Federico Elizalde

Compositor y director de orquesta (Manila, 1908.—-)

Estudió con Pérez Casas en madrid y con Bloch en Estados Unidos. Como compositor es especialmente conocido por su “Concierto para Violin y
orquesta. Cuenta además con abundante música de cámara (cuarteto de
cuerda) y cin la ópera Paul Gauguin. Ha sido director de la Orquesta
Sinfónica de Manila.

Federico «Fred» Elizalde

 
Federico «Fred» Elizalde (Manila, 12 de diciembre de 1907 – Manila, 16 de enero de 1979) fue un compositor, pianista y director de orquesta hispanofilipino.

Federico «Fred» Elizalde (Manila, 12 de diciembre de 1907 – Manila, 16 de enero de 1979) fue un compositor, pianista y director de orquesta hispanofilipino.
De Wikipedia 

En su niñez se trasladó a España, estudiando en San Sebastián y en el conservatorio de Madrid.

Posteriormente residió en Inglaterra estudiando en el St. Joseph’s College de Londres y en la Universidad de Stanford en Estados Unidos en la década de 1920. En Stanford recibió lecciones de Ernsst Bloch saliendo de la escuela en 1926. Comienza su carrera musical al frente de una banda de jazz encabezando la banda de la universidad de Stanford en el Hotel Biltmore en Los Ángeles mientras estudiaba composición.

En 1926 graba junto a la Cinderella Roof Orchestra regresando ese mismo año a Inglaterra ingresando en la Universidad de Cambridge como estudiante de derecho.

Elizalde rompió su banda en 1929 justo después de un mal recibimiento de su gira en Escocia y el inicio de la Gran Depresión, lo que exigía el regreso de sus compañeros a Estados Unidos. Dirigió un nuevo grupo en el Duchess Theater en Londres en 1930, pero más tarde en ese mismo año regresó a Manila para aceptar una vacante como conductor de la Orquesta Sinfónica de Manila. La dirigen en la década de 1930 en Biarritz, París, y Madrid, y grabará por última vez en 1933 en un breve viaje de regreso a Gran Bretaña. Mientras que en España estudió con Manuel de Falla y luchó junto al regimiento vasco contra Francisco Franco durante la Guerra Civil española.

Cae enfermo durante la guerra y retorna a Manila. Luego se traslada a Francia viviendo bajo confinamineto en una casa cercana a Bayona durante la ocupación alemana. Este tiempo es de gran creatividad componiendo varios trabajos incluyendo una ópera sobre la vida de Paul Gauguin, un concierto para violín, un cuarteto de cuerda y un concierto para piano. En 1948 regresa de nuevo a Manila dónde dirige a la Manila SO de nuevo. Funda en la ciudad la Manila Little Symphony Orchestra y es nombrado presidente de la radio nacional. Aunque dirige alguna obra en Japón trabaja raramente fuera de Filipinas hasta su retirada en 1974.

Blues

  BluesEl
Blues es un género musical de Estados Unidos. A las orillas del
Mississippi, alrededor de 1900, en un barrio llamado Storyville
(abarrotado de locales de música en directo), los esclavos compraban
instrumentos a los militares estadounidenses. Estos esclavos no tenían
conocimientos musicales y tocaban los instrumentos simulando la voz
humana. Con ello desarrollaron nuevas técnicas. Así empezaron a surgir
las primeras bandas. El blues nace, principalmente, en las plantaciones
de algodón del sur de Estados Unidos. Los esclavos traídos de África
cantaban los llamados hollers, worksongs o “canciones de trabajo” que
más tarde se convertiría en todo un género musical, el Blues. Estas
“canciones de trabajo” cumplían varios objetivos, como transmitirse
mensajes secretos entre ellos o intentar aplacar el dolor y el
sufrimiento que suponía trabajar en las plantaciones de algodón o en la
construcción de carreteras y ferrocarriles. Es una composición de doce
compases de estructura sencilla con ritmos sincopados, de temática
diversa. El Blues ha nutrido al nacimiento y al desarrollo de numerosos estilos musicales de hoy en día: desde el Jazz y el Gospel,
pasando por el Rock and Roll, hasta el Soul y el Rhythm & Blues.
Definición: Melódicamente, el blues está caracterizado por el uso de la
tercera disminuida y el acorde dominante (llamadas nota de blues o “Blue
notes”) de la escala mayor. El uso de las “blue notes” y el uso de la
técnica call-and-response (donde un instrumento suena, después otro lo
hace en forma de respuesta), fueron los patrones que le dieron la
distinción. La escala de blues es muy utilizada en otros tipos de
música, como la música popular, en las baladas e incluso en las
orquestas. En cuanto a letra se refiere, el blues consiste usualmente en
una línea repetida dos veces y en la tercera línea, una frase para
rimar, por ejemplo: Historia: Las primeras formas de Blues evolucionaron
en el delta del Mississipi, en el sur de los EEUU, a finales del siglo
XIX y comienzos del XX. Esta música se caracterizaba por el uso de
instrumentos similares como la guitarra acústica, el piano y la armónica
(conocida como el harpa del blues). Las canciones tenían una estructura
y forma diferente la cual podía ser de 4, 8 o 12 compases (Twelve bar
blues), siempre basados en la tónica, subdominante y dominante de la
tonalidad. El blues prácticamente hablaba sobre los infortunios del
compositor, muchas de las primeras letras eran muy realistas, lo cual
contrastaba con la música de la época. Hacia el 1908, aproximadamente,
el blues comenzó a sonar en New Orleans interpretado, obviamente, por
bandas blancas. Por estas mismas fechas, W.C. Handy, tomó el blues y lo
hizo respetable, pues el estudiado músico y compositor, se aferró a él, y
lo popularizó de tal forma que hoy se le conoce como uno de los “padres
del blues”. Handy fue uno de los primeros en transcribir y en orquestar
blues como si fuese una sinfonía, con grandes bandas y cantantes. Hacia
el 1917-20, el blues era ya una realidad en todo EEUU, ya formaba parte
de la música popular norteamericana, y con el crecimiento de la
industria, también hubo crecimiento de intérpretes tales como Blind
Lemon Jefferson y Blind Blake, quienes grabaron para Paramount, entre
otros… Hacia el 1940-50, el nacimiento de los instrumentos eléctricos,
las ciudades como Chicago, Detroit y Kansas, eran populares por su
blues, y artistas como Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Jimmy Reed, Little
Walter y John Lee Hooker se convirtieron en inmortales. Pero para esta
época, debido a la evolución del blues, el rock n’roll comenzó a
nacer… La música blues, más tarde, se convirtió en una música de
orgullo, en una música sinónimo de derechos civiles, de la libertad de
expresión, muchos movimientos llevaban al blues consigo y esto consiguió
que hubiese un resurgimiento, una vuelta a las raíces, y es cuando
aparecen nombres como Eric Clapton, Canned Heat, Janis Joplin, Jimi
Hendrix, influenciados por el rock, pero siempre retomando sus inicios,
llevaron el blues a la gente joven. Intérpretes destacados Robert Johnson (Uno
de los primeros Bluesman con talento. La leyenda cuenta como
supuestamente hizo un pacto con el Diablo, en una encrucijada a
medianoche, para tocar la guitarra como un maestro. Años más tarde,
siendo joven aún, murió en extrañas circunstancias, lo que hizo que el
mito del pacto con el Diablo tomara mayor relevancia). Howlin’ Wolf Muddy Waters Freddie King Albert King T-Bone Walker John Lee Hooker B.B. King (Blues boy, este apodo surgió cuando estuvo trabajando en una emisora de radio en la cual él ponía música: sólo blues). Stevie Ray Vaughan (Bluesman
por excelencia. Uno de los máximos exponentes de este estilo,
caracterizado por la pasión de sus temas, un excepcional dominio de la
guitarra eléctrica y la expresividad que demostraba en sus conciertos.
Con su muerte, en un accidente de helicóptero, el Blues perdió a un gran
guitarrista). Roben Ford Dr. John Taj Mahal Albert Collins John Mayall Eric Clapton (Slow
Hand, este apodo surgió debido a que siempre era el que más excusas
ponía para pagar las rondas en los bares). Bueno creo que la verdadera
historia es que Slow Hand viene de una frase hecha: “slow hand clap”
significa aplaudir a algo que te aburre… en definitiva más o menos
quiere decir que en el movimiento de sus manos no se muestra esfuerzo.
Mejor preguntad a alguien de procedencia inglesa. Otra posible
procedencia de este apodo son las lentas palmadas con las que se
acompañaba a Clapton mientras cambiaba las cuerdas de su guitarra en
pleno concierto, algo común ya que solía romperlas debido a la furia de
sus interpretaciones.

Ragtime

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Este ragtime se oye en la pelicula EL GOLPE.

La mano izquierda va saltando , hace el bajo y una triada , usa casi siempre una triada , acordes diatónicos. La mano derecha va llevando una melodía con bastantes síncopas y algun contratiempo.

Ver estos artículos:
Síncopas.
Contratiempos.
Pinchar en teoría musical .(categorías).
El rítmo es siempre igual, Bastante rápido.
Las figuras que usan son corcheas y semicorcheas.
Primero hay que hacerlo muy lento para ir luego más rápido.

La música que llamamos jazz, surgió bastante antes que el disco; sin embargo, desde el ultimo cuarto del siglo XIX, el jazz estaba incubándose en el estado sureño de Louisiana (EE.UU.) en torno a un proceso largo y complejo que intentaba superar la rigidez rítmica y adquirir el sello del swing. Uno de los elementos genealógicos mas decisivos junto al blues, que no ha dejado de estar presente a lo largo del jazz, fue el ragtime. Los rags, aunque se tocaban sobre toda clase de instrumentos, fueron esencialmente una especialidad de pianistas. Su apogeo se sitúa entre finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX. Los rags era una música de procedencia europea con un estrecho parentesco con los bailes y marchas entonces en boga. En una época en la que aun no se había expandido el fonógrafo, los rollos de pianola sirvieron para difundirlo.

En realidad el ragtime no puede ser considerado como jazz. Los rags estaban totalmente escritos y excluían la improvisación, pero constituyeron un punto de partida clave para la aparición de los primeros estilos pianísticos de jazz, en particular el estilo stride. Los pianistas criollos y negros de aquella zona, cuyo eje geográfico era New Orleáns como consecuencia del cruce de culturas (española, francesa, anglosajona y africana) desarrollaron sus acentuaciones rítmicas y la independencia entre ambas manos sobre el teclado sirvió para comenzar a introducir variaciones. La incorporación de la tradición del blues y el hecho de tener que tocar para el baile favorecieron paulatinamente el desarrollo del piano-jazz, inequívocamente orquestal.

Corresponde a James Price Johnson (1881-1955) el merito de haber sido el máximo artífice entre la evolución del ragtime al jazz. Sus primeras composiciones de 1917 todavía se situaban en la orbita del ragtime, pero fue a partir de la grabación del celebre “Carolina Shout” -pieza que determinó la vocación pianista de Duke Ellington- cuando se distancia con sensibles diferencias de sus precedentes versiones en rollos de pianola. El jazz estaba ya preparado para experimentar el gran salto de una música bailable y entretenida a una manifestación musical de enorme potencial, y James P. Johnson sintió ya en los años treinta, que la música que hacia pertenecía al pasado, pero sus manos inspiraron, décadas mas tardes, a figuras del jazz de la talla de Fats Waller, Willie “The Lion” Smith, Count Basie, Duke Ellington, Art Tatum e incluso a Thelonious Monk.

Tabla genealógica Bach (3).

La rama más importante del árbol genealógico nace del segundo hijo de Hans (8), Christoph (26), abuelo de Joh. Sebastian. Se han podido reunir sólo muy escasos datos referentes a él. Fué lacayo del duke de Weimar, cargo que implicaba el de músico en la corte ducal. Más tarde se trasladó a Erfurt donde junto con su hermano Johann (9) fué miembro de la “compañía de los músicos “.
Finalmente lo encontramos en Arnstadtdonde vivía su hermano Heinrich (17); allí murió como músico de la corte condal y del municipio.

Sus tres hijos que le sobrvivieron, fueron todos músicos – El mayor, Georg Christoph (27) , nacido en Erfurt, fué chantre en varias ciudades , en último término en Schweinfurt donde murió. uno de sus hijos, Johann Valentin (28) , ocupó el mismo puesto (según nota de Philipp Emanuel ). Más importantes fueron sus dos hijos , Johann Lorenz (29) y Johann Elias (30) . Joh. Lorenz fué organista en Lah,, en Franconia;
Joh. Elias estudió en Leipzig donde vivía en casa de su primo Joh Sebastian a quien ayudó como secretario en su correspondencia y otros quehaceres. Más tarde fué, como su padre y su hermano, chantre en la ciudad de Schweinfurt. Entre sus tres hijos se destacó el segundo, Johann Michael (31); siguiendo la tradición de la familia fué en un principio chantre pero luego viajó por el mundo visitando Holanda, Inglaterra y América. Finalmente se estableció como abogado en una ciudad de Meklemburgo. Escribió varios conciertos para uno y dos claves y orquesta, cantatas, un melodrama y tratado de bajo general.

Ritmo y Compás. Teoría musical.



RITMO: es la ordenación y proporción del tiempo musical en patrones o esquemas regulares. Es la agrupación de los tiempos o pulsos fuertes y débiles de la música.

COMPAS: es la unidad musical del tiempo que divide a éste en parte iguales.


PRESIONAR ESTE DIBUJO
El compás se divide en partes llamadas tiempos o pulsos. Hay tres tipos de compás, según el número de tiempos:

  • «compás binario» (de dos tiempos)
    • «compás cuaternario» (de cuatro tiempos). Esta denominación tiende a desaparecer, y actualmente se lo considera un tipo de compás binario.
  • «compás ternario» (de tres tiempos).
  • «compás irregular» (de un número no entero de tiempos)

La música se divide en tres partes; ritmo, melodía y armonía

MELODÍA– Llamaremos melodía a la sucesión de los sonidos. Ejemplo: do, mi, sol, re, fa etc. Es decir cualquier secuencia de sonidos uno después de otro, será una melodía. RITMO– Llamaremos ritmo a la relación que hay entre acento y duración de los sonidos .Así como cuando hablamos utilizamos acentos, ejemplo: “salón” marcamos con mas énfasis o fuerza una de las sílabas, también lo haremos con algunos de los sonidos que utilizamos por ejemplo: ta – ta – – ta – ta – etc. Si relacionamos la duración de cada sonido con su respectivo acento tendremos lo que llamamos RITMO. Por lo tanto si en una sucesión de sonidos no hay acento determinamos que no existe ritmo, por ejemplo el tic tac del reloj, eso no es ritmo. ARMONÍA – Llamaremos armonía a la simultaneidad de varios sonidos, por lo menos 3 sonidos a la misma vez. Cuando esto sucede decimos que esos tres o mas sonidos simultáneos forman un acorde.

El ritmo lo llevamos igual que hablamos, o paseamos. Cuando hablamos decimos las palabras a la misma velocidad,al gunas palabras las hacemos más rápidas y descansamos en las comas……acentuamos unas y otras las hacemos con menos voz. En la música podemos hacer la primera nota fuerte y la segunda debil. Así marcamos el ritmo y ponemos una velocidad.

Damos dos pasos , un, dos, un, dos es como si hicieramos un compás de dos por cuatro, en el que cada paso en una nota negra. Marcamos el un más fuerte que el dos. Ahora con estos dos pasos hacemos dos (un) y dos (dos) : un, un, dos, dos, estamos haciendo corcheas, la velocidad es la misma pero metemos más notas. Para poder leer estas notas usamos el compás , y los dividimos con una barra vertical, en este compás es donde metemos las notas ( blancas negras….) según nos indica al principio del pentagrama : 2/4, 3/4, 6/8, …..4/4

Esa ordenación se lleva a cabo con el compás. Se podría decir compases son las unidades de medida del tiempo en música. No es exactamente la medida del ritmo, pues aunque hay ritmos que coinciden con los compases también hay otros esquemas rítmicos que no se encajan en ningún compás.
Se representa gráficamente mediante un espacio en el pentagrama delimitado por las “barras de compás”. Este espacio, o compás, se escriben las figuras.

Fuentes: teoría de la música.

FIGURAS
figuras musicaless

temas . compas. ir