La letra G en música

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La letra g en música
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Octava letra del alfabeto y séptima nota de la escala diatónica en la notación alfabética, que corresponde al sol de la nomenclatura guidoniana. La letra G puesta sobre el pentagrama para fija la situación del sol ha dado su forma a la clave que lleva su nombre.

Fagina

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FAGINA
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Toque de corneta y tambores usado en el ejercito español para ordenar romper la formación, para volver las tropas a sus cuarteles o para que las compañías vayan a sus dormitorios o tambien para ir a comer. El origen de este toque, que era usado muy antiguamente cuando se situaban plazas, servia en su origen para ordenar a los zapadores emprender el trabajo de construcción de faginas con ramales u otras materias que se aplicaban a diversas utilidades con variadas intenciones.
El toque, tal como hoy se usa, es :

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The Shadows

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ImagenThe Shadows
Todos los midis The Shadows. Aún está en internet . INteresantisimo.
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Sensacional grupo instrumental inglés, surgido en los primeros años 60, que además de sus inolvidables canciones, contenían al magnífico y muy infravalorado guitarrista Hank B. Marvin.

La formación original de la banda estaba compuesta por: Hank B. Marvin a la guitarra, Bruce Welch, guitarra, Jet Harris al bajo y Tony Meehan a la batería.

En 1958, Marvin y Welch formaron parte del grupo de acompañamiento de Cliff Richard: The Drifters. La formación del grupo se consolidó y cambiaron su nombre a The Shadows para evitar cualquier confusión con el grupo estadounidense Drifters.
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El grupo continuó trabajando con Richard, pero en 1959 comenzaron a grabar independientemente. En 1960, en una gira británica, Jerry Lordan (artista de la misma gira) les dió un tema instrumental suyo. La versión de los Shadows alcanzó el número 1 en julio de 1960; la canción era el inolvidable clásico “Apache”.

Este exito estableció la pauta para los exitos instrumentales que se mantuvo hasta la era psicodélica de 1966-67. La formula era muy sencilla: la guitarra de Marvin proporcionaba la melodía y los demás agregaban el fondo.

Tan arreglada, se podría decir que la música de los Shadows era clínica.Sin embargo, fué un ejemplo para miles de jóvenes músicos, especialmente guitarristas. La imagen de los Shadows consistía en trajes iguales y una calma relajada; la furia de las eras del beat y el R&B fué una reacción a su pulcritud uniforme.

Durante este periodo hubo varios cambios en la formación. En 1961 Meehan se marchó, siendo reemplazado por Brian Bennet y después, un año mas tarde, Harris se fué para formar un duo con Meehan. Harris sería sustituido primero por Brian Locking y mas tarde por John Rostill.

Los exitos de los Shadows fueron constantes durante los primeros años 60 en inglaterra, además de “Apache”, sus exitos fueron “Man of Mystery” (número 5) en 1960, “F.B.I” (número 6), “Frightened City” (número 3), “Kon Tiki” (número 1), “The Savage” (número 10); todos estos en 1961. En 1962 triunfan con “Wonderful Land” (número 1),”Guitar Tango” (número 4), y “Dance On” (número 1); en 1963 “Foot Tapper” (número 1), “Atlantis” (número 2) y “Shindig” (número 6); sus últimos exitos en los 60 serian “The Rise and Fall of Flingle Bunt” (número 5 en 1964) y “Don’t Make my Baby Blue” (número 10 en 1965).

En 1968 el grupo dejó de existir y en los 70 los miembros del grupo se interesaron por otras actividades musicales; pero a finales de la década de los 70, el grupo vuelve otra vez al candelero con los temas “Don’t Cry for me Argentina” y “Theme from Deer Hunter” que alcanzan los puestos 5 y 9 en listas, respectivamente.

Aunque su música no ha ejercido una gran influencia, hay pocos guitarristas que toquen como Hank Marvin. Los shadows animaron a una generación de jóvenes a dedicarse a la música. Muchos guitarristas actuales citan a Marvin como su primer ídolo; y lo que queda claro es que un grupo como los Shadows no tiene fecha de caducidad.


Canciones Recomendadas: Apache / Concierto de Aranjuez / Man of Mystery / FBI / Frigtened City / Kon Tiki / The Savage / Wonderful Land / Guitar Tango / Dance On / Foot Taper / Atlantis / Shindig / The Rise and Fall of Flingle Bunt / Don’t Make my Baby Blue / Don’t Cry for me Argentina / Geronimo / The Boys / The Stranger / 36-24-36 / All Day / Mustang / A Place in the Sun.

Duke Ellington

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Duke Ellington 


Duke Ellington en el Hurricane Club (1943)Duke Ellington (Edward Kennedy Ellington; Washington D.C., 1899 – Nueva York, 1974) Pianista, compositor, arreglista y líder de grupo de jazz estadounidense. Se inició en la práctica musical tomando clases de piano a los siete años. Ya en sus comienzos recibió la influencia del ragtime, género de música popular en boga en aquella época y uno de los estilos de los que derivaría el jazz. Con sólo diecisiete años debutó profesionalmente en su ciudad natal. Desde 1919 tocó con varios grupos de la capital estadounidense hasta que en 1922 fue llamado para actuar en Nueva York, el punto de referencia para todo músico de jazz. Aunque no logró triunfar, adquirió la experiencia necesaria para formar su propio quinteto, The Washingtonians, con los que adquirió renombre suficiente como para realizar unas pruebas en el celebérrimo local neoyorquino Cotton Club, en Harlem. A partir de ese momento, su fama y su prestigio se fueron consolidando; las emisiones radiofónicas de sus conciertos se hicieron habituales y las apariciones de Duke Ellington and The Washingtonians en diversas películas, junto a las diversas giras que realizó por Estados Unidos y Europa, contribuyeron a fomentar su creciente popularidad. El quinteto original fue incorporando nuevos miembros, hasta completar un total de doce en sus primeras apariciones en el Cotton Club. A principios de los años 1930, composiciones como Mood Indigo (1930) o Sophisticated lady (1933) se convirtieron en grandes éxitos y marcaron el inicio de la época dorada para el músico y su big band. Hacia el fin de la Segunda Guerra Mundial, abordó la composición de obras de mayor aliento temático y formal, por lo común en forma de suites sinfónicas, como Black, brown and beige (1944), Frankie and Johnnie (1945) o Deep South Suite (1946). Pero en esa misma época el formato de gran orquesta dejó de gustar a un público que, inmerso en la revolución bop, se decantaba por formaciones más reducidas y con mayor peso de un instrumento solista. A pesar de ello, Duke Ellington decidió permanecer fiel a los que siempre fueron su estilo y su manera de entender la música, e incluso aumentó aún más el nivel de exigencia de los componentes de su formación, entre los que se contaron a lo largo de los años figuras como el trompetista Cootie Williams o el saxofonista Johnny Hodges. Su aparición en el Festival de Jazz de Newport en 1956 significó el relanzamiento de The Washingtonians, con los que inició una serie de giras por el extranjero que incrementaron su ya considerable fama internacional. En 1959 se adentró en el campo de la música cinematográfica y compuso la banda sonora de los filmes Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato), primero, y Paris Blues (Un día volveré), un año después. Durante la década de 1960 grabó con una larga serie de jóvenes músicos de gran talento como Charlie Mingus, John Coltrane o Max Roach. Simultáneamente empezó a interesarse por la música litúrgica y compuso piezas como In the beggining of God, que fue estrenada en la catedral de San Francisco en 1965. Permaneció al frente de su orquesta hasta su fallecimiento, momento en el cual tomó el relevo su hijo Mercer Ellington. En su haber quedan numerosos reconocimientos, de entre los que sobresalen los títulos de Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard en 1963 y Yale en 1967, además de la Medalla Presidencial del Honor que se le concedió en 1969. Fue nombrado así mismo miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras de Estados Unidos en 1970, y en 1971 se convirtió en el primer músico de jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo. Según su biógrafo, Derek Jewell, Duke Ellington llegó a escribir unas 2 000 piezas musicales en toda su vida, si bien son incontables las que créo en trozos de papel luego perdidos, que elevarían la estimación a unas 5.000 piezas. 


Discografia 


Early Ellington (1927-1934) 
Jungle Nights in Harlem (1927-1932) 
First Time The Count Meets the Duke : Un monumento al Swing 
Black, Brown and Beige 
Duke and Coltrane :El Duke con el saxofonista. 
Piano Reflections: Ellington con su orquesta. 
And his Mother Called him Bill :Una de las mejores composiciones. 
This one´s for Blanton : obra maestra 
Money Jungle : con Max Roach y Charles Mingus. 
The Great Paris Concert.

Glen Miller

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Carrera musical 


Glen Miller nació en Clarinda , Iowa en 1904. Durante los años 30 trabajó tocando el trombón de varas en varias bandas, ante de formar su propia banda en 1936, aunque no consiguió destacar entre las muchas otras de la época. De vuelta a Nueva York tras la ruptura de la formación, se dio cuenta de que el sonido peculiar de las maderas de su banda, con el clarinete y el saxofón tenor tocando la melodía, con otros saxofones en armonía, se podría recalcar, y que ese sonido le podría distinguir del resto de las bandas. 


Éxitos 
Formó una segunda banda en 1937, que consiguió rápidamente el favor del público, que llenaba sus conciertos, lo que dio lugar a una serie de grabaciones. Desde junio de 1938 Miller dominó los primeros puestos de varias listas de música popular, y se mantuvo así más de una año. A principios de 1940 “In the Mood” estuvo quince semanas consecutivas de número uno, y siguió “Tuxedo Junction” que mantuvo a Miller en el número 1 hasta el verano. El 11 de febrero de 1941 se le otorgó a Miller el primer disco de oro por “Chattanooga Choo Choo”. 


Otros títulos conocidos son “A String of Pearls”, “Moonlight Serenade” y “Pensilvania 6-5000” (que era y sigue siendo el número de teléfono del Hotel Pensilvania en Manhattan). La “Serenata a la luz de la Luna” (Moonlight Serenade) es una de las canciones más reproducidas de toda la historia en EEUU, y actualmente está considerada como LA canción representativa de Miller, y como una de las canciones más importantes de la historia musical de EEUU. 


En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller se alistó en las fuerzas aéreas donde recibió el rango de capitán y donde se encargó de tocar para las tropas estadounidenses desplazadas a Europa. 


Innovación 
Glenn Miller es famoso por sus especiales configuraciones de la sección de viento en su big band, aparte de sus adaptaciones de jazz y blues tradicional (como por ejemplo St. Louis Blues) con ritmos de marcha militar. 


Muerte y misterio 
El 15 de diciembre de 1944, mientras volaba de Inglaterra a París, para dar un concierto en homenaje a los soldados que habían liberado la ciudad, su avión desapareció. Como nunca se encontró el cuerpo de Miller, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo (similares pero anteriores a las teorías de que Elvis Presley no ha muerto, etc.) 

Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia, que se supone desclasificada con muchos otros secretos de guerra, nunca se ha podido confirmar. 

En abril de 1992, a petición de su hija, se puso una lápida en el Cementerio nacional de Arlington. 

Película 
En 1953, Anthony Mann rodó la película biográfica “The Glenn Miller Story”, cuyo título en España fue “Música y Lágrimas”, en la que James Stewart interpretaba a Glenn Miller.

Imitador de Elvis Presley.

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ESTUVO EN COMA Y CUANDO SE DESPERTO ERA ELVIS PRESLEY 




Se golpeó la cabeza y estuvo a punto de perder la vida. Mientras estuvo en coma, sus padres le ponían canciones de Elvis Presley. Al despertar, el joven encontró el sentido de su vida. 


Toni Ciaglia, un joven de 23 años, residente de la localidad de Summerlin, se gana actualmente la vida como un imitador de Elvis Presley. Si bien él nunca había demostrado un interés especial en la música del Rey del Rock and Roll, volvió de su inconsciencia con el claro objetivo de cantar sus canciones. Cuando el público lo ve, no le otorga ningún crédito, ya que Toni no se parece en nada a su ídolo, pero cuando canta, la historia cambia: todo el mundo se admira del increíble parecido de la voz y la forma de interpretar los viejos éxitos del supercantante. Él ni siquiera se viste como Elvis -tal como los clásicos imitadores del Rey- no lo necesita, ya que cuando abre la boca para entonar las primeras notas de “Don´t be cruel” la apariencia pasa a ser en algo totalmente secundario. 


Antes de entrar en coma, Toni no había tenido ninguna afinidad a la música. Era más bien un atleta, fanático de varios deportes. Un verano, en un centro deportivo de Texas, mientras nadaba, una lancha le pasó por encima. El golpe casi lo mata. Sus funciones vitales se detuvieron tres veces mientras estuvo en el hospital de Dallas. Luego se estabilizó, pero los médicos consideraron que el coma era permanente y no albergaban esperanzas de que despertara. Allí fue donde una enfermera le aconsejó a los padres que le pusieran música. 
Aunque es difícil establecer si era capaz de escuchar la música, cuando se despertó le dijo a su madre: “Mamá vos tenés un cassette”. 


Según explica su madre, “empezó a escuchar la cinta una y otra vez, luego trató de recordar las letras, pero él nunca había cantado antes”. Cuando Toni pudo volver a su casa, empezó a cantar sobre las cintas una y otra vez, todavía no podía caminar, así que esa práctica llenó sus días. 


Cuando pudo moverse por sus propios medios se anotó en el concurso de imitadores profesionales de Elvis que se lleva a cabo en Dallas y ganó. Al año siguiente se volvió a presentar, y volvió a ganar. Sus padres decidieron que la familia se debía mudar a Las Vegas, para apoyar la flamante carrera de su hijo. Toni tiene una explicación para lo que le pasó: “mientras estuve en coma, mi alma salió de mi cuerpo y se cruzó con la del Rey”.

Historia del piano

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EL PIANO
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Se puede afirmar que los origenes del piano se piede en la noche de los tiempos. Es tradición en varios tratados hsitóricos, de precisar tales origenes en el monocordio inventado por Pitágoras, instrumento que usaba para la determinación experimental de la leyes de las cuerdas vibrantes, consistente en una cuerda de metal o de tripa tendida sobre una caja de resonancia. Y aunque pueda parecer verosimil, que de tal instrumento (con el consiguiente aumento prograsivo del numero de cuerdas) haya tenido origen, no solo el piano , sino tambien todos los de cuerda que aparecieron en la Edad Media, hoy en día parece mucho más cercana a la verdad hitórica que su origen remonte a otro instrumento, ya conocido en los primeros tiempos griegos bajo el nombre de sambyke, el cual no era más que la antiquisima sabekka o sambuka babilonense, conocida tambien por los Asirios. En Alemania lo encontramos en los tiempos de las cruzadas, con el nombre de : sambjut, y más tarde :psalter (salterio).

En Italia este mismo instrumento era conocido ya, varios siglos antes, siendo muy probable que los italianos lo hayan heredado de las costumbres griegas. El salterio comprndía un número bastante de cuerdas; en efcto , según el gramático Pólux de Naucrates (fin del siglo II d. C.) la sambike poseía treinta y cinco cuerdas tocándose ya directamente con el dedo o bien con el auxilio de un plectro. Pretorio en su Organographia lo denomina instrumento de puerco, porque su forma recuerda una tanto, a la de una cabeza porcina. Y Atanasio Kircher escribia en su Musurgia, que el salterio tocado por una mano experta no le iba en zaga a ningun otro instrumento, tanto por la pureza argentina del sonido, como por la perfección de la entonación. Ningún ejemplar de este instrumento nos ha llegado , pero es posible tener una clara idea del mismo, gracias a las numerosas pinturas y esculturas antiguas. Entre aquellas preciosas imágenes hemos de recordar la que se encuentra en el Triunfo de la muerte de Orcagna, en el cementerio de Pisa en la que el salterio esta representado con las cuerdas divididas en grupo de tres, afinado evidentemente cada grupo al unisono, para obtener mayor intensidad de sonido, precisamente como el piano moderno.
Antiguamente, pianoforte o clavicémbalo. Instrumento de cuerdas percutidas,con teclado,provisto de dispositivos mecánicos que permiten obtener los diferentes matices, de donde procede el nombre de pianoforte, que al principio no fue más que un calificativo del clavicémbalo de martillos.Fué inventado casi simultaneamente a principios del siglo XVIII por Bartolomeo Cristofori, en Florencia ; por Marius, en París, y por Gottlob Schróter, en Sajonia. Se coincide en considerar a Cristofori como el primer fabricante de instrumentos que sustituyó los martinetes de clavicordio por martillos, pero golpeando las cuerdas por encima y que invento el apagadosr. Dió a conocer su invento en 1711 bajo el nombre de gravicembalo col piano e forte. Marius que en 1716 lo presentó lo llamó clavecins à maillets. Shroeter en 1721 , presentó al Elector de Sajoniaun sistema particular de martillos que él aplicó a partir de 1717; el ensayo de Schroeter fue continuado y perfeccionado por Gottfried Silbermann fabricante de órganos en Freyberg (Sajonia) , quien, a partir de 1720 , fabricó los primeros Hammerclavier ,pero no merecieron la aprobación de Juan Sebastian Bach; él fué el primer y principal propagador de este antepasado del piano moderno en Alemania, en donde los pianos de mesa aparecieron en 1758. Zumpe , uno de los obreros de Silbermann, llevó a Inglaterra en 1760 los procedimeintos de su maestro. Por primera vez se oyó el pianoforte en Londres en 1767

Hacia 1770. el hijo menor de Bach ,Johann Christian, fué el primero que tocó en público en un pianoforte. Más de medio siglo pues tardó el instrumento en desalojar el clave de la práctica y del favor de los músicos y del público.

En 1768 Harry Walsh dió un concierto en Bublin (Iralanda) para presentar el tan admirado instrumento llamado el forte piano, y el fabricante de órganos y clavichémbalos F. Weber , amigo de Häendel, estableció en 1770 la primera manufactura de pianos. El nuevo instrumento se hizo de uso general en Inglaterra , en donde empezó a sustituir al clavicémbalo en la orquesta . Aún existe en la actualidad un piano de Weber, que lleva fecha de 1774. En 1765, en Londres se hizo probar al joven Mozart un piano de dos teclados , del fabricante de intrumentos musicales Tschudi, imtento que no tuvo el menor exito. El piano penetró en Francia hacia 1760, desde Londres, donde su fabricación era muy activa . M. de Brinqueville ha citado una mención de venta de un piano en París , ya en 1759. En 1769-70, Virvés hijo, de nueve años de edad tocó en París en el Concert Spirituel , con un nuevo instrumentos de martillos, especie de clavicénbalo, de forma semejante a los de Inglaterra , y que fué hecho en Alemania siguiendo los principios de señor Virvés; éste era organista en Saint Germain l`Auxerrois ; se ocupaba activamente en la fabricación de instrumentos de música, y estuvo trabajando en tal instrumento desde 1766. En 1772, el célebre organista Balbastre presentó él mismo a los oyentes del Concert Spirituel un nuevo fortepiano aumentado con un mecanismo de flauta.
Los anuncios de los periodicos franceses ofrecen a munudo pianos, a partir de 1772 aproximadamente. En 1776, ya había dejado de ser un objeto raro.La supremacia en la fabricación fué conquistada bien pronto en Francia por el alsaciano Sébastien Érard, establecido en París en 1775, y que, junto con su hermano, empezó construyendo sus pianos con dos cuerdas y cinco octavas.Construyó su primer piano en 1777, y en pocos años sus instrumentos superaron a todos los de Francia, Inglaterra y Alemania. Hacia 1786 estaba definitivamente asegurado el uso del pianoforte y Érard dió más impulso a sus inventos; construyó pianosde mesa de tres cuerdas. modificó el calíbre de éstas, agregó un doble pivote al mecanismo de los martillos, produjo en 1790 ,pianos de mesa de gran tamaño, y en 1796, pianos de cola de tres cuerdas y cinco octavas. Pascal Taskin tabién fafricó algunos pianos hacia 1786-1790.

PIANO
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En dicha época, en el mecanismo no figuraba ningún sistema de escape, aunque el principio de éste se cococia desde hacia mucho tiempo. Los martillos estaban guarnecidos de cuero; el fabricante Pape, de origen alemán, pero establecido en París, fue quien revistió por primera vez los martillos de fieltro, hacia la misma época. En un piano de Taskin conservado en el museo de Belin, cada sonido lo da una sola cuerda doblada en una de sus extremidades, en lugar de darlo dos cuerdas vecinas y separadas; esta cuerda única está retenida en su doblez por un gancho con rosca, que regula sus tensión. Fue este un invento de Taskin que fue reproducido después , pero que no se extendió mucho. En 1789, Southwell, de Dublin, que habia sucedido a Weber, inventó en piano vertical, y lo amplió a seis octavas, de fa a fa,, extendiendo su parte aguda; presentó su instrumento en Londres en 1793, y pronto se atrajo las felicitaciones de HAYDN;
400x348px - 19.9 KbytesPiano de la fábrica de Broadwood en el que compuso Beethoven sus últimas sonatas. Backer y Broadwood, importantes fabricantes londinenses de instrumentos de música, rivalizaron con sus colegas de Irlanda; este último que perfeccionó el sistema de mecanismo seguido por Cristofori y SILBERMANN ( origen del mecanismo llamado inglés), presentó a su vez un piano de seis octavas, pero de do a do. A partir de 1795 o 1976, el ilustre pianista CLEMENTI emprendió la tarea de perfeccionar el instrumento, y por espacio de seis años se dedicó exclusivamente a la construcción de pianos; existen todavia pianos de su marca, cuya firma continuó por espacio de mucho tiempo su explotación, y se alaba la elegancia discreta de su forma y la admirable nitidez de sus sonidos, por los que algunas muestras supervivientes aún son todavía un motivo de orgullo. En la misma época , el excelente maestro de capilla de la catedral de Estrasburgo Ignacio Pleyel, cuyo cargo fue suprimido por la revolución, marchó a París , atraido quizá por S, Érard (1795)y, después de fundar un almacén de música, a partir de 1805-1807, púsose a fabricante de pianos. I. Pleyel introduce en la construcción de este instrumento perfeccionamientos en parte personales y en parte tomados del inglés Broadwood. En 1810 anunció su piano con tamboril, en el que un pedal golpea una membrana provista o no de cascabeles; entonces se aseguraba que no es posible imaginar el atractivo que esta adicción da al piano.
Imagen Pero fue Érard , en 1822, quien alcanzó el punto de perfeccionamiento de la fabricación mediante el invento de su mecanismo de doble escape, que estuvo buscando por espacio de cuarenta años. A partir de aquel momento rivalizaron las manufacturas de Pleyel y de Érard, y las casas de eston nombres figuran aún , en la actualidad, entre las primeras marcas del mundo.
277x400px - 18.5 Kbytes Imagen romántica de Beethoven componiendo su sonata Claro de Luna.
En la fabricación de un piano moderno entran diferentes clases de madera: roble, haya, abeto y nogal de América para la armazón en que estan tendidas las cuerdas; peral, cormal, carpino y arce , para el mecanism; tilo. para el teclado; maderas exóticas para el chapeado del mueble; acero fundido para el marco de una sola piezaque constituye el esqueleto del piano, hierro forjado o acero para los bordes, alambre de acero envuelto en un alambre de cobre enrescado para los bordones,etc; además ébano y marfil para las teclas , y piel de búfalo y paño para el mecanismo. La tensión de todas las cuerdas reunidas de un piano puede alcanzar una fuerza de 24 toneladas. La exactitud del sonido ya la calidad de su timbre dependen de la tensión de la cuerda y del punto en donde la golpea el martillo .
La calidad de la pulsación se manifiesta gracias a la sensibilidad que da el mecanismo el sistema de doble escape . Después de 1870, unos obreros alemanes empleados en las manufacturas francesas trasportaron a Alemania y a América los secretos de Érard y Pleyel, y hasta época no empieza la nombradía de la fabricación alemana y norteamericana de pianos.
El piano, derivado del clavicordio, influyó a su vez a éste: hacia 1720 se construyeron clavicordios independientes, con una cuerda por cada tecla; enseguida se les aplicó el sistema de los apagadores. Pero ello no logró salvar al viejo instrumento Por otra parte, se dice que el piano tomó de la espineta el pedal de sordina, innovación que se atribuye al fabricante Pietro Prosperi, de Siena, hacia 1700. Pero no parece que fuese de empleo corriente. Sin duda este pedal fue la caracteristica de los clavecines celestes de Southwell, en 1779, y se le vuelve a encontrar con el mismo nombre de los pianos, hacia 1830.
El pedal senza sordini, que levanta los apagadores, no aparece en las partituras de obras para piano hasta la op. 40 de Clementi (1705) , en el final, en pp, y aún no lo usó mucho hasta 1804, en la primera edición de sus Obras completas. Aparece después en op. 10 núm. 1 de Beethoven (1787), en el pp del fin del adagio, y luego en la op. 26 (1801) a partir de la variación v, pero el compositor no lo emplea corrientemente más que en su op. 31, núm. 2 (1802). El pedal unicordio, con apagador o sin él, desplaza el mecanismo de los martillos, de tal manera que éstos solo golpean una cuerda a la vez. Ya casi no se fabrica, y ha sido suplido por la sordina. Por último, el pedal de tamboril sólo tuvo una existencia efímera. Los pianos generalmente no tienen más que dos pedales: el pedal sordini a la derecha, y el de sordina o celeste ( o alguna vez, en su lugar, el pedal unicordio) a la izquierda.
Como se hizo con cierto número de clavicémbalos antiguos, se fabricaron para el piano teclados de pedales o pedaleros, Schumann, en Alemania (en 1845, y Boëly, en Francia, en el transcurso de toda su carrera escribieron tan solo unas piezas para pianocon teclado de pedales (última edición de Boëly ,op. 18, 1855). No es necesario hacer resaltar el creciente favor del pianoforte a partir de la época de su perfeccionamiento, desde 1770 aproximadamente. Mientras Voltaire comparaba desdeñosamente su sonido con el de un caldero (1774), y hacia resaltar, en cambio, la exquisita sonoridad de los clavicembalos, los virtuosos se habituaron poco a poco al nuevo instrumento. Las promeras sonatas de Haydn, de Mozart y de Clementi aún estan compuestas para clavicémbalo; a partir de 1777 se ve que ordinariamente llevan la indicación : para clavicémbalo o pianoforte; poco a poco pasa a último término el primero. Beethoven escribe únicamente para piano ( su primera sonata es de 1795). En 1822, Cherubini, director del Conservatorio de París, ya se manifestaba alarmado por el excesivo número de alumnos de piano ( 41 mujeres y 32 hombres ) que estaban presentes en el momento de su llegada; encuentra que esta abundancia es abusiva y perniciosa y se propone reducir a 15 o 20 para unos y otros el número de admisiones. Una disposición publicada unos días después de la fecha de su carta fijaba dicho número en 15 alumnos y 3 oyentes para cada sexo ( 31 mayo 1822).
La música de piano se escribe sobre dos pentagramas
, por lo común uno para cada mano, y que se reparten a la vez la extensión del teclado y el cometido de cada mano. Suele escribirse con clave de sol en segunda linea la parte destinada a la mano derecha, y con clave de fa en cuarta linea, la parte correspondiente a la mano izquierda. Boëly, en la primera edición de sus Caprices (1812) , usaba todavía la clave de do en cuarta linea para ciertos pasajes de la mano izquierda, que en agudo iban más allá de la extensión de la clave de fa. Pero como iba perdiéndose entre los pianistas el uso de la clave de do, en la segunda edición de la misma obra hubo que sustituirla por las demás claves que se habian hecho corrientes. Para reemplazar la clave de do, y en especial para hacer más clara la disposición armónica de las partes y la de una melodía central esencial, algunos pianistas románticos empezaron hacia 1830 a escribir en ciertos casos algunos compases en tres pentagramas: Liszt, Schumann, Henselt. En nuestros días la escritura de música de piano en tres pentagramas es cada vez más frecuente, tanto para distinguir el movimiento de las partes y hacer resaltar un tema, como para evitar las lineas adicionales en la clave de fa, y facilitar la lectura de los pasajes que exigen un cruce de manos. Ejemplos de disposición de tres pentagramas vense en Las Goyescas (1912), números 2 y 4; sonata d´Indy, op. 63 (1907). En la música moderna no suelen usarse tres pentagramas, ni en el jazz, solo se usan los dos pentagramas.

En cuatro pentagramas , Preludio , de Rachmaninov.

Piano de boca : término criollo con el que se designa una armónica con lengüeta de metal.

Piano mecánico : inventado y contruido en París por Debain, hacia 1850. Su sistema consistía en añadir a un piano vertical una segunda serie de martillos puestos en movimiento por un sistema de palancas. Se construyeron otros pianos sobre principios análogos. El modelo llamado simplemente piano de manubrio se extendió mucho en Italia e Inglaterra. Desde fines del siglo XIX se produjeron gran número de sistemas diferentes, que se disputaron la clientela de aficionados no músicos , de cafés; la pianola, patentada en 1898 funciona con mecanismo de aire comprimido. Consiste en un aparato adaptado al teclado de un piano ordinario y movido por un sistema de pedales, que acciona el desarrollo o despliegue de papeles perforados que contienen la notación de la obra que ha de ejecutarse. Cada agujero determina el movimiento de una semitecla que golpea la tecla deseada del piano y substituye los dedos del ejecutante. Dos dispositivos combinados regulan el grado de velocidad de este martilleo. Los fabricantes han imaginado varios perfeccionamientos para obtener matices de movimiento e intensidad. El sistema llamado metrostilo consiste en un trazado sinuoso que en toda su longitud lleva el rollo de papel perforado, y que sirve de guía a una aguja moderadora.

GRANDES PIANISTAS DE LA HISTORIA

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Una de la razones que explica la enorme importancia que tiene el piano en la historia de la música, reside sin duda, en el hecho, que , desde Clementi, todos los grandes compositores fueron al mismo tiempo insignes técnicos del teclado, a excepción de Berlioz y de Wagner. Ya antes del advenimiento del piano,, los más grandes músicos, habian sido a la vez virtuosos , ya del órgano, o del clave
, y en menor escala del violín. De este hecho se deduce evidentemente, el porque de la función que tuvo el piano como instrumento inspirador de obras maestras, como tambien explica la considerable influencia que tuvo en la evolución de la música en general y particularmente en la armónica y aún en la orquestación. Por otra parte, se puede observar, que no es sólo suficiente un buen conocimiento teórico de la técnica pianística, para escribir música, con la consiguiente pretensión de valorizar plenamente los infinitos recursos del instrumento, ( como puede acontecer con el violín o el violoncelo, instrumentos para los cuales grandes maestros han escrito conciertos sin saber tocar ni uno ni otro), pero si, es indispensable que el compositor sea al mismo tiempo un pianista virtuposo.Condición esencia plenamente confirmada por la historia.

Uno de los primeros músicos ,aunque no se encuentre entre los pianistas propiamente hablando, fué sin embargo , el que echó las primeras bases de la técnica moderna del piano: este es Karl Philipp Emanuel Bach, hijo de Johann Sebastián, (1714-1788). En su famoso Versuch über die wahre Art das Klavier zu spielen (Berín, 1759 y 1762) , él , encaminado por la enseñanza paterna establece ciertos principios esenciales de la ejecución pianística, mediante los cuales, la digitación encuentra por primera vez una estabilidad racional y definitiva, especialmente en lo que se refiere al uso del pulgar, del cual, Bach “junior” reconoció finalmente su gran importancia, fijando los puntos de apoyo en las diferentes escalas, Y se anticipan tambien a auqellos tiempos los múltiples consejos y observaciones del autor, a fin de conseguir un estilo cantábile, preocupación evidente en ese hermoso libro, cuya lectura aún hoy día puede reportar sumo provecho.

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Piano de Cristofori

El primer nombre de auténtico pianista que encontramos en la historia, es el del romano Muzio clementi (1752-1832), llamado con todo derecho “padre del piano”. De su admirable arte de ejecutante dan fe las crónicas de su tiempo. Su escritura pianística nos pone ya en presencia del nuevo estilo instrumental, posible ahora por la invención de Bartolomeo Cristofori: sonoridad vigorosa y compacta en cada nota, contraste constante entre ligado i picado, limitación considerable de los antiguos adornos y, finalmente, gran variedad de colores. Son éstos los elementos que constituyen el nuevo arte, y que fueron realizados plenamente por Clementi, espiritu fundamentalmente clásico, educado en las más severas disciplinas de la polifonía, y en fin, creador genial de magnificas Sonatas para piano, como tambien de varias magistrales Sinfonías, algunas de las cuales recientemente dadas a luz por Alfedro Casella. Otro gran título de gloria del autor del Gradus, reside en la gran influencia que su arte pianístico ejerció sobre Beethoven, influencia confesada por éste mismo.
Es conocida la rivalidad entre Mozart y Clementi , ambos tocaban diferente, Mozart nació cuatro años después que Clementi. Tocaba Mozart el clave pero no ignoraba el piano, lo tocaba en los conciertos, pero ejercia el piano poca influencia en él.Clementi fue muy entusiasta del piano desde muy joven, convirtiendose en su más convencido y combativo defensor, publicando ya en 1770 sus tres Sonatas para piano op. 2, pudiéndose considerar desde muchos años, como un pianista. Es probable también que el tipo de piano utilizado por ellos haya influido en su diferente estilo: en efecto Mozart usaba pianos vieneses, muy fáciles y brillante, mientras que Clementi tocaba en pianos ingleses, de sonoridad mucho más potente, más llena, ofreciendo por consiguiente los medios de un pianismo más sinfónico. Por estas razones, hoy se puede precisar aquella famosa rivalidad entre Mozart y Clementi como el contraste entre dos opuestas tendencias: la que encontraba una completa suficiencia fónica para su lirismo, en un piano que aún no se separaba netamente del clave, y la otra, caracterizada por un espíritu inquieto, ávido de porvenir que buscaba febrilmente de aprovechar en su mayor grado los infinitos recursos del nuevo instrumento.
Al lado de Muzio Clementi, otro nombre italiano, más o menos contemporáneo , merece ser citado : es el de Francesco Pollini (1763-1846), insigne pianista y compositor de mérito, que fué el primero que introdujo la escritura pianistica en tres pentagramas, precediendo por lo tanto a Listz y a Thalberg, quienes fueron considerados, y aún lo son, como autores de esa importante innovación.

(El nombre de Jan Ladislav Dussek (1760-1812) , pianista compositor que gozó en sus tiempos de difundida fama, hoy ya no perdura más que por su Método (publicado en 1796), el cual ofrece aún alguna utilidad). Entre los contemporáneos de Clementi, que desarrollaron las conquistas del Maestro , encontramos cinco nombres, que forman un grupo que podríamos denominar técnico, por la acción desarrollada en el sentido de una rápiada perfección del mecanismo pianístico. Estos son : Johann Baptist Cramer (1771-1858), Johann Nepomuk Hummel /1778-1837), John Field (1782-1837), Friedrich Wilhem Michael Kalkbrenner (1784-1849) e Ignaz Moscheles (1794-1870). Estos cinco maestros, todos pianistas compositores, han dejado una huella de indudable importancia en la historia pianística, constituyendo la unión , por asi decirlo para definir sintéticamente su acción , entre el pianismo de Clementi y el de Chopin.. Aunque tales maestros hayan sido muy mediocres compositores, no es menos cierto de loa que ha perdurado de su producción, basta para ilustrar fehacientemente la utilidad de sus actividades pianísticas. Hummel es sin duda quien de los cinco tuvo mayor influencia sobre Chopin, como se puede comprobar en dos conciertos juveniles del gran polaco. Cramer había permanecido más cerca de Clementi, Field, discípulo de Clementi, ejerció tambien una cierta influencia sobre Chopin, no solamente inventando antes que éste, la forma del Nocturno, sino sobre todo por el estilo pianístico, de suprema elegancia y de exquisita gracia. Kalkbrenner, autor de innumerables piezas pianísticas, como la mélancolie et la gaîté, La solitude, Le brigantin ou le voyage sur mer…
fué gran técnico, contribuyendo francamente en la actividad del grupo. Moscheles, aún hoy, deja al estudioso sumo provecho, y el primer Chopin lleva rastros evidentes de su influencia, aunque no tan visible como la de Hummel.
Al lado de este grupo de cinco nombres bien conocidos por todos los estudiosos , hemos de recordar el del insigne Karl Czerny (1791-1857), el genial pedagogo , que supo coordinar todas las actividades y todas aquellas adquisiciones, orientando en forma definitiva el virtuosismo del piano. Franz Liszt fué su discípulo . Czerny , hombre de excepcional cultura general, fué sis duda el más grande enseñante que recuerda la historia de nuestro instrumento. Su imaginación didáctica era incalculable. Creó el principio de que no es suficiente un único método, pero si tantos métodos cuantos sean los alumnos. Entre sus méritos mayores, deben recordarse la primera edición del clave de Bach, utilizada aún hoy, edición que no fué mejorada por tantos largos años; la primera edición (Viena 1839), de un volumen de Sonatas de Scarlatti ( esta publicación se debe en parte al entusiasmo que Liszt profesaba al gran Domenico), y en fin, la estupenda síntesis general que constituye un esfuerzo cultural vedaderamente excepcional que cierra su gran escuela del piano, y que , bajo el título de Kunst des Vortrags (arte de la interpretación) enseña cómo se ha de ejecutar cada uno de los compositores : Mozart, Haydn, Clementi, Cramer, Beethoven, Ries, Hummel, Moscholes, Meyebeer, alcanzando finalmente hasta Thalberg, Chopin y Liszt.

Es un tanto dificil imaginarse cómo se desenvolvía la vida concertística a principios del siglo pasado. El número de conciertos era tal, que los artistas con cierta frecuencia, daban hasta dos por noche. Las salas estaban llenas hasta el tope de un público radiante de felicidad y con una sobreabundante dosis de buen humor, que aplaudía más o menos en la misma forma atronadora cualquier número que se le presentara, Los programas eran inverosímiles, y reinaba en ellos la más amable confusión de todos los géneros musicales. Kalkbrenner ejecutaba, por ejemplo, piezas como Le reveil du lion o souvenir de mon premienr voyage, y después una oruqesta interpretaba una Sinfonia de Beethoven. Otra noche, la Malibrán (célebre soprano (1808-1836) , se sentaba al piano acompañándose ella misma un rataplán, y después cantaba canciones andaluzas con acompañamiento de guitarra, ejecutada tambien por ella. A la Malibrán le seguía una duquesa inglesa , que el programa presentaba como la titular de la más fea voz nasal del mundo, cantando Home sweet home. Thalberg tocaba valses vieneses, con obligatem Schnippchen (golpecitos dados sobre la tapa del instrumento). Moscheles solía despertar un verdadero delirio en el público , tocando con la mano al reves y el puño cerrado.

Además constituían la base de los programas, ciertas fantasía sobre motivos de óperas, o bien variaciones de cantos populares italianos, españoles, escoceses, irlandeses, polacos… Al principio , el piano era muy pocas veces tocado solo, y era siempre acompañado por la orquesta. Sin embargo, su uso como instrumento solista se desarrolló rápidamente. Los pianistas eran casi todos compositores y, como tale, tocaban casi siempre en forma exclusiva su propia música, que consistía ante todo en trozos fúnebres de circunstancias , tales como Le tombeau de Bethoven o de Schubert; luego se sucedían los recuerdos de viajeen los que pasaban todas las ciudades ríos y montañas de Europa, con títulos como los siguientes : Les charmes de París, o Le retour á Londres; los incendios que constituían tambien una fuente de inspiración en aquellos tiempos, si nos atenemos a la copiosa cantidad de títulos como : L´incendio di Mariazell o Le ruine dell´incendio di Vienna-Neustadt, o L´incendio al villaggio vicino.Los mismos compositores eran eximios improvisadores, y como tales tenían que compilar un programa de acuerdo a lo que el público se le ocurriera pedir. Mas, con el correr del tiempo fué penetrando en el teatro una mayor seriedad artística; en efcto, las Cortes cesaron ya de cenar ostensible y ruidosamente durante los actos; las cantantes abandonaban sus arabescos y carcajadas y, por fin, se dejo de silbar al tenor que no hubiera dado la mano a la dama durante un dúo. Y así, tambien el concierto dejó de ser un pasatiempo mundano, tendiendo cada vez más a elevarse hacia una mayor austeridad y una intensa religiosidad.
Alfredo Casella (el piano).

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MUZIO CLEMENTI

Beetthoven ocupa en la historia del piano, la misma altura a la que llegó con su sinfonismo. Muchos de sus contemporáneos nos dan fé de sus notables cualidades pianísticas : Beethoven , dice Ries, ejecutaba como una fuerza de la naturaleza . No se admira en él ninguna ostentación de bravura técnica, ningun virtuosismo vanidoso que tuviera por fin a si mismo, al contrario, todos quedábamos asidos por esa manera de tocar tan expresiva y grandiosa. Era en realidad un estilo netamente personal, mediante el cual la música parecia a veces, encauzar y combatir , o bien impedir y murmurar ( Oscar Bie, Das Klavier und seine Meister). El ritmo era el alma de su ejecución, y sobre éste, basaba cualquier tecnicismo pianístico. En la Biblioteca del Estado de Berlin se encuentra un ejemplar de los Estudios de Cramer, en el cual Schindler anotó una serie de observaciones de Beethoven ( que mucho estimaba tales estudios). Se trata de comentarios musicales y técnicos como sólo podría formular un gran creador, quien sabía entresacar de esas composiciones, el verdadero valosr expresivo, ahi mismo donde otros no veían otra cosa que un significado didáctico. Subordinaba a la expresión cualquier problema mecánico, considerando siempre la técnica como un simple medio de poder alcanzar aquélla . Beethoven supo de inmediato infundir al piano un nuevo potente impulso y el instrumento conocío a través de sus creaciones, una evolución técnica que no ofrece un ejemplo similar la historia del mismo. Es suficiente para comprobarlo, confrontar las tres primeras Sonatas op 2 (1794(, con la ciclópea sonata op. 106 (1818), para cercionarnos de la inmensa y prodigiosa evolución experimentada. Beethoven entra dentro de los grandes maestros que alcanzaron fama como virtuosos de su instrumento.

El primero de lor románticos , Karl Maria von Weber (1786- 1826), fundador de la ópera nacional alemana , fué también un concertista de piano de gra valer que abandonó prematuramente la profesión de virtuoso, no por haber dejado de alcanzar grandes éxitos , sino porque su doble carrera teatral, de compositor y de director, no le dejaba tiempo disponible para otra actividad. De todos modos , sus obras pianísticas no pueden dar una clara idea de su manera de tocar: nerviosa, brilante, caprochosa, embellecida con una sensibilidad expresiva como pocos pianistas han alcanzado.

Al lado de Weber , encontramos los nombre de Felix Mendelssohn-Bartoldy (1809-1847) y de Robert Schumann (1810-1856)- En la carrera poliédrica y meteórita de Mendelssohn, la actividad del pianista ocupa una gran parte. De Schumann, sabemos que habia iniciado una brillante actividad de concertista, truncada más tarde por un desafortunado percance, que se ocasionó en un dedo. Pero tuvo como compañera de arte y de vida , a la más grande pianista del siglo pasado: Clara Wieck (1819-1896), quien después de la muerte de su esposo , dedicó integramente su incansable energía y su admirable talento de ejecutante en la difusión de aquella obra de arte.

Poco antes de Wieck, otra mujer había obtenido grandes éxitos, dejando un nombre de sólida fama: Marie-Félicite-Denise Mooke (1811-1875), esposa del célebre constructor de pianos, Camille Pleyel. Fué discipula de Mocheles y de Kalkbrenner, Chopin tuvo por ella una gra admiración.

Fuentes : el mundo de la música, tomos varios, internet, biografías.

El caderón

Partituras

El calderón

Es un signo en forma de semicirculo con un punto en su interior. Se coloca encima o debajo de una nota o pausa y su efecto en interrumpir, a voluntad, la marcha del compás en esta nota. Lo voluntario en la duración de este efecto, hace que este signo aparezca , con preferencia, en la última nota de una obra.

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