Hoquetus

En primer lugar habría que explicar en qué consistía el hoquetus en la
polifonía medieval. Este término latino, escrito también hoketus,
ochetus, oketus, en francés hocquet y hoquet, en italiano ochetto, en
inglés hocket, define una peculiar técnica o procedimiento musical muy
usado en los siglos XII y XIII consistente en repartir una melodía entre
varias voces, pero de forma que no se pierda su línea. Se reparte
normalmente entre dos voces, en pocas ocasiones entre tres, con notas
aisladas o breves grupos de notas, una parte teniendo el silencio
mientras la otra suena. Son numerosos los motetes del siglo XIV que
incluyen pasajes en hoquetus, pero los teóricos del siglo XIII
consideraban al hoquetus como una forma musical independiente y no sólo
una técnica para ser empleada dentro de una composición más extensa,
como era el motete. Se refieren probablemente a las piezas donde la
técnica del hoquetus se utiliza conscientemente entre las dos partes
superiores. Y no decimos voces superiores para no confundir, ya que
suelen ser obras instrumentales, destinadas seguramente a ministriles de
viento, es decir, a quienes tañían instrumentos más apropiados para
emitir notas aisladas o fragmentos breves de notas que los de cuerda. En
realidad, el hoquetus debió proporcionar a la cultura europea los
primeros ejemplos conocidos de música instrumental

Motete

El motete
alcanza en el siglo XIV una organización racional y abstracta que
parece tener poca relación con las solemnes circunstancias para las que
es compuesto. Con frecuencia escrito a tres voces , a veces a cuatro en
la segunda mitad del siglo, superpone a un tenor isorrítmico,
generalmente instrumental, dos voces superiores, el motetus y el triplum, caracterizadas por la plurerextualidad y la variedad de sus ritmos.La cuarta voz, el contratenor, tambien instrumental, zizzaguea en torno al tenor y progresa con él en valores largos siguiendo la estructura colortalea.Esta estructura rítmica del motete, determinada por los taleae, puede aplicarse igualmente a las voces superiores y corresponderse con la forma estrófica del texto de estas últimas.
De este modo, a partir de un plan melódico y rítmico, nace poco a poco
toda una organización basada en la forma y sostenida por la armonía y el
ritmo. En consecuencia, si el motete es objeto de una
recelosa vigilancia por parte de la iglesia, es porque los hombres que
lo escriben rompen, por la libertad y autonomía que revelan, el orden
social y la organización de un mundo controlado por ella. Los valores
profanos invaden los valores sacros. La cultura de los clérigos se ha
vuelto laica. Basta con citar las múltiples divisiones de las notas, la
independencia de las partes superiores y su parentesco con las formas
profanas del virelai y de la balada , la presencia de hoquetus, el empleo de textos profanos (en latín, en francés, o los dos juntos). en los motetes de Felipe de Vitry, y mejor aún, en los de Guillaume de Machault, encontraremos el modelo del género.
Felipe de Vitry (1291-1361) . Todos sus motetes, excepto uno, Gari selon nature, están en latín. Las dos voces superiores entrelazan sus melismos por encima de un tenor isorrítmico. Los motetes
7,11 y 14 en la edición de Leó Schrade toman un contratenor
instrumental. La isorritmia puede ser ampliada parcialmente a dos o
varias partes o,más brevemente a todas . El ritmo trocaico(larga/ breve)
continúa siendo importante.
Vitry opta en sus motetes
por adaptar al texto una linea melódica estilizada en lugar de traducir
su contenido afectivo o expresivo. Este procedimiento , que favorece la
contrución rítmica más que la prosodia, este predominio de la ciencia
en detrimento del lirismo, rinde tributo , por otra parte, al estilo
intelectual y escolástico.
Guillaume de Machaut (1300-1377). Aunque la articulación melódica de la música profana de Machault
esponde más a la articulación sintáctica del texto, la preeminencia de
la melodía tambien estelizada, sin embargo establece un equilibrio más
afortunado entre el rigor y la expresión . Más próxima al texto por su
aspecto melismático, la melodía se caracteriza sobre todo por su
estructura métrica que sigue estrechamente la isorritmia. Por otra
parte, la frecuencia de los hoquetus al final de la obra muestra perfectamente la voluntad de conceder a la estructura mayor cuidado.
De sus veintitres motetes, diecinueve son a tres voces y algunos ilustran la tendencia a introducir un contratenor dentro de la polifonia. Machault
confirma la tendencia a lo profano; quince piezas llevan dos textos
franceses diferentes, frente a sólo dos piezas con textos latinos y
franceses superpuestos.
La isorritmia se sitúa en niveles muy profundos en el motete del siglo XIV : veinte motetes de Machault estan compuestos según la estructura rítmica y melódica, sin que a pesar de todo dependan totalmente de ésta. Lólo los motetes 4 y 13 están construidos isorrítmicamente en su integridad, Prueban, por tanto, que Machault no abusa de ningún sistema.
Más elaborado todavía , el procedimiento de isoperiodicidad del tenor con disminución de los valores se practica en diez obras. Todos estos procedimientos empleados por Machault revelan la importancia que ha adquirido la parte vocal superior sin duda por la influencia de la cantinela en detrimento del tenor. Otra innovación que encontramos en Machault : las entradas sucesivas de las voces.


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Como en los motetes de Vitry,
la imitación muy representativa de la vida rítmica y melódica que anima
a las voces superiores afirma una voluntad cada vez manifiesta de
cohesión y homogeneidad. El hoquetus, que también
participa en esta elaboración de la estructura, puede aparecer de forma
ocasional, sobre todo al final de las piezas, o bien sistemátic amente,
de principio a fin, convirtiéndose en un género independiente.
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Historia de la música (Espasa)

Triada. Triada do mayor. Gráfico.

Las tríadas son acordes de tres notas cuya característa más importante es que se forman a partir de intervalos de tercera.
Por lo tanto, y mirándolo desde otro punto de vista, la primera nota de la tríada y la última forman un intervalo de quinta que, según que quinta sea, tendremos un tipo de tríada u otra.
Como hemos dicho antes, tenemos diferentes tipos de tríadas según la clase de intervalo de tercera y quinta que posea. Aquí están los tipos de tríadas:

  • Tríada mayor: está formada por un intervalo de 3ª mayor y una quinta justa.
  • Tríada menor: este tipo de acorde lo constituye un intervalo de 3ª menor y una quinta justa.
  • Tríada aumentada: lo forman un intervalo de 3ª mayor y una quinta aumentada.
  • Tríada disminuida: es el intervalo de tercera menor y otro de quinta disminuida los que forman este acorde.

Para ver mejor los acordes estoy realizando nuevos dibujos. Poco a poco lo voy mejorando. Asi aprendo mejor a tocar en el piano los acordes, y todos aprendemos.

Mili Balakirev .Sinfonia

Fecha de Nacimiento: 1837-1-2 en Nizhny-Novgorod
Fecha de Muerte: 1910-5-29 en San Petersburgo

Nacionalidad: Ruso

Período: Nacionalismo

Biografía:

Nacido en una familia aristocrática, Balakirev recibió sus primeras lecciones de piano de su madre. A los diez continuó los estudios de piano con Alexander Dubuque y Karl Eisrich.
Trabajando como asistente de Eisrich, participó en eventos musicales
con la orquesta privada del rico terrateniente Alexander Ulibishev. Fue
por esa época que hizo sus primeros intentos creativos, aunque solamente
de tipo amateur.

Cuando en 1853 llegó el momento de elegir una
carrera, Balakirev se matriculó como estudiante de matemáticas en la
Universidad de Kazan. Durante ese periodo continuó enseñando piano e
interpretando ocasionalmente, pero también siguió con su preparación
como ingeniero.

En 1855 Balakirev acompañó a su amigo y patrón Ulibishev a San Petersburgo, donde conoció, casi por casualidad, a Mikhail Glinka.
Esto cambió el curso de su vida. Motivado por Glinka decidió dedicarse
por completo a la música. Al año siguiente realizó su debut público como
pianista y compositor estrenando su propio concierto para piano. Esto
condujo a otras presentaciones y composiciones en los años posteriores.

Hacia comienzos de la década de 1860, Balakirev ya contaba con varios artistas a su alrededor y promovía aquel ideal de Glinka
sobre la creación de un idioma musical nacional distintivo e
independiente, contrario a los estilos germanos preferidos por los
hermanos Rubinstein.

En 1863 comenzó a dirigir
con regularidad en la recién inaugurada Escuela Libre de Música en San
Petersburgo mostrando tanto su trabajo como el de sus alumnos. Balakirev
encabezó entonces el grupo de compositores concido como Los Cinco Rusos
y que además integraban Mussorgsky, Borodin, Cui y Rimsky-Korsakov.

Después
de pasar varios meses en la región rusa del Cáucaso absorbiendo
elementos de la música folclórica de la zona, Balakirev reemplazó a
Anton Rubinstein como director de la Sociedad de Música Rusa en 1867. Al
año siguiente fue nombrado director de la Escuela Libre. Sin embargo,
problemas personales y económicos le obligaron a aceptar un trabajo en
el ferrocarril de Varsovia. Lamentablemente fue despedido y en 1874 dejó
su cargo en la Escuela Libre, desapareciendo casi por una década.

Mostrando cierta recuperación, Balakirev
fue nombrado en 1883 director de la Capilla Imperial, un cargo
principalmente administrativo que ocupó hasta el fin del siglo. Pasó la
última década de su vida en el retiro, completando varias obras
inconclusas y revisando otras. Se convirtió en una persona aislada,
rechazaba a sus principales amigos y era maniáticamente religioso.

Balakirev compuso relativamente poco, pero a través de su influencia sobre Mussorgsky, Borodin y Rimsky-Korsakov tuvo un efecto enorme sobre el desarrollo de la música vocal y orquestal rusa. Balakirev
les guió por el camino que condujo a la gran creación de cada uno. Sin
embargo, él compuso lentamente y, de hecho, demoró 33 años en completar
una de sus sinfonías. Notables son sus dos sinfonías, los poemas
sinfónicos Tamara y Rusia, así como la fantasía para piano Islamey.

ESCUCHAR SINFONIA
A ver si se escucha-PRUEBA.

Biber Heinrich

Fecha de Nacimiento: 1644-8-12 en Waltenberg
Fecha de Muerte: 1704-5-3 en Salzburgo

Nacionalidad: Bohemio

Período: Barroco

Biografía:

Biber
fue uno de los compositores más interesantes del barroco medio germano
pero poco se sabe de su formación musical. Probablemente estudió en
Viena con Schmelzer y comenzó su carrera como violinista en la capilla
del obispo de Olmütz. Luego se convirtió en director del coro y la
orquesta del arzobispado de Salzburgo, donde falleció en 1704 tras pasar
sus últimos años en la corte bávara.

Biber logró alta estima
entre sus contemporáneos y socialmente alcanzó un alto nivel. De hecho,
recibió un título de nobleza del emperador Leopold III en 1690, una
distinción que compartió solamente con unos pocos músicos, entre ellos
Hassler, Kern y Dittersdorf.

Biber compuso una gran cantidad de
música litúrgica, dos óperas, un buen número de música de cámara y
muchas piezas para violín. Precisamente son estas últimas las que han
perpetuado su nombre. En su época el violín era todavía un instrumento
relativamente nuevo y Biber fue el primer violinista virtuoso. Además,
sus composiciones para violín fueron las primeras en tener un verdadero
valor musical y marcaron una etapa trascendental en el desarroll
de la técnica del instrumento.

Acordes con séptima mayor. Tonalidad do mayor. Gráfico

Los  Acordes con séptima tienen la séptima del primer grado. Puedes ser esta séptima mayor, menor, disminuida.
En este caso hay séptimas mayores ( el tercer grado mayor : Cmaj7, Fmaj7)  , séptimas menores  ( D-7, Em7, Am7)  , séptima menor con la tercera mayor:  (G7)  y un acorde con la séptima menor y la tercera menor que es semidisminuido : Bm7(b5), en este acorde se da la circunstancia que el 5º grado es bemol.