad con el maestro Johann Gottfried Walther, quien enriqueció su arte del contrapunto y de la coral. Allí, en suma, sacó adelante a su familia gracias a un sueldo que, entonces, podía calificarse de altísimo. En el momento de mudarse a Köthen tenía cuatro hijos (otros dos habían muerto poco después del parto): Catharina Dorothea Bach, Wilhelm Friedemann Bach, Carl Philipp Emmanuel Bach y Johann Gottfried Bernhard Bach.La atmósfera de la corte, sin embargo, no estaba exenta de tensiones. El duque Wilhelm Ernst era un devoto pietista que intervenía personalmente en los aspectos más nimios del culto y para el que la composición y ejecución de la música sacra era una cuestión no sólo de fe, sino también de Estado. Y así, las intrigas teológico-palaciegas enfrentaron a Bach con el duque, quien llegó a encarcelar cuatro semanas al compositor cuando se enteró de que Bach había obtenido el nombramiento de maestro de capilla del príncipe Leopold de Köthen sin solicitar su autorización previa.En KöthenLa estancia en Köthen (entre 1717 y 1723) fue más breve, probablemente porque el espíritu profundamente religioso de Bach aspiraba a una mayor dedicación a la música sacra. En cualquier caso, entre el príncipe Leopold de Köthen y el compositor nació una fructífera amistad y Bach pudo entregarse, en un clima acogedor y sosegado, a la creación de numerosas obras instrumentales y orquestales, entre las que destacan sus Conciertos de Brandemburgo, partitura cimera de la música barroca. Afortunadamente para la posteridad, disponía allí de un excelente conjunto instrumental completo, y a este período corresponden además las Sonatas y partitas, las cuatro Oberturas, las Invenciones para dos y tres voces y las Suites francesas. Acaso como compensación a sus obligaciones de compositor profano, compuso su primera pieza sacra de largo aliento: La pasión según San Juan.
El príncipe Leopold de KöthenDe todas estas composiciones magistrales cabría destacar la primera parte de El clave bien temperado (una colección de preludios y fugas en todas las claves) por su sistemática exploración de la nueva sintaxis musical, que la crítica histórica ha calificado de «tonalidad funcional», y que habría de prevalecer los siguientes doscientos años. Pero la colección de El clave bien temperado también es memorable en tanto que compendio de formas y estilos populares que, pese a su variedad, aparecen homologados por la lógica rigurosa de la técnica compositiva de la fuga.Fueron en total seis años de paz absoluta y fecundidad creativa lamentablemente interrumpidos por la tragedia. En julio de 1720, al regresar de uno de los frecuentes viajes realizados a instancias del príncipe, encontró su casa vacía y silenciosa: María Bárbara había muerto, fulminada por una desconocida dolencia, y, por temor a la peste, había sido rápidamente enterrada. Bach se sumió en un profundo abatimiento. Las fuerzas parecían haberlo abandonado y las musas sólo lo visitaban para inspirarle melancólicas notas que no osaba transcribir. Sólo una mujer podía sacarlo de su estupor y esa mujer fue Anna Magdalena Wilcken, hija menor del trompetista de la corte, Caspar Wilcken.Cabe observar que, para la mentalidad y necesidades de un viudo de aquel tiempo, con cuatro hijos menores a su cargo, nada había de extraño en un rápido segundo matrimonio, que efectivamente recibió la aprobación general. Además, Anna Magdalena era una intérprete aventajada, bien dotada para el canto, que profesó toda su vida una ejemplar devoción por Johann Sebastian, convirtiéndose con el tiempo en la cronista de la familia Bach; están en deuda con ella todos los biógrafos posteriores. Supo comprender y compartir el complejo mundo espiritual de su marido y lo ayudó como eficiente copista de sus partituras. La boda se celebró en 1721. Fue otro matrimonio feliz del que nacerían trece hijos; el benjamín fue Johann Christian Bach, el músico cuyas composiciones tanto influirían en el primer Mozart. Por segunda vez en su vida Bach tuvo la fortuna de encontrar una compañera ideal.Kantor de Leipzig Poco después, la unión del príncipe de Köthen con una mujer completamente desinteresada por la música provocó el distanciamiento entre el maestro y su protector. La muerte del Kantor de Leipzig en 1722 le brindó al compositor la esperada oportunidad para dedicarse a la composición sacra. La obtención de la plaza no le resultó fácil: fue primero concedida a Telemann, luego a Graupner y sólo en tercer lugar a Johann Sebastian. Para conseguirla, Bach tuvo que aceptar gravosas condiciones, no tanto económicas cuanto laborales, pues, además de sus funciones religioso-musicales en las iglesias de Santo Tomás y de San Nicolás, debía hacerse cargo de tareas pedagógicas en la escuela de Santo Tomás (entre ellas la enseñanza del latín), que le produjeron notables sinsabores. Sabemos que, entre sus compromisos, estaba el de que la música interpretada los domingos incitara «a los oyentes a la devoción» y no fuera «de carácter teatral».El puesto de Kantor no significaba, pues, un efectivo progreso en su carrera. Estaba obligado a proporcionar la música necesaria para los oficios de varias iglesias de la ciudad valiéndose de un coro formado por alumnos de la escuela, lo cual significaba que cada domingo estaba obligado a presentar una nueva cantata compuesta por él: el resultado fueron un total de doscientas noventa y cinco piezas religiosas, de las que sólo han llegado hasta nosotros ciento noventa a causa de la negligencia de sus herederos. Además, debía dirigir el coro de los alumnos y dar lecciones a los jóvenes estudiantes como un profesor más.Esta situación no podía satisfacer a un hombre como él. Resultaba ultrajante que las autoridades ignorasen sus facultades y lo despreciasen como innovador. Durante veinte años, Bach no cesó de luchar contra semejante injusticia. Colérico como era, se enfrentó sistemáticamente a sus aburguesados superiores, quienes pretendieron hacer de él un dócil asalariado e incluso se permitieron castigar su obstinación y su arrolladora originalidad recortando en más de una ocasión sus retribuciones. Los esfuerzos del compositor por cambiar este estado de cosas resultaron baldíos; decepcionado, se convirtió en un ser amargado y pendenciero, cada vez más alejado de sus semejantes y refugiado en sí mismo y en su música.Sólo su vida familiar era una fuente sólida de mínimas alegrías y de la necesaria estabilidad. Siempre respaldado por su mujer y por una íntima certidumbre en la validez de su genio, pudo hacer frente a las adversidades sin perder ni un ápice de su poder creativo ni caer víctima de la apatía. Infatigable ante sus obligaciones como padre y como músico, Bach nunca desatendió a ninguno de sus hijos, ni interrumpió la ardua tarea de ampliar sus conocimientos copiando y profundizando en las partituras de sus antepasados.A pesar de todo, el de Leipzig (de 1723 hasta su muerte) fue el más glorioso y fructífero período de la vida del compositor, con una producción de, al menos, tres ciclos de cantatas; en ellas, sin abandonar el contrapunto, se despojó de toda retórica, esforzándose en representar musicalmente la palabra. En 1724 y 1727 estrenó respectivamente La pasión según San Juan (escrita en Köthen) y La pasión según San Mateo. Fue también el esplendoroso período del Magnificat en re bemol mayor (1723), el Oratorio de Pascua (1725), el de Navidad (1734), y el de la Ascensión (1735). En 1733 inició la composición de la magistral Misa en si menor para acompañar la solicitud en la que aspiraba a obtener del elector Augusto III el título de compositor de la corte de Sajonia. Tres años después lograba su propósito, lo que le recompensó por los sinsabores anteriores y sirvió para mortificar a cuantos lo habían hecho objeto de sus desdenes. Comenzaba la última etapa de su vida, que sería también la más plácida.Bach era miope desde su nacimiento. Con el transcurrir de los años, el estado de sus ojos se había ido deteriorando poco a poco a causa de miles de interminables noches de trabajo pasadas bajo la insuficiente luz de unos pobres candiles. Dos operaciones no consiguieron mejorar su visión: después de la segunda, realizada por un médico inglés en Leipzig, perdió la vista casi por completo. Las fuertes medicaciones a las que se habituó contribuyeron a quebrantar la resistencia y la salud de un cuerpo que había sido robusto y vigoroso. Pero continuó creando y alcanzó nuevas cimas en su arte, como las Variaciones Goldberg o la segunda parte de El clave bien temperado, terminada en 1744.
Bach en un retrato realizado probablemente
el mismo año de su fallecimientoUn año antes de su muerte le iba a alcanzar el mismo destino que estaba reservado a otro genio como él, el famoso Haendel: la ceguera total. Pero una vez más, antes de que la noche eterna le encadene para siempre a su cama, Bach vivirá un momento estelar cuando al fin alguien reconozca su poderoso talento y su maestría: el joven rey de Prusia Federico II. En diversas ocasiones este soberano había expresado su deseo de encontrarse con el conocido compositor. La ocasión llegó en la primavera de 1747. Un lluvioso día de abril Bach emprendió titubeando el camino hacia Potsdam en compañía de uno de sus hijos y se hizo anunciar en el palacio de Federico en el momento en que se interpretaba un concierto de flautas compuesto por el propio soberano.Su Majestad interrumpió inmediatamente la música y salió para recibir calurosamente al recién llegado. Tras enseñarle el palacio y platicar brevemente con Bach sobre temas musicales, el rey quiso maliciosamente someter a su invitado a una pequeña prueba: con una flauta, que era su instrumento preferido, atacó un tema de poco fuste y lo retó a que lo desarrollara según las reglas del contrapunto. En breves instantes, Bach compuso una fuga de seis voces perfecta y maravillosa, ejecutándola a continuación. El rey escuchó admirado aquellas armonías que se diría que estaban hechas para los oídos de los ángeles y, al término de la interpretación, únicamente pudo exclamar una y otra vez: “Sólo hay un Bach… Sólo hay un Bach.”Feliz por este encuentro regresó Bach a Leipzig, ciudad que ya no abandonaría hasta su muerte. Su energía y su espíritu creativo estaban aún intactos, pero su vista se extinguía y su salud le exigía cuidados. El genio luchó en vano contra su fin próximo. Empleó sus últimos días en cumplir sus obligaciones familiares y profesionales con la máxima diligencia posible, aunque no renunció por ello a su vocación musical y desde su lecho de muerte dictó El arte de la fuga.Un ataque de apoplejía puso fin a su vida el día 28 de julio de 1750. Lo rodeaban sus familiares y su alma grandiosa abandonó sin dolor alguno el cuerpo del que había sido un simple mortal casi ignorado por sus semejantes. Dejaba a su muerte un valioso legado a la posteridad: una ingente obra religiosa y numerosas piezas profanas; un corpus que, en definitiva, se ha erigido en ley de toda la producción musical posterior. Años después, en una conversación con Mendelssohn, Goethe fue capaz de concentrar en una sola frase admirativa cuanto hay de mágico en la música de Johann Sebastian Bach: “Es como si la armonía universal estuviera dialogando consigo misma, como si lo hubiera hecho en el pecho de Dios desde la creación del mundo.”

Re menor séptima. Dm7. D-7. Rem7. Acorde . Escala. 2º grado tonalidad de do mayor.

escalaAcorde re menor séptima. Dm7. D-7. Rem7.
Segundo grado de la tonalidad de do mayor.
1   2   b3   4   5   6    b7   8

Escala dórica. Modo dórico.

re   mi  fa  sol   la   si  do  re Re menor séptima Rem7
Dm7 D-7 2º grado tonalidad do mayor

escala remenor dorica

Ficha Sibelius.

 

re menor.png

Ejercicio 2º guitarra.

Ejercicio 2º del método de Patricio Galindo

2º guitarra.jpg

En la tablatura se ven ceros quiere decir que las cuerdas son al aire. Las lineas nos dicen las cuerdas que son. Un cero en la sexta cuerda es esa cuerda al aire.

Compás es de 2/4.  Pinchar para ir al artículo. Las notas son corcheascorchea Cada tiempo dos corcheas.corcheacorcheaHay una segunda voz que las notas son negrasnegraVelocidad 70 pulsos por minuto. Poner el metrónomo.

ekercicio 2 guitarraEn la tablatura se ven ceros: Son las cuerdas al aire. Un cero (0) en la cuerda 4ª  quiere decir que hay que tocar esa cuerda sin presionar ningún traste. Ceros en las lineas son las cuerdas al aire.   2º  ejercicio

 

Escala : la disminuida simétrica.. Semitono tono. Acordes y escalas disminuidas. Fuentes.

A    Bb    C     Db    Eb     F    F#   G     A . 1/2 tono , tono… simétrica.

Podemos hacer acordes disminuidos:
la   do  mib  fa#
do mib fa# la
mib fa# la do
fa# la do mib

La escala disminuida u octatónica tiene ocho sonidos. Las distancias entre las notas alterna entre un tono y un semitono. Existen dos tipos de escala: tono/semitono y semitono/tono. El nombre de disminuida viene del hecho de que los grados I, III, V y VII, forman un acorde de séptima disminuida:

escala simetrica disminuida de la .pngMe ha mandado un video donde estoy subscrito. Y mirando el video sale esta escala : Entonces he comprendido como usarla. Em A7 . Medio tono , tono, medio tono , tono..

Esta escala es una de las escalas simétricas más utilizadas  y es muy interesante cuando quiere traer un sonido b9 o 13 cuando improvisas sobre acordes séptima o dominante ,solamente existen tres tipos diferentes de escala para abarcar los 12 tonos,

La  sib do reb mib fa fa# sol la. Escala de ocho notas simétrica.

escala simétrica disminuida

Estudio fijándome en el video.  Se aprende bastante.

La Escala disminuida está formada por 8 notas a intervalos alternados de semitono y tono (ST). Así, por ejemplo, si partimos de la nota Si obtenemos la siguiente escala disminuida:

Escala disminuida de Si (ST)

Dada la simetría existente en esta escala, podemos considerar 4 de sus 8 notas como tónicas: Si, Re, Fa y Sol. Su representación en la Rueda Armónica es muy sencilla, ya que corresponde a 2 radios consecutivos (figura 22). Y las 4 posibles tónicas son las notas contenidas en el radio de la izquierda. (Recuérdese que las notas que aparecen en los extremos de cada radio están repetidas).

 Representación de una escala disminuida.

La escala disminuida también puede definirse como una escala de 8 notas a intervalos alternados de tono y semitono (TS). Utilizando esta otra definición y comenzando por la nota Do, resulta:

Escala disminuida de Do (TS)

Dada la simetría existente en esta escala, también podemos considerar 4 de sus 8 notas como tónicas. En este caso: Do, Mi, Fa y La. Y, puesto que la escala disminuida de Do (TS) tiene las mismas notas que la escala disminuida de Si (ST), su representación gráfica es también la de la figura 22, pero sus 4 posibles tónicas corresponden ahora al radio de la derecha. Es fácil comprobar que sólo existen 3 escalas disminuidas diferentes.

Cualquier escala disminuida contiene 8 acordes consonantes e incluye, para cada uno de ellos, su correspondiente acorde relativo (Mayor o menor) y su acorde paralelo (es decir, el obtenido por cambio de modo). Además, contiene todos los acordes disminuidos que se forman tomando como fundamental cualquier nota de la escala.

Las escalas disminuidas son ampliamente utilizadas en música moderna y en jazz. Y, en particular, en la técnica de la improvisación.

Fuentes : internet Me he encontrado esta respuesta en internet y la pongo para poder estudiar los acordes disminuidos y sus escalas para profundizar en estos temas . Como digo soy autodidacta y todo lo que vienemn en internet es muy aprovechable para mejorar tus conocimientos.

Funciones de los acordes disminuidos:

1. Sustitución del acorde dominante:

Un acorde disminuido puede sustituir un acorde dominante, el truco esta en partir desde la tercera del dominante y generar el disminuido a partir de ahí:

G B D F sustituir por B D F Ab

Si sobreponemos los dos acordes tendremos un G B D F Ab o Gb9

Ahora lo interesante de esto es que al ser un acorde simétrico el B° podría ser también D°, F° o Ab°, dándonos 4 posibles sustituciones para el acorde dominante.

Como ejercicio les recomiendo realizar la sustitución y mover el acorde por terceras menores y probar las diferentes resoluciones, para este ejemplo en particular hagan la resolución a un CMaj7.

Este concepto se puede aplicar también a las dominantes secundarias, lo que lo hace aun más extenso e interesante.

2. Acorde de paso:

Un acorde disminuido puede funcionar como acorde de paso entre dos acordes:

CMaj7 C#° Dm7

Algunas escuelas afirman que esto funciona exclusivamente si el acorde entra de manera ascendente como en el ejemplo anterior ( de C a D) pero la opción contraria no suena para nada mal, yo personalmente suelo usarla mucho:

DM7 C#° CMaj7
Em7 Eb° Dm7

Como siempre la cuestión es experimentar y probar, este acorde resulta muy útil gracias a su simetría y nos permite hacer unas variaciones armónicas muy interesantes y sobretodo muy bonitas.

Si buscan la manera de improvisarlo usen la escala simétrica, esta escala esta construida con un patrón simétrico de tono, medio tono, tono, medio tono, etc…

Ojala esta la información les sea útil y logren sacarle el mayor provecho.

Por ultimo y como siempre les digo, estudien esto en todos los tonos y experimenten. Lo mejor que la música es que al romper las reglas no le hacemos daño a nadie.

Fuentes internet.teoria.com

La escala de 8 notas o disminuida (también conocida como octatónica)

Esta escala demostrada en el ejemplo 1, consiste de 2das mayores y menores alternadamente [por esta razón también se conoce como tono-semitono-tono a esta escala] y la gran mayoría de acordes que podemos encontrar es de cualidad disminuida. Solamente podemos encontrar 2 modos de esta escala: una que comenzaría con la 2da mayor y la otra que comenzaría con la 2da menor y también solo 3 transportes: la que se demuestra en el ejemplo 2, otra que contiene do# y re# y la otra que contiene re y mi; cualquier otro transporte o modo simplemente duplicarían el contenido del material.

09a

Ya tengo material para aprender las escalas disminuidas y loa acordes disminuidos. Tambien me he dado cuenta que son acordes de paso para ir a la tonalidad en concreto.

 

Engaño musical. Adagio de Albinoni

Fuentes : internet.

Partitura en pdf

Conocida como Adagio de Albinoni, esta obra es posiblemente la composición musical más famosa que existe del Barroco (siglos XVII y XVIII), pero con la salvedad de que no se compuso durante el Barroco ni fue Tomaso Albinoni su autor. En realidad el Adagio en sol menor fue compuesto en 1945 por el musicólogo de origen italiano Remo Giazotto.

Giazotto, que en aquellos tiempos trabajaba recopilando información sobre la obra y vida de Tomaso Albinoni, dijo haber encontrado entre las ruinas de la Biblioteca Estatal de Dresde (destruida tras el feroz bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial) un supuesto fragmento manuscrito en el que tan solo figuraba el pentagrama del bajo y seis compases de la melodía, atribuyéndosela al famoso autor italiano. A partir de ahí (según el propio musicólogo) trabajó en arreglar y terminar la composición, dando como resultado dicha obra, la cual fue publicada por primera vez en el año 1958.

Los expertos musicales de todo el planeta coinciden en señalar que el famoso Adagio en sol menor es una composición enteramente original y compuesta en su totalidad por Remo Giazotto, quien falleció el 26 de agosto de 1998, quedando como el descubridor de la misma y sin recibir ni disfrutar en vida de los debidos reconocimientos como autor de tal magna composición.

Fuentes en el libro:

Curiosidad que forma parte del libro “Vuelve el listo que todo lo sabe” de Alfred López.
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