Liszt, Franz o Ferenez

Liszt

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Franz Liszt

(Raiding,
actual Hungría, 1811-Bayreuth, Alemania, 1886) Compositor y pianista
húngaro. Su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la
historia de la música. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria
vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de
artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el
éxtasis demoníaco.

Paradigma del artista romántico, fue un niño prodigio que llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio. Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri,
sus recitales causaron sensación y motivaron que se trasladara con su
padre a París, donde en 1825 dio a conocer la única ópera de su
catálogo, Don Sanche, ou Le Château d’amour, fríamente acogida por un
público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un
compositor.

En la capital gala conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Hector Berlioz con su Sinfonía fantástica y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini.
La audición de un recital de este último en 1831 constituyó una
revelación que incidió de modo decisivo en la forma de tocar del joven
virtuoso: desde aquel momento, el objetivo de Liszt fue lograr al piano
los asombrosos efectos que Paganini conseguía extraer de su violín. Y lo
consiguió, en especial en sus Estudios de ejecución trascendente.

Ídolo
de los salones parisinos, del año 1834 data su relación con Marie
d’Agoult, condesa de Flavigny, de la cual nació su hija Cosima, futura
esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard
Wagner después. Su carrera musical, mientras tanto, proseguía imparable,
y en 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar, ciudad que
convirtió en un foco de difusión de la música más avanzada de su tiempo,
en especial la de Wagner, de quien estrenó Lohengrin, y la de Berlioz, del que representó Benvenuto Cellini.
La
producción de Liszt es muy considerable, y se da el caso de que,
mientras como virtuoso desperto la admiración general, como compositor
sus obras han dado lugar a discusiones, especialmente sobre sus
transcripciones de óperas.
Varias obras de Liszt

Sinfonia del Fausto
Sinfonia del Dante
Varios poemas sinfónicos (Hungría- Hamlet- Die Ideale- Orpheus )
Arreglos para orquesta (4 marchas Schubert- 4 caciones Schebert)
Conciertos (1 en Eb, 2en LA Fantasia húngara, Malédiction..)
Varias obras para piano
Estudios
Rapsodias y melodias nacionales (napolitana- La Marseillaise-)
Liebesträume, 3 nocturnos.
Mazurka brillante
2 polonesas.
Valse impromtu
Via crucis
Gran solo de concert
Romance oubliée
Grande valse de bravura
Transcripciones de obras instrumentales (variaciones sobre un vals de Diabelli– Tarantella de César Cui– seis preludios y fugas de Bach
Obertura para Guillermo Tell de Rossini, primer arreglo- Melodías
húngaras dos libros de Schubert-) y muchas más trascripciones.

Transcripciones para óperas
Transcripciones de canciones
Oratorios y otras obras religiosas (La leyenda de Santa Isabel- Chistus, oratorio, Misa de la coronación hungara- 12 motetes o corales- )
Música coral profana
Canciones (55 canciones reeditadas repetidamente en nuevas versiones).
Obras para órgano

Tiene tambien numerosos artículos y ensayos peblicados en periodicos musicales

Grito

Grito

Sonido inarticulado arrancado al hombre
por el dolor o las pasiones. El esfuerzo vocal necesario para la
produción del grito supera las condiciones normales de la emisión de la
voz cantada. Los compositores que lo han introducido en escenas
particularmente patéticas lo han indicado, en ocasiones, sin notarlo;
así lo hizo Wagner en Tristan e Iseo, acto
segundo, escena tercera, en que escribió sobre el pentagrama que
contiene la parte de Bargaine: “da un grito agudo”; pero por lo común,
el grado en que debe ser proferido el grito fijado por la notación. En
algunas obras contemporáneas se observa el empleo de una forma de nota. Debussy figuró con una nota losanjeada el sol
sobre el cual Melisande da un grito de espanto al ver a los tres pobres
sentados en la gruta ( Pelléas et Mélisande, acto II, escena III). Dukas
se sirvió del mismo signo para indicar el grito que dan las seis
mujkeres, cuando Ariana rompe la ventana del subterráneo (Ariana y Barba
Azul, acto II).

Se da el nombre de gritos a los sonidos vocales
en que se diferencian musicalmente las inflexiones de la voz, sin que
haya canto propiamente dicho.Tales son los gritos de los mercaderes y de
los trabajadores de ciertos oficios, de los cuales han sacado magnífico
partido descriptivo los autores de diferente épocas. Ya lo intentaron
los contrapuntistas italianosdel siglo XV; en el siglo XVI, Clément Janequin
hizo de los “gritos de París” el tejido musical de una de sus más
célebres canciones a cuatro voces. Algunos motivos parecidos fueron lo
que dió gran éxito a una escena de La Fanchonnette, de Clapisson (1856), antes de que fuesen encuadrados, con un arte maravilloso, en una escena de Louise, de G. Charpentier (1900).

El
grito es emisión tambien de cada especie animal. El grito trasmitido
por herencia, constituye un lenguage para los individuos de una misma
especie. Su elemento primordial inmediatamente reconocible reside en el timbre,
pero existe en las especies superiores una construcción melódica y
rítmica. Aunque sea difícil reproducirlos musicalmente, los gritos de
los animales han sido notados más o menos aproximadamente por numerosos
compositores, que los han introducido en sus obras.

José Luis
Diccionario de la música : Michel Brenet edición 1946.

Falsete

Falsete  ( de mi antiguo blog)

Voz artificial que corresponde
en el hombre a la voz de cabeza de la mujer, que aquélla imita. Este
timbre especial se produce por una disposición particular de la
hendidura glótica, que durante el acto de cantar en falsete, se halla estrechamente cerrada en su parte posterior. Los limites de la voz falsete cambian según los individuos. En las antiguas composiciones religiosas, casi toda la parte del soprano o de contralto era interrumpida por voces masculinas en falsete.

José Luis

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Falsete
El
falsetto, o falsete en castellano, es una técnica vocal que se utiliza
para alcanzar notas agudas más allá del registro normal del cantante, y
también para dar registros agudos dentro del normal, pero con un volumen
bajo.

Suele ser una voz menos potente, pero con un efecto sonoro
impactante. No sólo se utiliza en el canto clásico, sino también en el “pop” y el “rock”.En
los graves el falsete recuerda un “hilo de voz”, en los agudos (que
suenan con más potencia) es una mezcla entre cantante de ópera y
cantante de “rock” en un momento álgido de su actuación.

Un ejemplo claro de cantante en España que utiliza el falsete es Camilo Sesto en “Getsemaní“;
si se escucha atentamente, en la canción hay tres momentos claros donde
hace uso de esta técnica. Otro ejemplo significativo de un cantante que
emplea y posee una increíble ejecución de esta técnica es Eric Martin, del grupo de Hard rock Mr.Big

También se refiere al miembro honorifico del llamado “Team Vodka” Raul Povedano por sus historias fantasiosas sobre mujeres agraciadas con el don de la simpatía que no con el de la belleza.

Equívoco

Equivoco

 
Facultad de un acorde de pertenecer, sin cambio, a más de una tonalidad. El acorde de do,mi,sol, colocado en el primer grado, es el acorde perfecto de tónica en el tono de do mayor; mas puede ser considerado como acorde de cuarto grado en el tono de sol mayor , de quinto grado en el tono de fa mayor y fa menor, y de sexto grado en el tono de mi menor. Este sentido múltiple , de un mismo acorde , o antifonía , permite la modulación llamada por el equivoco, que
Do,mi,sol
: este acorde no tiene ninguna alteración. La tonalidad de sol mayor
tiene en la armadura un F#, luego no varía el acorde do,mi,sol, que es
el cuarto grado de sol. Fa myor tiene un bemol en la armadura el Bb,
tampoco varía el acorde do,mi,sol, y así sucesivamente. Lo que pasa que
en según que tonalidad representa diferente grado.IR A…..



Tonalidad

___________________

Conjunto de sonidos, cuyo funcionamiento está regido por un sonido principal llamado Tónica.
La
tonalidad se basa en siete sonidos llamados grados y que corresponden
con los siete nombres de las notas. Se identifican con números romanos.
CLASES DE TONOS
_______________________

Una tonalidad puede tener varios modos , principalmente dos: modo mayor y modo menor.

GRADOS TONALES
____________________

Son los grados que definen un tono y son los I;IV y V.

GRADOS MODALES
_________________

Son los grados que definen el modo del tono y son: el III principalmente y los II,VI, y VII.

EL MODELO BASE
________________________

En
la música occidental se ha tomado como base el tono en modo mayor, de
tal forma que, cuando nos referimos a un determinado tono, se
sobreentiende que es mayor y no se dice lo contrario. El tono mayor se
obtiene al ordenar los grados de forma que exista del III al IV un
semitono y entre el VII y el VIII otro semitono.Y de tono los demás
grados.

La escala sería DO-RE-MI-FA-SOL-LA-SI-DO DE MI A FA MEDIO TONO Y DE SI A DO OTRO MEDIO TONO.

Armaduras

Para lograr una escala mayor, desde una nota diferente a do, se tiene que hacer uso de alteraciones adicionales; el conjunto de las alteraciones necesarias para construir una determinada escala mayor se denomina armadura.

La armadura se escribe inmediatamente después de la clave y su efecto es continuo hasta el fin de la obra.
La colocación de las alteraciones que componen una armadura viene determinada por el denominado ciclo de quintas.
El ciclo de quintas se obtiene colocando las notas a igual distancia una de la anterior, de manera que aparezcan los doce sonidos posibles.

Ejemplo de artículo antiguo blog. Cuatriadas.

Aqui se observa un dibujo musical . No se redirecciona para verlo mejor. Y además tiene equivocaciones-

Son acordes con séptima en este caso el acorde C7 es quinto grado de la tonalidad fa mayor. Dm7 es un segundo grado de Sib , dos bemoles en la armadura .

A la triada de do mayor (  do  mi sol)  si se le añade otra tercera tendremos un acorde de séptima, yo lo llamo cuatriada.  De que el acorde cuatriada sea mayor , menor, aumentado , disminuido dependerá de los intervalos de esas teceras sobre todo en el tercer grado y en el séptimo.

Lo explicaré más a fondo en un nuevo artículo, y lo aprenderemos mejor. Yo tambien estoy estudiando la teoría y los acordes.

EL ANTERIOR ARTICULO DICE ASÍ:

Imagen

Rectificar error:

Donde pone subir una nota hacia arriba para completar la cuatriada, son dos notas, (una tercera). Ejemplo: Una triada do,mi,sol —una tercera será el si. Tercera mayor el si, tercera menor el sib.

Tenor

Tenor

En las primeras composiciones armónicas o
contrapuntísticas, el tenor era la parte más grave, el bajo de la
armonía y del ritmo sobre la cual se disponían las demás voces, motete, triple, cuádruple.
Los tenores eran, pues, independientemente de las naturaleza de las
voces, melodías o fragmentos para desempeñar el papel de bajo o de parte
fundamental. Tal era su signuficado en los siglos XIII y XIV, En
aquella época, los músicos obtienen los tenores de dos fuentes: el canto liturgico y la canción profana. Cuando se escogía un tenor profano, en lengua vulgar,se le consevaba el ritmo. Cuando se sacaba del canto litúrgico, el discantor,,
como no tenía que preocuparse de un ritmo inexistente, no pensaba más
que en la sucesión melódica, cuya simetría rítmica él arreglaba a su
manera e imponía al tema una forma modal (rítmica)que antes no tenía.
Asi fue cómo los contrapuntístas se acostumbraron poco a poco al trabajo
temático. El cantus firmus era trabajado como una materia
inerte a la que el obrero da la forma y la vida. A partir de la Edad
Media, puede verse que los contrapuntístas se copian mutuamente un mismo
tema para tratarlo diferente. Hasta ahora se han encontrado seis formas
diferentes del tenor Eius, fragmento del responsorio Stirps Jesse
(atribuido
al Rey Roberto)en el manuscrito de Montpellier. Esta costumbre,
convertida en ligaduras, ha hecho suponer una ejecución de formas que
dan a unos mismos temas los compositores de los siglos XV-XVI.Por lo
común los manuscritos sólo llevan la primera palabra del texto del tenor
escogido: Aptatur o Haec diesetc. Esta ausencia de
palabras, junto con la notación de ligaduras, ha hecho suponer una
ejecución instrumental. Es una hipótesis discutible.

Otro significado más moderno de tenor:
Voz masculina elevada, situada sobre el barítono, y que corresponde aproximadamente a la de soprano
en las mujeres y niños. Sin embargo, la voz de tenor con relación a las
demás voces del hombre, es más elevada que el soprano en relación al
agudo. La voz de tenor agudo era calificada antiguamente de contralto.
En
el canto eclesiástico , se da el nombre tenor a la dominante del modo, o
nota principal, sobre la que reposa o se sostiene la salmodia que se ejecuta.

José Luis.
Diccionario de la Música : Michel Brenet. Primera edición 1946.

Jhon Albercombrie.

El
guitarrista y bajista, John Abercrombie, inició sus estudios musicales a
los catorce años, si bien su autentico aprendizaje no comenzó hasta
1962, cuando entró en la Berklee School of Music. Estudió allí hasta
1966, bajo la dirección de Jack Peterson iniciando así una afortunada
carrera como sideman y como solista. Después de tocar con el organista
Johny Hammond, entró a formar parte de los “Dreams” un grupo de
jazz-rock al que pertenecían también el batería Billy Cobham y el
trompetista Randy Brecker; mas tarde se unió al batería Chico Hamilton, y
al saxofonista Gato Barbieri para actuar en una edición del Festival de
Jazz de Montreux.

En 1975 se incorpora al grupo New Directions
del batería Jack DeJohnette con quien posteriormente y junto al
contrabajista, Dave Holland, funda el grupo “Gateway”. Abercrombie
colabora también con el trompetista italiano, Enrico Rava, en cuyo grupo
actuaría durante un largo periodo de tiempo. Instrumentista virtuoso y
creativo, Abercrombie toca también además de la guitarra, el bajo
eléctrico y un raro instrumento escasamente utilizado en jazz: la
mandolina eléctrica. En mayo de 2003 participó en España en la 22
edición del Festival de Jazz del San Juan Evangelista, junto al
organista Dan Wall y al batería Adam Nussbaum.

JOHN ABERCROMBIE

Disco

SOLAR “THE BEBOP ÁLBUM”

Jazz

Guitarristas de Jazz

Guitarristas de jazz

Jhon Abercombrie

WilliamAckerman
JanAckerman
Laurindo Almeida
Irving Ashby
Roberto Baden Powell
Spencer Barefield
Danny Barker
Everett Barksdale
George Barnes
Robbie Basho
Billy Bauer
Joe Beck
George Benson
Ed Bickert
Toto Blanke
Teddy Bunn
Kenny Burrell
Larry Carlton
Al Casey
Ed Cherry
Don Cherry
Charlie Christian
Cal Collins
Eddie Condon
Ry Cooder
Larry Coryell
Philip Catherine
Bill de Arango
Alex de Grassi
Al DiMeola
Joe Dorio
Ted Dumbar
Cornell Dupree
Eddie Durham
Herb Ellis
James Emery
Ron Eschete
Christian Escoudé
John Fahey
Tal Farlow
Boulou Ferré
Eric Gale
Egberto Gismonti
Freddie Green
Grant Green
Tiny Grimes
Jim Hall
Baird Hersey
Allan Holdsworth
Michael Gregory Jackson
Lonnie Johnson
Rodney Jones
Vic Juris
Barney Kessek
Steve Khan
Earl Klugh
LeoKottke
Vorkel Kriegel
Eddie Lang
Pat Martino
John McLaughlin
Pat Metheny
Wes Montgomery
Oscar Moore
Joe Pass
Les Paul
Bucky Pizzarelli
Roland Prince
Jimmy Raney
Doug Raney
Django Reinhardt
Lee Ritenour
Howard Roderts
Terje Rypdal
Michael Sagmeister
Michael Santiago
John Scofield
Bud Scott
Bola Sete
Jane Shaffer
Sonny Sharrock
Johnny Smith
Les Spann
Johnny St. Cyr
Monette Sudler
Gabor Szabo
Jukka Tolnen
Ralph Towner
James Blood Ulmer
Chuck Wayne
Jack Wilkins
Atilla Zoller

Pachacona habas verdes

Pachacona y habas verdes
Habas Verdes – Baile Sanabrés –

La pachacona es un bailes propio de la provincia de Zamora . Suelen darle este nombre en algunas localidades para distinguirlo del llamado habas verdes. Es bailado igual que el zángano , de Valladoliz.
Habas verdesBaile
cantado muy popular en Castilla, y que , siendo aúnde los más antiguos,
ha llegado hasta nuestros tiempos Su nombre proviene del estribillo que
se dice acompañado de castañuelas al son del pandero: Que toma las habas verdes
Que tomalas allá

ZánganoBaile castellano que se ejecutaba al son de las castañuelas y el pandero.

El gaitero de Sanabria – Julio Prada
Desde
sus primeros pasos como gaitero fué el vecino de Robledo uno de los
feudos del gaitero de Ungilde, según sus propias palabras tocaba en él
más agusto que en el suyo. Así Julio llegó a dominar a la perfección y a
conocer como nadie las tonadas, rondas y bailes más populares en
Robledo. Allí llaman Habas Verdes a la tercera de las piezas del baile
sanabrés. El tema que se recoge respondería a la composiciòn típica de
la formación musical para el baile, gaitero, tamboril tocado por un
hombre -en este caso el maestro Edelio González- y una mujer a la
pandereta y el canto. La voz femenina es la de Maruja Piñero, uno de los
más notables ejemplos del canto femenino acompañado de pandereta.